Canciones con historia



VICTOR MANUEL - LA PLANTA 14
Hola a tod@s:

Estamos de vuelta con”nuestras canciones con historias”.

Hubo un tiempo en España en el que la gente no podía decir lo que quería. Y mucho menos cantarlo. De bailarlo, ni hablamos. Había que controlar la moralidad del pueblo. ¿Qué era eso de ir por ahí pidiendo descaradamente besos? y ya de política ni hablamos.  Durante los años 50 y 60, los censores del Estado  se dedicaron a mirar con lupa las letras de las canciones hechas en España o importadas. 

En los años 60 y 70 en España se abrió paso la llamada canción protesta, donde se ponía de relieve y se pretendía denunciar la situación política y social del País.
La canción que ahora quiero presentaros, y por la que he sentido  siempre un respeto absoluto  es “La Planta 14” del cantante asturiano Victor Manuel.

Se trata de la típica canción narrada en la que el cantautor denuncia los accidentes mineros con resultado trágico. 
Siempre recordaré cuando siendo aún un niño la escuchaba con cierta pena y como la emoción se ponía en la voz del cantante convirtiendo el relato en puro sentimiento.
Allá por el año 1977, Victor Manuel era coordinador musical del Partido Comunista de España y participaba en muchos de sus actos. Ese mismo año, Victor viajó a la República Democrática de Alemania y grabó con la discográfica Amiga el álbum “Spanien“. Este álbum, con canciones en las que por ejemplo, pedía la legalización del PCE,  y que nunca fue editado en España.

Musicalmente se trata de una canción sencilla que  narra el accidente en una mina asturiana con la muerte de tres mineros.

Dos mujeres de luto anhelando dos cuerpos
y una madre que rumia su agonía en silencio
es el tercero.

La historia minera de España nos deja una serie de accidentes importantes, que da cuenta de la peligrosidad del trabajo en este tipo de instalaciones. Los accidentes mineros han sido a través de la historia relativamente frecuentes, buena prueba de ello es el Valle del Turón. Cinco mineros perdían la vida en el año 1963, y cuatro años más tarde, en 1967 el Pozo Santo Tomás también se cobraba la vida de 11 trabajadores. En este caso el accidente, que tenía lugar un 14 de agosto, se producía por una rotura en el ascensor de acceso a la mina.
En ese mismo año 1967, pero el 21 de marzo, un accidente en el Pozo San Vicente de Linares costaba la vida a otras seis personas.
También en 1967, tres mineros morirían al ser sepultados por un hundimiento entre las plantas 15 y 16 del Pozo nº 4. Dos años más tarde, serían 8 los mineros muertos al producirse otra explosión de grisú en el mismo pozo. Las Minas de La Reunión serían cerradas definitivamente en 1972.


Que tengáis un buen día
Braulio Molina López

coro minero, santa barbara

LETRA EN LA PLANTA 14
En la planta catorce del pozo minero
de la tarde amarilla tres hombres no volvieron
hay sirenas, lamentos, acopasados aies
a la boca del pozo.

Dos mujeres de luto anhelando dos cuerpos
y una madre que rumia su agonía en silencio
es el tercero.

A las diez la luna clara
se refleja en las sortijas del Patrón recién llegado
con sombrero, gravedad y su aburrido gesto.
El ha sido el primero, vendrán gobernadores
alcaldes, ingenieros.
tratarán de calmar,
la presentida viuda que se muerde el pañuelo
no sabrán acercarse a la madre que les mira
con los ojos resecos.

A las doce el patrón mirara su reloj
los otros ya se fueron
y en un punto y aparte esbozará un fastidio
mientras piensa ¿pero donde están estos?

Ha llegado otro relevo de bomberos
y la una menos diez era la noche
el primero muerto
Sentados en el suelo, los mineros
se hacen cruces y reniegan de Dios
quién diría les pillara de sorpresa la tragedia repetida
a veces el más bravo se le queda
mirando fijamente al patrón
con dientes apretados
Y el patrón con sombrero,
tiene dos policías a su lado no hay cuidado

Tres horas lentas pasan
a la luz de las linternas asustadas
el cura con los ojos arrasados
al segundo le va uniendo sobre el pecho las manos
y un chaval de quince años
mientras llora impotente se abraza contra un árbol
y el chófer del patrón con su gorra de plato
se siente desplazado, es un hombre prudente,
bien domado.

El rocío ha calado hasta los huesos cuando sale el tercero
le recibe con sonrisa gris azul la madrugada
y con voces los mineros
mientras se abrazan todos y uno de ellos
el mas fiero por no irse al patrón
llora en el suelo.

Juan Antonio Muriel - Princesa

Hola a td@s.

Estamos de vuelta en nuestras “canciones con historia”, y en esta nueva entrega  para centrarnos en una canción que personalmente siempre me gustó y que ya tenía ganas de compartir en mi blog. Antes de nada decir que retrata la historia de una chica de Logroño extraordinariamente joven y extraordinariamente hermosa.
Probablemente esta sea  una de las canciones más emblemáticas y conocidas de Joaquín Sabina pero lo que desconoce mucha gente, es que dicha canción tiene coautoría malagueña, hablamos del cantautor Juan Antonio Muriel.

¿Pero quién es este tal Muriel? Juan Antonio Muriel nacido en Málaga, lleva toda su vida haciendo música. Comenzó a componer y a cantar en Málaga en los años 70s. Actuó en institutos, colegios mayores, programas de radio y espectáculos varios en la citada provincia. De 1971 a 1974, participó en diversos festivales, alternando estas actuaciones con otras; siempre en Andalucía. A mediados de 1974 se trasladó a Madrid. Desde entonces y hasta ahora actua en salas de conciertos, teatros, centros culturales, "garitos" musicales y un largo etcétera de lugares y acontecimientos en toda la península.

La complicidad con la luna le permitió conocer y entablar amistad con otros jóvenes cantantes que, como él, vivía la noche y dormían el alba –entre ellos Joaquín Sabina–, y que le sirvió, a la vez, para introducirse en el mundo de la marginalidad habitado por personajes como aquella muchacha que siempre andaba entre la cirrosis y la sobredosis, a la que Sabina y Muriel le dedicaron las canción "Princesa"; canción que empezó a interpretar Juan Antonio antes que Joaquín, y con la que consiguió el segundo premio en el festival de Benidorm celebrado en 1982.

Preguntado en una entrevista sobre la canción Juan Antonio Muriel respondió:
Princesa la  hice con una letra que me dio Joaquín; caímos en la cuenta de que a pesar de haber tocado bastante juntos, no teníamos ningún tema a medias. Estuvo un tiempo sin que la tocáramos ninguno de los dos. En uno de esos bolos que yo hacía por el norte, la estrené en Torrelavega (Santander).

A partir de entonces, siempre la tuve en mi repertorio. Esa canción fue un éxito desde la primera vez que la canté. Después, a la primera oportunidad que tuve de grabar, la incorporé en mi segundo disco (Seguir Viviendo). La grabé en el -82 y salió en el -83. Sonó en todo el país, y en algunos sitios fuera. La primera tirada -25.000 discos-, se vendió totalmente. Sabina la grabó en el -85, que fue cuando empezó a cantarla. Antes de grabar me dijo que le iba cambiar la letra un poco. Yo sigo cantando la original. Poco a poco, gracias a internet, la gente se va enterando de quiénes son los autores. De todas maneras, la memoria colectiva es bastante frágil, para según que cosas.

La historia de esta canción, la explica el propio Sabina en el libro ‘Sabina en carne viva’: “Princesa era una chica de Logroño. En realidad, una belleza pintada por Botticelli. Muy hippiosa, a la que conocía y con la que me acostaba cuando iba a Logroño, y con la que alguna vez me fui a un pueblecito perdido a pasar un fin de semana. Luego se vino a Madrid y fue cayendo en picado. Eso llevó a la heroína y en ese momento hice la canción”.
Un poco vengativa, la canción habla del don nadie que se enamora de la mujer que está unos peldaños más arriba que él, pero que al fin cae estrepitosamente entre drogas y por la que él ya no siente nada más que un poco de lástima, ahora que ella le busca.

En fin, querid@s amig@s “Princesa” está basado en un hecho real afortunadamente con un final feliz. Es una buena canción, aunque eso si, algo vengativa ja, ja, ja. 
Por último decir que puestos a elegir me quedo con la versión de Juan Antonio Muriel, aunque también os dejo la de Sabina al final del comentario.

Que tengáis un buen día.

Braulio Molina López
Princesa  - Versión Joaquin Sabina

Elton John - Nikita
Hola a tod@s:

Pues si querid@s amig@s, Nikita era un hombre y no lo digo yo, lo dijo nuestro protagonista de esta nueva entrega de “canciones con historia”, Sir Elton John, y lo hizo  manifestando que Nikita en realidad era un hombre y que todas las metáforas sobre la libertad, la paz y respeto eran un alegato para la defensa de la elección de la sexualidad de cada uno y es que en diversos países de la Europa del Este Nikita es utilizado como nombre también por los hombres.

Incluida en la álbum Ice "On fire" de 1985 Elton John centra la historia en un ciudadano de la Alemania Oriental que se enamora de Nikita y que sueña con la caída del muro de Berlin para que este no impida que su amor sea una realidad, todo un drama sin lugar a dudas, separado por un muro de la vergüenza.

En los casi treinta años que estuvo en pie, el Muro de Berlín destrozó ilusiones, y proyectos y fue el triste disparador de separaciones desgarradoras e historias de amor heroico, apasionado y desesperado a la vez que las historias se multiplicaban al ritmo que pasaban los años y la separación era cada vez más triste y profunda.

El Muro de Berlín fue mucho más que una frontera geográfica. A uno y otro lado se consolidaron dos modos de entender la política, la cultura, las ideologías, la humanidad misma  pero el amor seguía siendo el mismo.
 Pero volvamos a la canción para decir que en  plena época de la llamada Guerra Fría fue considerada como una canción revolucionaria describiendo el lado más humano de una guerra que solo dejaba penas, soledad y desamor y es que como he comentado en otras canciones todas las guerras son injustas y constituyen un fracaso de la humanidad.
La canción camuflada bajo una historia de amor fue un "Símbolo de Paz" contribuyendo a la caída del muro, no tengo la menor duda de ello y respecto de la historia que  nos ocupa, tanto es el amor que siente que pasa cada día el muro con el único pretexto de ver a su Nikita.

¿Alguna vez sueñas conmigo?
¿Alguna vez viste las cartas que escribí?
Cuando miras hacia arriba, a través del alambre de espino,
Nikita, ¿cuentas las estrellas en la noche?

En el vídeo clip de la canción, ser personificó a Nikita como una mujer que pertenecía al ejercito de la Alemania Comunista y que conquistaba el corazón de Elton John. Para su rodaje Elton John aceptó la idea de hacer una historia de amor entre él y la chica rubia que era guardia en el ejército alemán. Con ello retrató los sueños que ambos tenían de derribar el muro y vivir en libertad, en paz y juntos por siempre.
Tras su éxito conocimos que el tema tenia sorpresa y es que después de la separación matrimonial en 1988, el músico declaró que la canción trataba de su homosexualidad, que el mismo había admitido estando casado con Bluel y que esta fue la causa principal de su divorcio.

Por ello, Nikita en realidad era un hombre y todas las metáforas sobre la libertad, la paz yel  respeto eran para que la gente entendiera las relaciones homosexuales.

Pero la canción no estuvo exenta de polémicas. Un fotógrafo y compositor demandó a Elton John, en una corte estadounidense, presuntamente por haber plagiado la canción que la estrella del pop británico estrenó en 1985. 
Según Guy Hobbs, él habría escrito el tema en 1982 con base en una historia personal y con el título de "Natasha". Hobbs dijo que la letra de la canción se refiere a una relación breve que tuvo con una mesera en un crucero ruso a principios de la década de los años 80.
Este sostuvo que en esa época envió muestras del tema a diversas empresas, incluida la que graba a Elton John, la Big Pig, sin que obtuviera ninguna respuesta. Finalmente el músico británico Elton John ganó la demanda que había en su contra por el presunto plagio de la letra del tema.
De cualquier forma la canción fue todo un éxito en la carrera de Elton John, convirtiéndose en un hit dentro de los top ten de varios rankings alrededor del mundo.

¿Nikita mujer?, ¿Nikita hombre?, y que mas da, lo importante en mi opinión es que había amor entre dos personas y que la canción nos ofrece un mensaje de libertad, de respeto y de paz, algo que dicho sea de paso necesita el mundo ahora más que nunca.

Que tengáis un buen día y un saludo desde la tierra de Don Quijote
Braulio Molina López.


Hey, Nikita, hace frío
en tu pequeño rincón del mundo?
Puedes rodar por toda la tierra
y no encontrar nunca un alma más cálida a la que conocer.

Oh, te vi al lado del muro
con diez de tus soldados de hojalata puestos en fila,
con ojos que parecían hielo sobre fuego.
El corazón humano, un cautivo en la nieve.

Oh, Nikita, nunca sabrás nada sobre mi hogar.
Nunca sabré lo bien que se siente al abrazarte,
¡Nikita, te necesito tanto!
¿Oh, Nikita, eres la otra cara de cualquier línea en el tiempo?
Contando diez soldados de hojalata en fila.
Oh, no, Nikita, nunca sabrás...

¿Alguna vez sueñas conmigo?
¿Alguna vez viste las cartas que escribí?
Cuando miras hacia arriba, a través del alambre de espino,
Nikita, ¿cuentas las estrellas en la noche?

Y si llega un día
en el que puertas y pistolas ya no te retengan más,
y eres libre de elegir.
Mira hacia el oeste, y encuentra a un amigo.

Oh, Nikita, nunca sabrás nada sobre mi hogar.
Nunca sabré lo bien que se siente al abrazarte,
¡Nikita, te necesito tanto!

¿Oh, Nikita, eres la otra cara de cualquier línea en el tiempo?
Contando diez soldados de hojalata en fila.
Oh, no, Nikita, nunca sabrás...

El Muro de Berlin

Dire Straits - Brothers in arms 

Hola a tod@s

En primer lugar me gustaría preguntarme si existe alguna guerra justa, si hay alguna justificación para tanto sufrimiento mas allá de un concepto teológico y politico. Las guerras nacen en mi opinión del orgullo, del egoísmo, de la intolerancia. Una guerra sumerge en el abismo del dolor y la desesperanza, a muchos hombres y mujeres, niños y jóvenes, que tal vez nunca podrán recuperar su vida normal. Una guerra siempre trae consigo pobreza, soledad, abandono, odios y rencores. En sintenis decir que el uso de la violencia nunca lleva a la justicia e igualdad por muy justa que quiera presentarse una guerra siempre es un fracaso de la humanidad.

Tiempo ahora para una nueva propuesta de “canciones con historia”. Corría el año de 1985 cuando Mark Knopfler compuso la canción que ahora os presento, Brothers in arms (hermanos en armas en español).
De la canción que nos ocupa habría que destacar los mas de treinta millones de copias vendidas, convirtiéndose en el tercer disco mas vendido de la década de los años ochenta marcando un hito en la historia, ya que fue grabado de manera digital en formato Compact Disc.

La canción Brothers in Arms es un alegato contra la guerra y los conflictos que ocupaban las portadas de los diarios por aquel entonces, la guerra del  Salvado y Nicaragua el conflicto de Las Malvinas. Está estructurado en un tiempo lento muy bien acompañado con la guitarra y el teclado y por supuesto la guitarra de Knopfler. Una canción con mensaje, con un mensaje general, que habla de paz, de amor y de hermandad.

Con los sintetizadores del inicio se consigue crear una atmósfera de tragedia que nos introduce en los horrores de la guerra, y cada fraseo de guitarra que suena con cada línea cantada por Knopfler es como un sentido lamento.

A través de estos campos de destrucción,
bautismos de fuego,
he presenciado vuestro sufrimiento
mientras la ira crecía en la batalla;
y aunque me hirieron gravemente
en la alarma y el miedo
no me abandonasteis,
mis hermanos de armas.

La letra nos habla de la guerra, sin duda donde se deja ver lo peor del ser humano, el desprecio por la vida, la muerte y la destrucción, pero en la que se deja entrever a otros hermanos en armas que nos salvarán la vida. La introducción la realiza la guitarra de Mark con los teclados de fondo y los efectos de sonido de una tormenta para dejar paso a la voz susurrante y triste del solista con un fondo de sintetizadores a modo de concertina y a la que se unen progresivamente el bajo y la batería.

Decir tambien que  el sonido de Brothers In Arms es en principio más sencillo que el de su anterior trabajo, Love Over Gold, pero mucho más elaborado que en sus primeros álbumes. Esta obra supuso el lanzamiento de la banda al estatus de superestrellas del rock.
El 19 de septiembre de 2000, Brothers in Arms fue remasterizado y reeditado junto al resto del catálogo musical de Dire Straits. El 26 de julio de 2005 fue publicado en formato Super Audio CD, y apenas un mes después, el 16 de agosto de 2005, en formato DualDisc, ganando un Grammy al Mejor Álbum con Sonido Surround.

Os dejo con  "Brothers in Arms" el alegato pacifista de Dire Straits con el deseo de que tengáis un buen día. 
Braulio Molina López
Estas montañas cubiertas de niebla
son ahora un hogar para mí,
pero mi hogar son las tierras bajas 
y siempre lo serán.

Algún día volveréis
a vuestros valles y granjas
y nunca mas arderéis en deseos
de ser hermanos en armas.

A través de estos campos de destrucción,
bautismos de fuego,
he presenciado vuestro sufrimiento
mientras la ira crecía en la batalla;
y aunque me hirieron gravemente
en la alarma y el miedo
no me abandonasteis,
mis hermanos de armas.

Hay tantos mundos diferentes,
tantos soles diferentes
y nosotros tenemos sólo un mundo,
pero vivimos en varios.

Ahora el sol se ha ido al infierno,
y la luna cabalga en las alturas.
Dejad que me despida;
todo hombre ha de morir.
Pero está escrito en el brillo de las estrellas
y en cada linea de vuestra mano,
qué estupidez es que hagamos guerra
contra nuestros hermanos en armas.


John Lennon - Imagine
Hola a tod@s:
Nuevo paseo por la música y nueva entrega de “canciones con historia” con otro tema musical emblemático que ha hecho historia y que será recordado siempre.
Antes de nada, me gustaría preguntarme si soñar con un mundo en paz es realista y posible y es que....
“Si queremos un mundo de paz y de justicia hay que poner decididamente la inteligencia al servicio del amor.

Esta reflexión sobre la paz nos lleva inevitablemente a hablar de la guerra sí, hay que hablar lamentablemente de guerra, de enfrentamientos, de las batallas entre territorios, de combates en nombre de no se sabe bien quién o qué, de invasiones por intereses económicos no reconocidos. Guerras, en definitiva, que cada día dejan miles de muertos, decenas de miles de desplazados que buscan refugio, con desigual suerte, en otros países.
La paz es el fin último de todos los pueblos, pero son muchos los intereses que impiden acabar con conflictos. Luchas por el poder, corrupción, dictaduras.
La canción que ahora os presento es un alegato para la paz: “Imagine” de John Lennon, la compuso una mañana de 1971 mientras Yoko Ono observaba como trabajaba sentado ante su enorme piano blanco, un instrumento que acabó siendo tan famoso como la canción (el que podemos ver en el video).

Tras componer Imagine Lennon declaró: “Finalmente conseguí terminar una canción con una melodía serena y tranquila que me infundió la sensación de haber escrito algo especial”  y pasados los años la definió como: ”una canción anti-religiosa, anti-nacionalista, anti-convencional y anti-capitalista, pero con una dulzura tal que enseguida fue aceptada por la sociedad”.
Para sus opositores, Imagine y el pacifismo de Lennon no eran más que idealismo pacifista y plagado de consignas anticapitalistas que  se desdecían del ritmo de vida de un multimillonario y excéntrico apóstol de la austeridad que proclamaba un reparto equitativo de las riquezas mientras él disfrutaba de una inmensa fortuna.

Polémicas al margen es incuestionable que Lennon fue un mito, un gran músico y que Imagine nació impregnada de una magia especial y una paz que, desde el momento en que fue compuesta, la predestinaron para poder llegar al más recóndito rincón del planeta y perdurar en el tiempo.

Imagina a toda la gente viviendo el hoy.
Imagina que no hay países
no es difícil de hacer
Nadie por quien matar o morir
ni tampoco religión
Imagina a toda la gente
viviendo la vida en paz.
Paul McCartney habla sobre Imagine

“Imagine” es la canción por excelencia de John Lennon en solitario y una de sus mejores composiciones. En el año 2004 fue considerada por la revista musical Rolling Stones como la tercera mejor canción de la historia, John Lennon la compuso en su habitación de Ascot, Inglaterra, una melodía sencilla, de gran belleza que habla de cómo la imaginación puede llegar a cambiar el mundo si se tiene fe.
Para el autor de este blog en Imagine no hay ninguna protesta ni culpa, sólo hay esperanza. Durante toda la lírica, no hay ira ni frustración. Nada más que la paciencia, esperanza, coo decía,  y preocupación por la humanidad en general.

Decir también antes de escucharla que Imagine es un tema bien estructurado y armado en su letra, que tiene una gran fuerza interior. Lennon con esta canción nos invita a abrir nuestra mente y a imaginar el mundo como un lugar mejor y que puede convertirse en una realidad.

La canción se compone de una breve introducción al piano, dos versos, un coro, un tercer verso y una repetición del estribillo y supuso la firma personal en la carrera musical de Lennon manteniéndose como exponente e himno de la paz mundial, es aceptada por su dulzura”, tema que a pesar de su popularidad causó controversia y recibió numerosas críticas a lo largo de los años, algunas de ellas por la percepción negativa de su letra.

Que tengáis un buen día paz en vuestras vidas y que suene la música.
Saludos desde Castilla La Mancha – España. 


Braulio Molina López

Lennon y Yoko Ono coprodujeron la canción y el álbum del mismo nombre con Phil Spector. La grabación comenzó en mayo de 1971 en el propio estudio del compositor, ubicado en su entonces hogar en Tittenhurst Park, Inglaterra, y concluyó en julio en los estudios Record Plant, en Nueva York. Un més después de haber publicado el LP en septiembre, Lennon lanzó «Imagine» como sencillo en Estados Unidos. La balada logró posicionarse en el tercer puesto del Billboard Hot 100 y el LP alcanzó el primer lugar de la lista británica en noviembre.

El álbum se convertiría más tarde en el más exitoso comercialmente y críticamente aclamado de la carrera como solista de Lennon. La canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido hasta 1975 con el fin de promocionar un LP recopilatorio, y llegó al sexto puesto de la lista británica de sencillos. Desde entonces, se han venido más de 1,6 millones de copias de la pista en el Reino Unido. Tras la muerte de Lennon en diciembre de 1980, volvió a ingresar en la lista, esta vez en el primer lugar.
Según el sitio agregador de listas Acclaimed Music, «Imagine» es la 25.ª canción más aclamada por los críticos de todos los tiempos.

BMI nombró a «Imagine» una de las 100 canciones más tocadas del siglo XX y la Recording Industry Association of America la colocó en el número 30 de una lista que realizó llamada «Canciones del siglo», sobre la base de su trascendencia histórica. Se llevó además el Premio del Salón de la Fama de los Grammy y figura en la lista «500 canciones que cambiaron el rock and roll», hecha por el Salón de la Fama del Rock. Una encuesta llevada a cabo por los autores del libro Guinness World Records British Hit Singles Book lo nombró el segundo mejor sencillo de todos los tiempos, mientras que la revista Rolling Stone la incorporó en el número tres de su lista «Las 500 mejores canciones de todos los tiempos».

Desde 2005 se ha vuelto en una tradición tocar «Imagine» previo al fin de año en Times Square en Nueva York. Muchos artistas han interpretado o grabado versiones de la canción, entre los cuales se encuentran Madonna, Stevie Wonder, Joan Baez, Elton John y Diana Ross. Emeli Sandé realizó un cover del sencillo para su uso en los créditos finales de la clausura de los Juegos Olímpicos de 2012 en agosto de ese año.
(Wikipedia)

Imagina que no hay Cielo,
es fácil si lo intentas.
Sin infierno bajo nosotros,
encima de nosotros, solo el cielo.

Imagina a todo el mundo.
viviendo el día a día...
Imagina que no hay países,
no es difícil hacerlo.
Nada por lo que matar o morir,
ni tampoco religión.

Imagina a toda el mundo,
viviendo la vida en paz...
Puedes decir que soy un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día te unas a nosotros,
y el mundo será uno solo.

Imagina que no hay posesiones,
me pregunto si puedes.
Sin necesidad de gula o hambruna,
una hermandad de hombres.
Imagínate a todo el mundo,
compartiendo el mundo...

Puedes decir que soy un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día te unas a nosotros,
y el mundo será uno solo.
Imagine - Versión Lady Gaga


Eagles - Hotel California

Hola a tod@s, ¿como estais?

Bienvenidos a una nueva entrega de “canciones  con historia”. Nuestro recorrido por las canciones clásicas que han hecho historia  se detiene ahora en 1976, año en que apareció el disco “Hotel California".

 Decir que se trata de una buena composición calificada como una de las canciones más grandes de todos los tiempos y que  la revista Rolling Stone la ubicó en el lugar 49 de sus 500 mejores canciones.

La verdad es que con el paso de las décadas la ficción ha superado a la realidad. Más allá de mitos y leyendas que más adelante comentaré, la composición está orientada al lado perverso del sueño americano y a los excesos de la “vida alta” en Los Angeles, pero sobre todas las cosas se basa en un antiguo amor del propio Henley con quien tuvo un desagradable rompimiento justo antes del lanzamiento del álbum Hotel. Esta es la realidad y el sentido de la composición, a pesar de ello con el paso de los años se le ha dado distintas interpretaciones que no coinciden con la realidad. 
“Bienvenido al Hotel California”, -¡vaya!, ¡qué hermoso lugar!, que hermosa canción, es  universal y le  llega a todo el mundo. Hotel California es de esas canciones que nos conectan con una sensibilidad que no podemos explicar y nos recuerda porque la música es una arte y por ende una manifestación del alma.

Las generaciones van pasando pero cuando descubren esta canción irremediablemente se quedan enganchadas a ella, y cuando la traducen por primera vez se peguntan si están ante una letra con un sin fin de interpretaciones que pueden aducir al demonio, tal vez al demonio de las drogas, pero solo tal vez porque no es asi,  también a algún vicio o a las depresiones, y para la banda todo esto se encontraba en Los Ángeles de mediados de los años 70.

Se ha especulado que la canción trata sobre la rehabilitación de drogas y la referencia en la letra de apuñalar a la "bestia" con "cuchillos de acero" se refiere al corte de la cocaína o que habla de prácticas satánicas. Este es uno de tantos significados curiosos que le han dado a esta clásica canción, y hay mas, hay quien asegura que la canción trata sobre inmigrantes iranies en Los Ángeles. Lo cierto es que la banda nunca abaló estos significados. 
.
Fue Don Felder, guitarrista de The Eagles, quien creó el riff y la base musical de Hotel California y se la presentó a Glenn Frey, tecladista de la banda, y su baterista Don Henley.
Fascinados con lo que les había presentado Felder, la banda rápidamente trabajó en la estructura musical de la canción, trayendo como resultado no solamente esa música que ya todos conocemos, sino un final musical épico en donde las guitarras de Felder y Joe Walsh, el otro guitarrista de la banda, se entremezclan en un duelo de guitarras para ofrecernos no solamente uno de los mejores solos de guitarra jamás creados, sino un coda perfecto y emotivo.
Al margen de las especulaciones, pero ya escuchando la canción no se a vosotros, pero a  mí me produce cierta  melancolía y tristeza sobretodo en los acordes iniciales.
La canción empieza con unos nostálgicos punteos de guitarra acústicas acompañados por el bajo, a los que se suman poco después un órgano y los platillos de la batería para acrecentar la sensación de incertidumbre y oscuridad en la que nos sumerge rápidamente “Hotel California”.
Tras esta introducción en acústico de aproximadamente un minuto en la que ya nos sentimos extasiados por la inmensa belleza de la música, la característica voz de Don Henley comienza a  sonar, arropado por la magnífica fusión entre guitarras acústicas y eléctricas.

El estribillo nos llega potente y brillante, destilando cierta alegría,  con las guitarras tocando a dúo cortas melodías entre verso y verso. Pronto, la canción vuelve a la tristeza insondable del principio pero con más presencia de las guitarras eléctricas, que tocan varias voces a la vez para dar como resultado final un contrapunto soberbio y sublime.
Tras la repetición del estribillo y unas estrofas más llega los esperados solos de guitarra, que son de lo mejor de la canción, si no del álbum. Joe Walsh y Don Felder se encargan de las guitarras, cuyas notas se quedan grabadas a fuego en la memoria.

Si tuviera que decantarme por algún momento de la canción sin duda lo haría por el pasaje en el que las dos guitarras tocan a dúo es simplemente asombroso.
 Es un sello auténtico de uno de los grandes himnos en la historia del rock, el cual, pese a las constantes aclaraciones de los miembros de Eagles, seguirá agrandando una nube de teorías incontenible acerca de su origen. No por nada, el Hotel California de Baja cobra poco más de cinco dólares por un tour en sus entrañas derivado de una linda y conveniente coincidencia que no tiene fundamento real ni conexión musical.
Mi conclusión es que ni drogas, ni demonios, ni nada de nada. Bueno que cada uno escoja la interpretación que quiera, pero sea la que fuere, estamos ante una gran composición, con buenos arreglos rítmicos y mejor melodía, una canción que merece por merito propio figurar entre mis canciones favoritas, por cierto no os perdáis la versión flamenco que de la canción se hizo en España y que os dejo mas abajo. 

Un saludo desde Ciudad Real (España) y que tengáis un buen día
Braulio Molina López
En una oscura carretera del desierto
Viento fresco en mi pelo
Cálido aroma de colitas
Subiendo por el aire
Lejos, en la distancia
Vi una luz temblorosa
Mi cabeza se puso pesada y mi vista se nubló
Tuve que pararme para pasar la noche

Allí ella estuba de pie en la entrada
Oí la campana de misión
Y yo pensaba a mí
Esto podría ser el cielo o el infierno
Entonces ella encendió una vela
Y me mostró el camino
Se oían voces allá en el pasillo
Creo que les oí decir ...

Bienvenidos al Hotel California
Un lugar tan encantador, una cara tan encantadora
Hay muchas habitaciones libres en el hotel California
Cualquier tiempo del año, usted puede encontrarlo aquí

Su mente es definitivamente enroscada
Ella tiene su Mercedes benz
Ella tiene muchos, muchachos guapos
a los que ella llama amigos
Bailan mucho en el patio
Sudor de verano dulce
Algunos bailes para recordar
Algunos bailes para olvidar

Así que llamé al capitán
Por favor tráigame mi vino
Él dijo que no hemos tenido aquel espíritu aquí desde 1969
Y todavía aquellas voces me seguían llamando desde lejos
Te despertaban en medio de la noche
Sólo para oírles decir ...

Bienvenidos al Hotel California
Un lugar tan encantador, una cara tan encantadora
Ellos están viviendo esto en el Hotel California
Qué sorpresa tan agradable, preséntales tus excusas

Espejos en el techo, el champagne rosado en hielo
Y ella dijo que estamos todos prisioneros aquí
por nuestra propia voluntad
En las habitaciones del dueño
ellos se reunieron para el banquete
Lo apuñalaron con cuchillos de acero
Pero no pudieron matar a la bestia

La última cosa que recuerdo, yo estaba corriendo por la puerta
Tenía que encontrar el camino de regreso al lugar donde estaba
"Relájate" dijo el portero de noche
Estamos programados para recibir
Puedes hacer el Check-out cuando quieras, pero nunca te puedes ir.
Versión flamenco



Hola a tod@s:
Continuando con nuestro recorrido por aquellas canciones  que hicieron meritos para ser recordadas tenemos ahora como invitado en “canciones con historia” a un cantante con acento andaluz, ja, ja, ja, os hablo de Alejandro Sanz.

Ja,ja,ja a mí lo que me gustaría saber si ese corazón partió del que habla Sanz es precisamente el suyo , pues bien precisamente cuando le preguntamos a Alejandro esto contestaba: Siempre he tenido pequeñas grietas. Creo que todos tenemos el corazón astillado, más que partió. Los mejores muebles se sacan de las astillas ¿no? y no de las grandes encinas. Si tuviéramos que hacer una casa con los corazones de la gente tendríamos problemas de humedad. Hay mucha grieta por ahí. Todos tenemos el corazón partío y con muchos remaches, ¿quién tiene el corazón entero?.
Ja,ja,ja desconozco querido Alejandro, como digo si ese será tu corazón pero si estoy en condiciones de afirmar que en la canción se te rompió con mucho arte.

Enseguida hablamos de la canción pero antes permitidme que os cuente una anécdota que vivi precisamente con nuestro invitado:

Daimiel, septiembre de 1995. Tres horas antes del inicio del concierto llegué a los camerinos con la unidad móvil de Radio Daimiel, al objeto de emitir en directo la rueda de prensa.
Tras una hora de espera, ya cansado de estar allí, pasó cerca de mi alguien y le dije:”cuando viene este elemento” que ya estoy harto de estar aquí, “Que elemento me dijo”, Alejandro Sanz, le contesté. Me miró y me dijo si soy yo. Me quede mirándolo fijamente (llevaba una camiseta blanca y un cordón de zapatos colgando del cuello y sin afeitar) y le dije: Es  verdad, eres tú, perdona porque no te había reconocido, no pasa nada, me contestó, enseguida me arreglo y comenzamos la rueda de prensa. (Así conocí a Alejandro Sanz). Después le pregunte que las chicas de Daimiel me habían encargado que le preguntase si tenía novia, su respuesta fue que no era un monje.

De esto han pasado ya 21 años los dos somos ahora más mayores y quizá menos impulsivos, pero vamos con la canción.

Comenzar diciendo que con los beneficios de la canción Alejandro Sanz hizo una donación a Greenpeace de una importante cantidad de dinero y la organización decidió comprar dos lanchas de intervención rápida y además ponerle a una de ellas el nombre de corazón partio.

Respecto de su composición el propio Alejandro Sanz contó que tardó en componer esta canción dos años. "La empecé a componer en Monterrey. Me salió el estribillo muy rápido, como algo muy espontáneo, como un golpetazo de aspersión y después tardé como dos años en escribir las estrofas", explicó a la vez que aseveraba que "No es fácil cuando tienes un estribillo tan claro, o cuando tienes una estrofa muy potente, resolver el estribillo".

En la canción le  pregunta a una chica que lo ha dejado por otro quién a partir de ahora va a cuidar de él, con quién va a compartir todas sus emociones, quién va a alegrarle la existencia y en definitiva qué va a hacer ahora que ya se había acostumbrado a ella y de repente se encuentra solo porque ha aparecido otro hombre en la vida de ella.

Además también le hace una aclaración a la chica: “Dar solamente aquello que te sobra nunca fue compartir, sino dar limosna”. Ja,ja, ja que bueno Alejandro, aquí lo has bordado.

“Más” donde se incluye “corazón partio”, es para mucha gente el mejor disco de su carrera, que dejó el listón muy alto.
Miguel Angel Arenas narra en su libro "Anécdotas de él con migo mismo" que habian grabado la canción con los músicos originales que participaron en todas las canciones del disco pero Alejandro estaba insatisfecho: "No, no es así", daba media vuelta y se encerraba en su habitación, preocupado de que no le saliera lo que él buscaba y había planeado durante tanto tiempo.

"El Capi", preocupado por la frustración de su amigo (Sabia que tenia solo una oportunidad de hacer exitosa esa cancion), se fue a Madrid y se buscó a Lulo Perez, un cubano que con sus arreglos de metales, logro mezclar junto a la esencia flamenca que Alejandro y sonido italiano de su productor Emmanuele Ruffinengo una canción que quedó para la posteridad, cambiaron a todos los músicos y la grabaron durante 2 días, tocándola en el estudio como si fuera en vivo hasta lograr dar con ella, esa, fue la historia de "Corazón Partio.
Y para terminar quiero comentaros una anécdota que llevó incluso la notica a los medios nacionales de una de las actuaciones de Alejandro Sanz en Daimiel (Ciudad Real).
De ir que Alejandro Sanz ha pasado en varias ocasiones por esta ciudad manchega, pero en esta ocasión quiero centrarme en septiembre de 1995 cuando una enorme tormenta de tierra, vientos huracanados de más de  100 km. hora y agua acabó en minutos con el espectáculo.
Lo que comenzó como una gran fiesta pudo acabar como una tragedia. El esperado concierto de Alejandro Sanz en el Auditorio de Daimiel tuvo que suspenderse precipitadamente cuando vientos huracanados, acompañados de fuerte lluvia se centraron en el recinto y a punto estuvieron de hacer volar a cuantos presenciaban la actuación. Durante unos minutos aquello se convirtió en un escenario dantesco, el escenario quedó seriamente dañado y también su estructura.

Una vez comenzado el espectáculo justamente Alejandro Sanz iniciaba su tercera canción de la noche, “Si tú me miras” cuando de forma fulminante se lanzó el huracán sobre el joven cantante, lanzando la batería por los aires, los telones al infinito y el micrófono y el pie que lo sujetaba contra él, lo que le ocasionó una pequeña dolencia que tuvo que ser atendida, apareciendo posteriormente con el brazo en cabestrillo.
El personal buscó cobijo en el cercano Pabellón cubierto que pronto se convirtió en una jaula de locos, cuando después de una hora Alejandro Sanz apareció sobre una silla con el brazo en cabestrillo, que poco duro porque inmediatamente se lo quitó, al igual que la camisa y quedándose en camiseta agarró una guitarra y se arranco por bulerías.

Aquello fue la  apoteosis final. Las jovencitas, pese a ello, se fueron llorosamente felices a sus casas, habían visto más cerca que nunca e incluso habían tocado a su joven ídolo. A-le-jan-dro se les  había aparecido en carne y hueso y es que a una fuerza de la naturaleza, como el huracán que llegó de repente a Daimiel, solo lo para eso, otra fuerza de la naturaleza como fue Alejandro Sanz aquella noche en Daimiel.
Por cierto que este titular de la revista es cuanto menos muy exagerado, os lo digo yo que fui testigo de todo y en ningun momento corrió peligro su vida, ja,ja,ja bueno que me enrollo, os dejo con el “corazón partió”y ya sabéis tiritas ja,j,aja…que paséis un buen día. 
Braulio Molina López

Tiritas pa este corazón partío. 
Tiritas pa este corazón partío. 
Ya lo ves, que no hay dos sin tres,
que la vida va y viene y que no se detiene...
Y, qué sé yo,
pero miénteme aunque sea, dime que algo queda
entre nosotros dos, que en tu habitación
nunca sale el sol, ni existe el tiempo,
ni el dolor.


Llévame si quieres a perder,

a ningún destino, sin ningún por qué.



Ya lo sé, que corazón que no ve

es corazón que no siente,

o corazón que te miente amor.

Pero, sabes que en lo más profundo de mi alma

sigue aquel dolor por creer en ti

¿qué fue de la ilusión y de lo bello que es vivir?



Para qué me curaste cuando estaba herío

si hoy me dejas de nuevo con el corazón partío.



¿Quién me va a entregar sus emociones?

¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?

¿Quién me tapará esta noche si hace frío?

¿Quién me va a curar el corazón partío?

¿Quién llenará de primaveras este enero,

y bajará la luna para que juguemos?

Dime, si tú te vas, dime cariño mío,

¿quién me va a curar el corazón partío?



Tiritas pa este corazón partío.

Tiritas pa este corazón partío.



Dar solamente aquello que te sobra

nunca fue compartir, sino dar limosna, amor.

Si no lo sabes tú, te lo digo yo.

Después de la tormenta siempre llega la calma.

pero, sé que después de ti,

después de ti no hay nada.



Para qué me curaste cuando estaba herío

si hoy me dejas de nuevo con el corazón partío.



¿Quién me va a entregar sus emociones?

¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?

¿Quién me tapará esta noche si hace frío?

¿Quién me va a curar el corazón partío?

¿Quién llenará de primaveras este enero,

y bajará la luna para que juguemos?

Dime, si tú te vas, dime cariño mío,

¿quién me va a curar el corazón partío?



¿Quién me va a entregar sus emociones?

¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?

¿Quién me tapará esta noche si hace frío?

¿Quién me va a curar el corazón partío?

¿Quién llenará de primaveras este enero,

y bajará la luna para que juguemos?

Dime, si tú te vas, dime cariño mío,

¿quién me va a curar el corazón partío?



¿Quién me va a entregar ...

Al Stewart - Year Of The Cat       (1976)

La canción se caracteriza por sus largas secciones instrumentales; de hecho, en la versión del álbum, de 6'40", más de cuatro minutos de la canción se dedican a temas instrumentales, incluyendo un solo de piano, guitarra acústica, guitarra eléctrica distorsionada y saxofón.
 Esta canción fue escrita por el cantante y compositor Al Stewart; el álbum se grabó en Abbey Road Studios, Londres, en enero de 1976 por el ingeniero de sonido y músico inglés Alan Parsons, y se publicó en julio de 1976.

Al Stewart nos ofrece una de sus mejores composiciones pop con rasgos folk, basada en una glamurosa expresión vocal y asentada sobre una melodía que nos seduce desde la primera vez que escuchamos el piano y que acaba de enamorarnos con su solo de saxo. En cierta forma nos recuerda a ‘Baker street’ de Gerry Rafferty.
No es jazz, ni power ballad, ni blues, ni pop, ni rock. Es ‘Year of the cat’, una mezcla de instrumentos genial. Unos van cediendo protagonismo a los otros de una manera absolutamente enlazada.

Nos habla del amor que experimenta en el año del gato de la astrología vietnamita, el año sin estrés y relajado que se da cada doce primaveras. Es la historia de una hippie que enamora a un turista tras compartir una noche apasionada. A él le lleva a perder el transporte mediante el cual debía regresar a casa.

Stewart dijo en una entrevista que: "Él (Tony Hancock) se paró en el escenario y dijo:" No quiero estar aquí. Estoy totalmente decepcionado con mi vida. Soy un perdedor total, aunque suene estúpido. No sé por que acepte venir para acá". Luego de esas palabras todos se rieron, ya que creian que era un nuevo personaje que había inventado... pero en realidad no estaba mintiendo. Me puse a mirarlo y me di cuanta que todo era real".

Luego de ese triste y deprimente espectaculo del comediante, Al Stewart escribió parte de la letra en honor a ese valiente actor que dejó su alma en el escenario y nadie le creyó. La canción fue titulada "Foot Of The Stage" y contenía una frase muy significativa en honor al famoso comendiante inglés, "Your tears fall down like rain at the foot of the stage" (en español es algo como "Tus lágrimas caen como lluvia sobre el escenario").
Pero en 1968 todo cambió para la historia de esta canción. Mientras hacía unos espectáculos en Sydney, una mezcla de pastilllas para dormir y alcohol mataron a Harcock. Al saber esa lamentable noticia, Al Steward cambió de planes y decidió no publicar la canción, ya que no queria aprovecharse de la tragedia del humorista para vender su música. Asi que conservó la música y se dispuso a escribir una nueva letra para entregarle a su productor Alan Parson antes que edite el disco que estaban grabando.

                         TRADUCCION
Una mañana de una película de Bogart
en un país donde van para atrás en el tiempo
vas paseando por una multitud como Peter Lorre
contemplando un crimen

Ella sale del sol con un vestido de seda, corriendo
como una acuarela bajo la lluvia
no te molestes en pedir explicaciones
ella sólo te dirá que vino
en el año del gato

No te da tiempo para preguntas
mientras entrecruzas tu brazo con el suyo
y sigues hasta que tu sentido de la dirección
desaparece por completo
Al lado de los muros de azulejo azul cerca de los puestos del mercadillo
hay una puerta escondida a la que te dirige
estos días, dice, siento mi vida
igual que un río que fluye a través
del año del gato
Te mira con tanta frialdad
y sus ojos brillan como la Luna sobre el mar
viene con incienso y esencia de pachulí
así que te las llevas para descubrir lo que te espera dentro
el año del gato
Pues llega la mañana y aún estás con ella
y el autobús y los turistas se han ido
y has perdido tu billete
así que no te puedes subir
Pero los rastros de los latidos del tambor de la noche aún permanecen
en el ritmo del día recién nacido
sabes que en algún momento seguro la vas a dejar
pero por ahora te vas a quedar
en el año del gato
VERSIONES


Serge Gainsbourg & Jane Birkin - Je t'aime... moi non plus (Fontana 1969)

Hola a tod@s si tuviera que decantarme por un exponente revolucionario de finales de los sesenta, respecto de la música, sin duda con este tema creo haber elegido bien. Je t'aime... moi non plus (Yo te amo... yo tampoco" en español) fue todo un escándalo internacional, ja, ja,ja, si han oído bien un escándalo internacional ja, ja,ja, ja.
No puedo entender como algo así originó un escándalo en el panorama internacional hasta el punto de ser condenada por algunas instituciones. No es por decir una y otra vez te amo, sino la manera sugerente en que se expresa ese sentimiento.
En una sociedad que se esconde para hacer el amor pero que práctica la guerra de forma abierta e impune y a la luz de todos, algo falla, no creen? que algo falla.

Que la disfruten
Braulio Molina López

Es considerada como «La máxima canción de amor», debido a su letra y a los intérpretes de ésta.
La canción fue grabada originariamente en 1968 por Serge Gainsbourg y su amante de entonces, Brigitte Bardot. La instrumentación se inspiraba claramente en el reciente éxito "A Whiter Shade of Pale" del grupo Procol Harum (retitulado en España como "Con su blanca palidez") y esta grabación corrió a cargo de Michel Colombier, un músico de larga trayectoria quien décadas después sería contratado por Madonna para su álbum Music y para "Die Another Day", canción para la saga de James Bond.
La grabación de Gainsbourg y Bardot se radió muy pocas veces, causando un gran escándalo, y Bardot le pidió a Gainsbourg que no la lanzase en disco, lo que Gainsbourg aceptó. La explicación oficial afirmaba que el disco no se publicó por la oposición del marido de Bardot, Gunter Sachs, lo que resulta extraño teniendo en cuenta que era un conocido magnate de Playboy. Más bien se cree que Sachs intuía que su esposa y Gainsbourg tenían una aventura, y Bardot procuró evitar el conflicto. La grabación de Gainsbourg con Brigitte Bardot sería publicada en 1986, con la aprobación de la actriz y para recaudar dinero con fines benéficos.

En ese mismo año 1968, Gainsbourg conoció a la actriz inglesa Jane Birkin y se enamoró de ella. Ambos grabaron una nueva versión de la canción, que fue lanzada en 1969.

Una noche a finales de 1968, Serge Gainsbourg irrumpió en el hotel parisino en el que vivía con Jane Birkin. Fue hasta el restaurante y le pidió al pianista que reprodujera el acetato que llevaba consigo. El hombre siguió sus instrucciones. Un momento después, una canción se apoderó del restaurante, dejando atónitos a todos y cada uno de los comensales, que no daban crédito a lo que estaban escuchando: una opulenta balada de amor de aire casi religioso, surcada por jadeos orgásmicos. Cuando vio aquellas caras, Gainsbourg supo que Je t’aime... moi non plus iba a ser un éxito. No estaba equivocado, aunque a decir verdad, la canción estaba destinada a convertirse en mucho más que un superventas.
Jane Birkin llegó a París en pleno Mayo del 68 para rodar una película llamada Slogan. Nacida en Inglaterra hija de una actriz y un espía, a sus 20 años ya tenía en su haber películas con Richard Lester y junto a Warren Beatty. La popularidad le había llegado al intervenir en Blow- Up y convertirse, bajo las órdenes de Antonioni, en la primera intérprete con desnudo frontal en una película comercial. Su pareja coprotagonista en Slogan era Gainsbourg, con el que le costó conectar. Él había pedido a Marisa Berenson para el papel, y aquella jovencita contratada en su lugar ni siquiera sabía francés. El rodaje fue tumultuoso a causa de las revueltas callejeras que recorrían la ciudad. Cuando el Porsche del director ardió en la calle, se decidió que lo más seguro era devolver a Birkin a Londres. Ella se marchó sabiendo que volvería solo por seguir viendo a Gainsbourg.

Tras la ruptura con la Bardot, Gainsbourg había estado ligando con toda mujer que se le puso por delante. Para sacarse la espina, quería volver a grabar Je t’aime… Se lo propuso a Mireille Darc y a Marianne Faithfull, pero ambas se negaron. “Era increíblemente atractivo –contaría Faithfull en 2001-. Un feo muy bello. Extremadamente arrogante y muy sexual.

Era esa clase de hombre que una sabía que, si se acostaba con él, iba a salir de la habitación bien complacida.  No sé bien por qué rechacé cantar la canción.  Digamos que, para mi vergüenza, fue porque mi romance con Mick Jagger estaba empezando y aquello no le habría gustado”. Cuando Birkin regresó a París, se lo propuso a ella. Al principio se negó porque la versión original le parecía inmejorable. Gainsbourg la llevó a cenar a Régine’s, al club Rasputín, la paseó por el París más golfo. Vieron amanecer en un mercado, repartiendo champán a los carniceros que abrían los puestos. Finalmente, Birkin accedió. Él tenía 40 años y ella 22.

Información: Wikipedia, estoesnadaespecial.blogspot.com y la chansonblogspot.com.

Te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
oh amor mío
Como la ola irresoluta
voy, voy y vengo
entre tus caderas
voy y vengo
entre tus caderas
y me retengo

Te amo, te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
Oh amor mío
Tú eres la ola, yo la isla desnuda
vas, vas y vienes
entre mis caderas
vas y vienes
entre mis caderas
y yo me uno a ti

Te amo, te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
Oh amor mío
El amor físico es sin salida
voy, voy y vengo
entre mis caderas
voy y vengo
me retengo
¡No! Ahora, ven
Madonna ~ Je T'aime Moi Non Plus (Live at Paris Olympia)

The beatles-Let it be (1970)
Hola de nuevo.

Nueva entrega de aquellas canciones que han hecho historia y en esta ocasión quiero centrarme en los chicos de Liverpol, si lo has deducido hablo de The Beatles.
A estas alturas nadie duda que la banda británica de rock supuso una revolución no sólo musical sino también cultural. La llamada beatlemania se origino como sabemos en el Reino Unido consiguiendo hacer una leyenda legendaria  que marcaria un antes y un después en el panorama musical internacional.

Fue allá por 1963 cuando llegaría el primer auge de la banda y un creciente interés de la prensa por la formación que se tradujo en múltiples shows televisivos, entrevistas, reportajes, y sesiones de grabación en estudio. Y es que gracias a sus originales actuaciones, consiguieron la admiración de una gran numero de jóvenes, marcando así una nueva era en la historia de la música popular.
Respecto de España, podríamos decir sin lugar a equivocarnos que esa revolución nos llegó por los pelos. El 1 de julio de 1965, a las 17.40 horas, llegaron a un País, el nuestro, que se encontraba sumido en una encrucijada. Ajenos por completo a toda esta situación, los Beatles bajaron las escalerillas del avión y saludaron a los jóvenes que, de forma sorprendente, consiguieron colarse en el aeropuerto. Como contraste a la revolución musical que representaban decir que la prensa de nuestro país se mostró más bien esquiva y  hostil a la visita.

La canción que ahora les propongo consiguió estar entre las primeras de las mil mejores canciones de toda la historia de la música, por algo será.
McCartney dijo que escribió "Let It Be" tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para la grabación del album Get Back. McCartney explicó que su madre había fallecido cuando él tenía 14 años, a la que se refiere la letra. Posteriormente McCartney declaró: Me encantó volver a conversar con mi madre. Me sentí bendecido por tener ese sueño. Eso me hizo escribir 'Let It Be'.

Bueno que me enrollo os dejos en “Daimiel Directo” con la canción, ja, ja, ja. y aunque no vamos a descubrir nada nuevo, seguro que a más de uno le gustará recordarla e incluso le emocionará y como diría McCartney, que así sea.
Un saludo y que no falte la música.
Braulio Molina López


En el momento en que el disco se estaba desarrollando en el estudio, se proyectaba que el título fuese Get Back, motivo por el cual este tema fue interpretado en el famoso concierto en la azotea de Apple Records, pero finalmente el trabajo fue pospuesto hasta 1970, momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, a quien se había encargado la producción por deseo de John Lennon. Fue en ese momento cuando los Beatles decidieron que el disco se llamaría Let It Be, ya que las canciones quedaron con un toque "majestuoso", y no "crudo", tal y como esperaba Paul McCartney, debido a la incorporación de arreglos orquestales en algunos de los temas, y la mayor preponderancia dada a los coros y otros arreglos en detrimento de la batería, en aplicación de algunas de las técnicas popularizadas por Spector, y conocidas como wall of sound.
McCartney dijo que escribió "Let It Be" tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para la grabación del album Get Back. McCartney explicó que su madre había fallecido cuando él tenía 14 años, a la que se refiere la letra.
El máster fue grabado el 31 de enero de 1969, como parte del proyecto Get Back Album, con McCartney al piano (un Blüthner Flügel), Lennon al bajo, Billy Preston al órgano, George Harrison a la guitarra y Ringo Starr a la batería.9 La voz principal de McCartney fue acompañada por Lennon y Harrison, como se podía ver en el documental. El máster incluía un solo de guitarra de Harrison que podía ser escuchado en el documental Let It Be.


El 30 de abril de 1969, Harrison realizó arreglos sobre un nuevo solo de guitarra.10 Harrison volvió a arreglar otro solo el 4 de enero de 1970 y, aunque tienen similitudes estilísticas, este solo pudo haber sido interpretado por McCartney. El primer solo fue utilizado para la versión del sencillo, y el segundo para el álbum. Algunos seguidores creen erróneamente que existían dos versiones de la pista básica, basadas en los diferentes solos, pero también en arreglos y mezclas.
La recepción de la canción por parte de la crítica fue muy positiva.23 La Allmusic dice que es una de las baladas más populares y bonitas de los Beatles.24 Ian MacDonald disiente de la opinión general y cree que la canción ha alcanzado una fama superior a su valor musical y que era como "Hey Jude", pero sin la emoción de ésta.25 John Lennon también hizo observaciones sobre "Let It Be"; de hecho, antes de una sesión de grabación el 31 de enero de 1969, preguntó: "¿Se supone que debemos reírnos en el solo?".
Cuando me encuentro en momentos difíciles,

la Virgen María se me aparece,

diciendo palabras sabias:

déjalo estar (déjalo ser, déjalo así, no trates de cambiarlo)

Y en mi hora de oscuridad,

se queda justo delante de mí,

diciendo palabras sabias:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

susurras palabras sabias:

déjalo estar.

Y cuando las personas con el corazón roto,

que viven en el mundo estén de acuerdo,

habrá una respuesta:

déjalo estar.

Aunque puedan estar separados,

aún hay una oportunidad de que lo entiendan,

habrá una respuesta:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

sí, habrá una respuesta:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

susurras palabras sabias:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

susurras palabras sabias:

déjalo estar.

Y cuando la noche está nublada,

todavía hay una luz, que brilla sobre mí,

brilla hasta mañana:

déjalo estar.

Me despierto con el sonido de la música,

la Virgen María se me aparece,

diciendo palabras sabias:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

oh, habrá una respuesta:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

oh, habrá una respuesta:

déjalo estar.

Déjalo estar, déjalo estar,

déjalo estar, déjalo estar,

susurras palabras sabias:

déjalo estar. 


Información Wikipedia
VERSIONES


Chicago- If You Leave Me Now (1977)


Hola a tod@s:

Mas “Canciones con historia”:  El amor pero también eldesamor han sido auténticos protagonistas a la hora de escribir y componer canciones. Tan real como la vida misma. La canción que ahora os propongo tiene importantes connotaciones y sin duda grandes recuerdos para mucha gente, para algunos dulces y para otros no tan gratos, pero de cualquier forma recuerdos y añoranzas. Otros se verán reflejados en la historia que nos cuenta las canción. Una buena historia, una buena canción. Una buena forma de sentir que estás vivo. 

¿Bailas?, ja, ja, ja; esta sin duda era una de las preguntas mas populares en las pistas de baile de las discotecas de los años 70´s  y principios de los 80´s, y es que el “lento”, que era como le llamaban, era uno de los momentos mas explosivos y  esperados de la noche.

Música para bailar en pareja, y bien agarrados, ja,ja, ja; se apagaban las luces y quedaba una luz muy tenue de color tristón en la que apenas te veías.
Ja,ja,ja generalmente cuando empezaba el “lento” las chicas se sentaban y los chicos extendían su mirada a lo largo del recinto para centrar su atención sobre una  determinada chica. “¿bailas?, ja,ja, ja. (Que Dios reparta suerte, pensaba yo por aquellos entonces).
Sin duda mucha gente se habrá enamorado bailando y escuchando al canción que nos disponemos a escuchar a continuación; la cantaba Chicago y su titulo era “If You Leave Me Now” (si me dejas ahora en español).
Toda una tragedia. La letra nos habla de la tristeza que siente el protagonista cuando entiende que la chica se ha ido y que se llevó lo mas importante de su vida: su corazón y el amor que sentía por ella. Se esfuerza para decirle que será imposible encontrar otro amor como el suyo y que ahora que lo tiene no puede dejarlo marchar: Pues nada, a joderse toca, ja,a, ja.

- “Si tu me dejas ahora te llevarás la parte más importante de mí, Oooh no, nena por favor no te vayas.”-

Respecto de la música y la historia que nos cuenta están, en mi opinión, mas que logradas, un enternecedor ritmo acorde con la historia que nos propone y una mezcla de ritmos y armónicos que pasan por el arranque de la trompeta, el trombón y la guitarra acústica, sin olvidar unos toques de triangulo para dejar paso a la voz y la incorporación del resto de instrumentos. 
En definitiva una obra maestra de las que siempre queda la añoranza y el recuerdo de otros tiempos.
Por cierto, ¿erais algun@s de los que bailabais?. Yo no tuve nunca problemas en ese sentido, porque no me gustaba bailar, Ja,ja,ja.  Que tengáis un buen día y un saludo desde Castilla La Mancha.

Braulio Molina López
If You Leave Me Now" es una famosa balada del grupo Chicago incluida en el album Chicago X. La escribió Peter Cetera, quién también la cantó.
El sencillo encabezó las listas estadounidenses el 23 de octubre de 1976, donde se mantuvo durante dos semanas, convirtiéndolo en el primer número uno de la banda, además de alcanzar también el número uno en las listas Easy Listening.1 También llegó al primer lugar de las listas en el Reino Unido, el 13 de noviembre de 1976, manteniendo esa posición por tres semanas.
If You Leave Me Now» consiguió además ser la canción más representativa de la banda alrededor del mundo, después de encabezar las listas de otros países, como Australia y Bretaña. Ganó los premios Grammy por el mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal y por la mejor interpretación pop por un dúo o grupo con vocales.

Información Wikipedia

Si tú me dejas ahora
te llevarás la parte más importante de mí
Oooh no, nena por favor no te vayas

Y si tú me dejas ahora
te llevarás el mismo corazón (centro) de mí
Oooh no, nena por favor no te vayas
Oooh nena, yo sólo quiero que tú te quedes

Un amor como el nuestro es un amor difícil de encontrar
¿Cómo podemos dejarlo ir?

Hemos venido desde demasiado lejos para dejar todo atrás
¿Cómo podemos terminarlo de esta forma?

Cuando el mañana venga y ambos nos sentiremos mal
por las cosas que dijimos hoy

Un amor como el nuestro es un amor difícil de encontrar
¿Cómo podemos dejarlo ir?

Hemos venido desde demasiado lejos para dejar todo atrás
¿Cómo podemos terminarlo de esta forma?

Cuando el mañana venga y ambos nos sentiremos mal
por las cosas que dijimos hoy

Si tú me dejas ahora
te llevarás la parte más importante de mí
Oooh no, nena por favor no te vayas

Ooo muñeca, simplemente tengo que tenerte a mi lado
Oooh no, nena por favor no te vayas
Oooh , mama, simplemente tengo que tener tu amor
VERSIONES 


Billy Joel - Piano Man (1973 )


Hola a tod@s, nueva entrega de "canciones con historia".

Si tuviera que definir  la canción que ahora os propongo me atrevería a calificarla como de poesía nocturna, llena de sentimientos y melancolía, y antes de mi breve reflexión permitirme que recuerde un antiguo refrán que dice: “mal de muchos, consuelo de tontos”.

Si me preguntaran cuantas veces he hecho sonar esta canción en antena en mis 17 años de carrera radiofónica en Radio Daimiel, la respuesta sería que no lo sé, pero que muchas, y es que cuando uno programa música públicamente para mucha gente se intenta llegar a todos los gustos, pero no nos engañemos, las preferencias del locutor y ejecutante del programa sin duda se dejan notar sobre la programación y mucho a la hora de escuchar canciones en la radio.

En esta línea os confieso seis años después de abandonar mi pasión por la radio  un truco que yo utilizaba y que consistía en decir en antena que me la había pedido algún oyente, ese era mi pretexto para poner algo que a mí me gustaba. Espero que sepáis perdonarme.
Hay canciones que se perciben de forma especial como este hombre del piano que cantaba un señor llamado Billy Joel y que nos contaba la historia de un pianista de un frustrado bar. 

La historia se inspira en los protagonistas del bar, desde el camarero al  pianista y hasta los propios clientes, un sinfín de historias y vivencias que se dan cita en las largas noches invernales y  el centro de la historia radica en que todos estos personajes tienen en común "sus sueños no realizados" y el pianista les ayuda a que se olviden de la vida por un rato con sus canciones para que pasen un momento grato.

“Toca otra vez viejo perdedor, haces que me siente bien. Es tan triste la noche que tu canción sabe a derrota y a miel”.


Antes de escucharla decir también que los clientes que visitaban el bar para ahogar sus penas en alcohol no solo disfrutaban de la música que nacía de las teclas blancas y negras que los dedos de Joel pulsaban, sino que le animaban a escapar de aquel lugar de perdedores para convertirse en un músico profesional.
Tampoco debo ni quiero olvidarme de uno de los camareros, de nombre John, que soñaba con ser actor, pero al no conseguirlo encaja perfectamente en el contenido que nos propone la canción.
En España fue Víctor Manuel quien la adaptó al castellano para la voz de Ana Belén en una adaptación muy acertada desde mi punto de vista y que nos llegó como una voz caída del cielo.
Que durante seis minutos el alcohol y la música os lleve a vuestro mundo deseado, aunque solo sea en sueños. "Esta el la historia de un sábado, de no importa que mes y de un hombre sentado a un piano, de no importa que viejo café". 

Seguro estoy que mas de uno os habéis sentido alguna vez como el hombre del piano, tranquilos yo también, y pensar que mientras tengamos música y alcohol seguiremos haciendo frente al arte de vivir, ja,ja, ja.

Que la disfrutéis y tengáis un buen día y gracias por seguirme.

                                                            Braulio molina López

«Piano Man» es una canción interpretada por el cantante estadounidense Billy Joel. Fue lanzada en 1973 como el primer sencillo de su álbum Piano Man. La canción narra de forma ficticia la vida de Joel después del fracaso de su primer álbum Cold Spring Harbor. Joel trabaja como pianista en un bar y conoce a varios personas quienes comparten con él sus fracasos.
Cuando fue lanzada en 1973, el single cayó rápidamente del top 10 de Billboard y aparecía muy raramente en las radios americanas durante los siguientes 3 ó 4 años. Sin embargo, después del lanzamiento del álbum "The Stranger" en 1977 y el ascenso de Joel, la canción se convirtió en una de sus más populares, y fue entonces cuando conoció la fama. La canción es además la que más se pide en los conciertos de Joel, en la que suele dejar al público participar como coro. Generalmente suele ser la canción con la que acaba el concierto.
"Piano Man" fue enlistada como la número 421, de la lista de los 500 mejores éxitos de todos los tiempos de Rolling Stone.
Esta es la historia de un sábado
de no importa que mes
Y de un hombre sentado al piano
de no importa que viejo café.
Toma el vaso y le tiemblan las manos
apestando entre humo y sudor
y se agarra a su tabla de náufrago
volviendo a su eterna canción

Toca otra vez viejo perdedor
haces que me sienta bien
es tan triste la noche que tu canción
sabe a derrota y a miel

Cada vez que el espejo de la pared
le devuelve más joven la piel
se le encienden los ojos y su niñez
viene a tocar junto a él
Pero siempre hay borrachos con babas
que le recuerdan quién fue
el más joven maestro al piano
vencido por una mujer

Ella siempre temió echar raíces
que pudieran sus alas cortar
y en la jaula metida, la vida se le iba
y quiso sus fuerzas probar
No lamenta que dé malos pasos
aunque nunca desea su mal
Pero a ratos con furia golpea el piano
y hay algunos que le han visto llorar

Toca otra vez viejo perdedor
haces que me sienta bien
es tan triste la noche que tu canción
sabe a derrota y a miel

El micrófono huele a cerveza
y el calor se podría cortar
solitarios oscuros buscando pareja
apurándose un sábado más

Hay un hombre aferrado a un piano
la emoción empapada en alcohol
y una voz que le dice: "pareces cansado"
y aún no ha salido ni el Sol

Toca otra vez viejo perdedor
haces que me sienta bien
es tan triste la noche que tu canción
sabe a derrota y a miel

Jackson Browne - Stay (1977)

Dicen los analistas musicales que, entre otros factores, la calidad y el éxito de una canción se mide por las veces que es versionada por otros artistas o por los discos que vende y lo cierto es que tienen parte de razón, ya que lo bueno tiende a repetirse, aunque por otra parte hay un dicho que dice que segundas partes nunca fueron buenas, aunque yo entiendo que de todo habrá.

Cuentos bellos recuerdos nos evoca la música; nos puede producir felicidad, pero a la vez tristeza o alegría e incluso a veces buscamos en ella una realidad que solo existe en nuestros anhelos y fantasías porque  la música tiene el poder de transmitir aquello que no es posible simplemente con palabras.

En esta nueva entrega de  “Canciones con historia” quiero recordar un éxito como fue “Stay” (quédate, en español) que popularizó Jackson Browne allá por 1977 aunque para hacer honor a la verdad hay que decir que su autor fue Maurice Williams que la compuso en el año 1953, cuando contaba con tan solo doce años de edad.
Es este otro de los temas entrañables que se pinchaban en vinilo en las discotecas y que servían de transición para pasar de la música más movida a la más lenta a la vez que las luces bajaban de intensidad y la mayoría de gentes hacían una espantada desde la pista de baile.

Recuerdo escucharla en algunas discotecas de Daimiel y Madrid y a pesar de tener una letra “tontona” en mi opinión, sin embargo reconozco que me gustaba sobre todo por el tono que tenia y la confidencialidad con que era cantada. En fin sobre gustos ya sabes, nada escrito, pero por la presencia e impacto que tuvo en la juventud de entonces entiendo que merece su lugar en este apartado de mi blog.
Por último decir que la versión original de “Stay” es la más corta que llegó a lo más alto de las listas americanas con tan solo 1 minuto y 37 segundos de duración,  y aunque  nuestra propuesta versa aquí de la versión de Jackson Browne, también os dejaré al final el enlace de youtube de la versión original de 1953.
Que tengáis un buen día y que nunca os falte la música.


Braulio Molina López



En 1960, Maurice Williams y The Zodiacs tocaron la canción en una demostración, The Zodiacs, pero no atrajo interés hasta que un niño de diez años de edad la escuchó e impresionó a los miembros de la banda con su reacción positiva a la melodía.
Al Silvers de Herald Records se interesó, pero insistió en que la canción se volviese a grabar porque los niveles de los registros del demo eran demasiado bajos. También dijo que una línea: "Vamos a tener otro humo" tendría que ser removido para que la canción sonara en la radio comercial.

 Después que el grupo grabó la canción de nuevo, fue lanzado por Herald Records y fue recogido por CKLW. Entró en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos el 9 de octubre de 1960 y alcanzó el puesto número uno el 21 de noviembre de 1960. Fue desalojado de una semana después por Elvis Presley '"Are You Lonesome Tonight?" (¿Te sientes solitaria esta noche?).

La grabación original de "Stay" sigue siendo el sencillo más corto en llegar a la cima de las listas musicales estadounidenses, siendo sólo 1 minuto y 37 segundos. En 1990, había vendido más de 8 millones de copias.[cita requerida]
Recibió un nuevo impulso de popularidad después de aparecer en la banda sonora de Dirty Dancing.


La gente se queda un poco más 

Queremos jugar - sólo un poco más 

Ahora el promotor no les importa 

Y el sindicato no les importa 

Si tomamos un poco de tiempo 

Y dejamos todo atrás y cantar 

Una canción más 


Clyde Jackson Browne es un cantautor y músico estadounidense que ha vendido más de 18 millones de discos solamente en EE.UU.

Saltó a la fama en los años setenta. Browne ha escrito y grabado canciones como These Days, The Pretender, Running on Empty, For Everyman, Lawyers in Love, I’m Alive, Somebody's Baby, Take it Easy y Sky Blue and Black. En 2004 se le nombró miembro del Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland, Ohio, y también fue nombrado Doctor Honorario de Música por el Occidental College de Los Ángeles, California.

(Información Wikipedia)


Nacha Pop  - La chica de Ayer (1980)


Hola a tod@s:

En mi paseo por las "canciones con historia" quiero detenerme a continuación en un año muy especial para la música en mi País, para quien no lo sepa soy español, ja, ja,ja.

Entre las muchas canciones que nos brindó la llamada “movida madrileña” sin duda destacó este tema que ahora os propongo y que perfectamente podría tratarse del himno de aquellos tiempos, me refiero a “la chica de ayer” con la que Nacha Pop llegaría a ser conocido internacionalmente. 
Pero quienes eran los Nacho Pop?, pues bien queridos amig@s se trata de una formación de cuatro chavales de clase media que merodeaban por las tiendas de discos del Madrid de finales de los años setenta. 
Enseguida os hablo de la canción, pero antes permitirme que para ponernos en situación echemos un vistazo al panorama musical español en aquel año.

El año 1980 representa una de las mejores cosechas de la música española del siglo XX. Aquel año llegaron tres canciones emblemáticas de “la movida”, me refiero a “Dejame” y “Chica de Ayer” entre las mas nostálgicas y “Enamorado de la moda juvenil” entre las que mejor saludaron festivamente ese nuevo espíritu de libertad que afortunadamente vivíamos.

Aparecieron nuevos talentos como el de Luz subida "al ascensor" o los llamados "Mamá " con sus "chicas de colegio" o el informal “Mari Pili” que nos cantaban los ejecutivos Agresivos.
Aquel año de 1980 también tuvo un toque andaluz con los Medina Azahara y Guadalquivir, un toque bohemio con la “Calle Melancolía”, donde los tranvías siempre se pierden y también asistimos a un rock and roll de primera, mezclado con unas gotas de Tequila.

Pues bien, puestos ya en situación he de decir que en aquel año 80 yo contaba con 17 años y que por entonces ya vivía la música de una forma intensa,  o al menos eso era lo que yo sentía, años después tuve la suerte de vivir en primer plano gran parte de la “movida madrileña” en la capital de España, algo que sin duda condicionó para siempre mi manera de sentir y entender la música.

Recuerdo los paseos por el centro de Madrid buscando “garitos” donde disfrutar de la música, escuchar a los músicos callejeros tocar o mis tardes-noches en el Café Central para asistir a buenos e importantes conciertos de Jazz. 
En fin en mi forma de entender las cosas y siempre según mi opinión, aquellos años fueron los mejores para la música de nuestro País, y también para mi o al menos yo lo veo así.

Bueno que no me quiero enrollar, tan solo decir que esta canción que ahora os propongo fue para mí muy importante con el deseo de que cada un@ viva la música como quiera o pueda.

Cierro los ojos y me sitúo  en 1984, tomando una cerveza con algunos años menos, ja,ja, ja, y como no escuchando la chica de ayer. "me somo a la ventana eres la chica de ayer, jugando con las flores en mi jardin....", bueno bueno mejor escuchamos a los Nacha Pop ya que como  diría mi amigo Sibe: "guena, guena música" ja, ja, ja.  Que tengáis un buen día.

Braulio Molina López

Chica de ayer es una de las canciones emblemáticas del pop rock de la década de 1980 en España. Suele considerarse que pertenece a la llamada movida madrileña.

Escrita por Antonio Vega en 1977 mientras cumplía el servicio militar obligatorio en Valencia, fue incluida en el primer álbum (de título homónimo) de Nacha Pop en 1980. Se publicó, además, como sencillo, con Nadie puede parar como cara B. La producción corrió a cargo de Teddy Bautista.
Se trata de un tema generalmente considerado uno de los favoritos de la música pop española.

Comienza con unas notas de bajo. La guitarra acústica acompaña el tema a lo largo de toda su duración.
La canción se ha convertido en símbolo de los cambios acaecidos en la sociedad española en aquel momento. Como consecuencia del histórico momento en el que fue creada y con el paso del tiempo, La chica de ayer se ha convertido en un recuerdo romántico para los que vivieron aquella época.


Los propios Nacha Pop versionaron la canción para su recopilatorio 80/88. Además, otros muchos artistas han hecho versiones de esta canción, entre ellos Undershakers, Enrique Iglesias, Germán Coppini (en el recopilatorio dedicado a Vega ... Ese chico triste y solitario) o El Canto Del Loco, realizando una de las versiones más famosas, introduciéndola en su disco de rarezas Arriba el Telón.

También el grupo estadounidense Gigolo Aunts interpretó el tema, adaptando su letra al inglés con el título The Girl from Yesterday. Por su parte, Alberto Comesaña interpretaba el tema en el musical Escuela de calor (2013). En 2016 fue versionada por Antonio Carmona para el espacio de televisión A mi manera.

En 1992 el crítico L. Gallero realizó una encuesta entre profesionales del mundo del disco para su libro Solo se vive una vez. Esplendor y ruina de la movida madrileña, en la que el tema fue elegido canción favorita de la movida madrileña.

El tema ha sido calificado por la revista Rolling Stone en el número 2 de las 200 mejores canciones del pop rock en español, según el ranking publicado en 2010.1
La letra menciona un conocido local de ocio madrileño, desde entonces identificado con la canción: El Penta

Un día cualquiera no sabes qué hora es 
Te acuestas a mi lado sin saber porqué 
Las calles mojadas te han visto crecer 
Y con tu corazón estás llorando otra vez. 

Me asomo a la ventana eres la chica de ayer 
Jugando con las flores, en mi jardín 
Demasiado tarde para comprender, 
chica, vete a tu casa, no podemos jugar. 

La luz de la mañana entra en la habitación, 
tus cabellos dorados parecen el sol. 
Luego por la noche al Penta a escuchar 
canciones que consiguen que te pueda amar. 

Me asomo a la ventana, eres la chica de ayer. 
Demasiado tarde para comprender. 
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote. 
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote 
Mi c a – c a – c a – c a -cabeza da vueltas persiguiéndote. 
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote.

Información de la canción de Wikipedia.


Leonard Cohen - Dance me to the end of love


Hola a tod@s, saludos desde Daimiel.

Antes de nada decir que no dejéis nunca de escuchar música. A muchos de vosotros quizá os cantaron canciones de cuna y ahora de mayor seguro que las recordáis con cierta nostalgia. La música es importante, te levanta, te ánima, te saca una sonrisa, te convierte en un ser que vive, en alguien que ama, que sufre y que  siente, en definitiva te hace estar vivo.
 Seguro que tod@s tenéis vuestra canción, si esa que tantos recuerdos os traen, buenos o malos, pero recuerdos, por tanto no dejéis nunca de escucharla, esa es vuestra canción.
Amamos músicas que nos recuerdan experiencias vividas y decimos que bonita esa canción, cuantos recuerdos me trae. Estudios afirman que escuchar música no es solo un fenómeno auditivo y emocional, muchas veces seguimos y llevamos el ritmo de manera involuntaria aunque no prestemos atención de manera consciente.

Cuánta razón tenía “Brau” cuando en una tarde de verano y  tras poner una canción en la radio dijo: “Si consigues escuchar esta canción sin mover el pie, es que estas muerto”, Ja,ja,ja,  qué cosas tiene este tío, que falta de consideración con sus oyentes.
Pero dejemos a Brau y la radio para preguntarnos: ¿Qué amamos cuando decimos que amamos la música?, pues bien os dejo la respuesta a vosotros con el convencimiento de que la encontrareis.

En nuestro camino por aquellas canciones con historia hoy quiero que recordemos a todo un poeta, un poeta que componía música y que también cantaba y lo hacía con una voz rasgada e inconfundible, alguien que aleccionado por un joven guitarrista español hizo de la poesía y la música su vida. Si, si,  habéis acertado, estoy hablando de Leonard Cohen, él es ahora nuestro invitado en “Canciones con historia”.

En torno a veinte años tenía yo cuando lo descubrí, fue en una fría tarde de invierno en Ciudad Real, recuerdo subir a un coche y escucharlo, enseguida pregunte quien era ese señor que cantaba y alguien me contestó: es un poeta que canta y compone, se llama Leonard Cohen.

Al día siguiente fui a una tienda de música y pregunté si tenían discos de aquel buen señor y me aconsejaron llevarme uno de sus trabajos, me dijeron: este tiene que estar bien porque lo pide mucha gente. Esa fue la primera vez que le llevé a casa y a partir de ahí me fui haciendo con sus discos, con su poesía, con su música, hasta completar toda su discografía y desde entonces y hasta hoy no ha faltado en mi andar musical.
Por cierto que dicho sea de paso, soy de los que opinan que para completar la obra de Cohen ya solo falta conocer aquel primer poema que enterró de niño en el jardín cuando murió su padre. Tristemente no sabremos nunca que reflejó en esas palabras, como tampoco sabremos quién fue el español que le enseñó los acordes de guitarra que fueron los inicios y la base de su carrera musical.

Hablando de Cohen y canciones con historia, confieso que no ha sido nada fácil para mí elegir una canción, el motivo es que todas sus canciones las considero una gran historia, cargadas de sentimientos y de vida, pero al final me he decidido por “Dance Me to the End of Love”, (Baila conmigo hasta el fin del amor, en español), la canción con la que Cohen ponía siempre en marcha sus recitales.
Sobre la misma decir que aunque está estructurada como una canción de amor, sin embargo está inspirada en el Holocausto y en los campos de concentración.

Los que me conocéis bien sabíais que no pasaría mucho tiempo sin que Leonard Cohen pasara por mi blog (cuanto más si me lo piden) y seguro que no será la última vez ya que es para mí mucho más que música, mucho más que poemas, mucho más que una canción.
Por último permitidme que desde Daimiel os mande a tod@s un afectuoso y musical saludo, con mi agradecimiento a la atención que  presumo tendréis con estas palabras, que gustosamente y sentado en una mesa, frente a la pantalla de un ordenador escribo mientras escucho la canción.
No sé vosotros, pero yo tengo la sensación de que los próximos cinco minutos serán una gozada con la compañía de Cohen.  Que tengáis un buen domingo.

  Braulio Molina López



"Dance Me to the End of Love" es una canción del músico canadiense Leonard Cohen, publicada en el álbum de estudio Various Positions (1984). Desde su publicación, ha sido versionada por numerosos artistas y ha sido descrita como "temblorosa al borde de convertirse en un clásico".
Aunque estructurada como una canción de amor, "Dance Me to the End of Love" está inspirada en el Holocausto.

En una entrevista, Cohen dijo sobre la canción: «"Dance Me to the End of Love"... es curioso cómo las canciones comienzan porque el origen de la canción, de cada canción, tiene una especie de grano o semilla que alguien te entrega o que el mundo te da, y por eso el proceso es tan misterioso acerca de cómo escribir una canción. Pero eso vino de escuchar o leer o conocer que en los campos de concentración, al era presionado a tocar mientras este horror continuaba. Y estaban tocando música clásica mientras sus compañeros de prisión estaban siendo asesinados y quemados. Por lo tanto, esa música, "llévame bailando hasta tu belleza con un violín ardiente", que significa la belleza allí siendo la consumación de la vida, el final de la existencia y del elemento pasional en esa consumación. Pero es el mismo lenguaje que usamos para entrégarnos a la persona amada, de ahí la canción: no es importante que nadie conozca el origen de la misma, ya que si el lenguaje viene de ese recurso apasionado, será capaz de abarcar toda la actividad apasionada».

En 1996, Welcome Books publicó un libro titulado Dance Me to the End of Love como parte de la serie Art & Poetry, con letras de la canción junto a pinturas de Henri Matisse.
Leonard Cohen Falleció el 7 de noviembre de 2016 a la edad de 82 años en su casa de Los Ángeles (California, Estados Unidos). El apoderado del artista, Robert Kory, reveló varios días después que «Leonard Cohen murió durante su sueño justo después de una caída en mitad de la noche el 7 de noviembre.
 La muerte fue repentina, inesperada y pacífica». Su hijo Adam declaró: «Mi padre murió en paz en su casa sabiendo que había grabado lo que él sentía era uno de sus mejores discos (You Want It Darker)». De acuerdo con sus deseos, fue enterrado en Montreal al lado de sus padres en un ataúd de pino sin adornos.

Baila conmigo por tu belleza sonando un ardiente violín.
Baila comingo a través del pánico hasta que esté seguro en él.
Elévame como a una rama de olivo y sé la paloma que me lleve a casa.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Oh, déjame ver tu belleza cuando los espectadores se hayan ido.
Déjame sentirte moviéndote como lo hacían en Babilonia.
Muéstrame lentamente los únicos límites que conozco.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta el fin del amor.

Baila conmigo hasta la boda, ahora, baila y baila.
Baila conmigo tiernamente y mucho tiempo.
Los dos estamos bajo nuestro amor, estamos por encima.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta el fin del amor.

Baila conmigo por los niños que piden permiso para nacer.
Baila conmigo entre las cortinas que nuestros besos han gastado.
Levanta una carpa protectora ahora, aunque cada hilo esté roto.
Baila conmigo hasta el fin del amor.

Baila conmigo por tu belleza sonando un ardiente violín.
Baila conmigo a través del pánico hasta que esté seguro en él.
Tócame con tu mano desnuda o hazlo con tu guante.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta el fin del amor.

(información de la canción Wikipedia)


Pink Floyd - Another Brick In The Wall


Hola a tod@s, como estáis?

Nueva entrega de “Canciones con historia”. Un nuevo paseo del sentir a través de la música. Un recorrido por aquellas maravillosas canciones que en cierto modo marcaron nuestras vidas, haciéndolas de alguna forma más llevadera y más humana.

Os imagináis por un momento, solo un momento, una vida sin música, no quiero ni pensarlo, todo sería más triste, todo sería distinto, todo sería más tenue y  gris.

 Es difícil hoy imaginar una sociedad donde no existan las nuevas tecnologías, las grabaciones de  discos de excelente sonoridad, o los sofisticados sistemas modernos para escuchar música; No me imagino mi vida sin mi extensa colección de Cd´s o mis discos de vinilo, ya  que de alguna manera forman parte de mis gustos culturales y de la manera de entender la música y  mi vida, y es que cada uno de ellos representan connotaciones importantes de las distintas facetas vividas. 
Tampoco me imagino mi vida sin mí saxo y mi colección de partituras ya que no habría vivido tan bellos momentos como me ha deparado la música. No me imagino la vida sin mi deambular de ensayo en ensayo o de concierto en concierto, me traslada a algo así como a un cielo confortador en el que descubrir que sigo viviendo.

A través de la historia, también la música ha sido un móvil perfecto para reivindicar distintos aspectos en la sociedad. Una sociedad, que exige, que se siente participativa de su propio destino y que por ello exija y exige, es sin duda una sociedad viva. Y mientras todo ello esté vivo, estará viva la llama de la esperanza. ‘¡Brindemos por ello!, celebrémoslo con música.

En mi larga carrera de radio, es lógico entender que han sido muchos los discos, en todos los formatos, que he manejado a lo largo de diecisiete años, siempre intentando alcanzar una meta que no era otra que llevar a cabo una programación variada con el ánimo de llegar a todos los sectores de la sociedad, a todos los gustos, siempre con la ilusión de hacer participes a los oyentes de la propuesta que les presentaba. Convenido estoy de que habrá habido de todo.

Gracias a ello, tanto esfuerzo creo que se ve  hoy más que recompensado, estoy más que satisfecho de haber vivido la música en primera línea y en todas sus variantes. La  música Folk, el Jazz, el Pop, la clásica, la salsa o el rock configuran todo un panorama musical para un sector prometedor como es la juventud, y al que invitaba a ser participe a través de ese invento maravilloso como es la radio.  
En una ocasión me preguntaron en una entrevista que representaba en mi vida  la música, obvia respuesta: la música para mi es otra forma de entender la vida, de sentirla con intensidad, ya que todo, todo está escrito en la música.

La siguiente propuesta de “Canciones con historia” pasa por escuchar a la banda británica Pink Floyd con “The Wall”, un trabajo producido en 1979 y señalado por la crítica musical como uno de los mejores discos de la historia del rock de todos los tiempos.

Bueno que me enrollo, ja, ja, ja, que os parece si lo escuchamos.
Que tengáis un buen día y siempre afrontéis la vida con ilusión y por supuesto con música.

Braulio Molina López




Pink Floyd - The Wall es un filme británico de 1982 dirigida por el director británico Alan Parker, basada en el álbum de Pink Floyd The Wall. El guion fue escrito por el vocalista y bajista de Pink Floyd, Roger Waters. La película es altamente metafórica y rica en simbolismo y sonido. Presenta pocos diálogos y es conducida principalmente por la música de Pink Floyd.
La película contiene 15 minutos de elaboradas secuencias de animación creadas por el ilustrador Gerald Scarfe y Roger Waters, parte de las cuales describen una pesadilla basada en los bombardeos alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. También aparecen referencias a la esposa del protagonista y a su vida en general.

 Pink, el cantante de un grupo musical, arrastra desde su infancia una serie de traumas debido a la dura educación que recibió. Cansado de todo lo que rodea su profesión, se acaba refugiando en las drogas como única opción para romper con el muro que él mismo ha creado a su alrededor.

 The Wall —en español: El muro— es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd y el segundo doble, publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Fue lanzado el 30 de noviembre del mismo año en el Reino Unido y el 8 de diciembre en los Estados Unidos.

Este disco doble es un álbum conceptual que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada Pink, basado en las vivencias del mismo Waters, convirtiéndolo así en una especie de álter ego antihéroe. Descrito por Roger Waters, Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música o su controvertido uso de drogas sumado al asma, entre otros, son convertidos por él en «ladrillos de un muro metafórico» que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.

Es señalado por la crítica musical y seguidores del grupo como «uno de los mejores trabajos de la banda» y «uno de los mejores en la historia del rock», cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial situándolo como uno de los discos más vendidos en los años 70s del siglo XX. Además el álbum es uno de los más vendidos de todos los tiempos ya que hasta el momento supera las 33 millones de copias a nivel mundial.3 En los EE.UU. ha vendido más de 11,5 millones de copias pero como el disco es doble se le acreditó con veintitrés discos de platino.


La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another Brick in The Wall Parte 1 y 3) en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la educación británica (Another Brick In The Wall Parte 2), los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.

Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.
(imagen: El Pais.com)

Información de la canción Wikipedia

Dire Straits - Sultans Of Swing (1978)

Hola amig@s:

Ja, ja, ja. “La música es el ruido que menos me molesta”, ja,ja, ja, que buena introducción para recibir en nuestras “canciones con historia” a nuestros invitados de esta propuesta. Y hablando de ruidos mi agradecimiento por las muchas visitas que está recibiendo esta sección de mi blog. Muchas gracias.

La música, al igual que otras cosas de la vida ha ido evolucionando con el paso de los tiempos. Desde que el hombre habita la Tierra, generando sus propios sonidos, todo ha sido una evolución constante hasta llegar a nuestros días. Desde que los cavernícolas descubrieran los primeros ritmos y cánticos para utilizarlos en sus rituales, miles de años más tarde otras civilizaciones  comenzaron a construir instrumentos y distintos estilos de hacerlos sonar. De esta forma el hombre y la música comenzaron a fundirse y a identificarse con ella.

Si buscamos en el diccionario de la lengua que significa la palabra música nos encontraremos con esta descripción: “Arte de combinar los sonidos en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía, la melodía y el ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales”. Y en otros documentos leeremos: Conjunto de sonidos sucesivos combinados según este arte, que por lo general producen un efecto estético o expresivo y resultan agradables al oído.
Bueno, sea como fuere su definición, la cuestión es todavía mucho más sencilla que todo eso, música es sentir.

 En los tiempos en que vivimos la música es el vivo reflejo de las tendencias, de las preocupaciones, del estado de ánimo de la gente en un determinado momento de la historia. Algo así como el espejo donde se mira una sociedad.

En esta nueva entrega de “Canciones con historia” quiero fijar la atención en una formación que dio mucho que hablar en su momento, pero antes vamos intentar aclarar la procedencia del rock o Rock and roll.

En los años 50, los jóvenes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones y por primera vez aparecía un genero exclusivamente para  ellos a la vez que servía como vehículo para los movimientos culturales y sociales.

Los fundamentos de la música rock en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos durante la década de 1940 y principios de 1950, y rápidamente se extendió a gran parte del resto del mundo. Su origen inmediato radica en una mezcla de varias juntas negro musicales géneros de la época, incluyendo el rhythm and blues y música gospel, Con country y western. Después ha ido en constante evolución hasta nuestros días.

A continuación quiero que os pongáis en modo fiesta para recibir ni más ni menos que a los Dire Straits. Formada en 1977 en el Reino Unido por los escoceses Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), pasan por nuestra sección con la canción más emblemática de la banda, me refiero a Sultans of Swing, (los sultanes del Swing) el primer sencillo de la banda que vendió más de dos millones de copias en todo el mundo.

Como amante de la música que he sido siempre en todas sus variantes he de reconocer que estamos hablando de una de mis bandas favoritas, si no la que mas, y debo reconocer que de los muchos conciertos a los que he asistido en directo (que por cierto han sido muchos) el de los Straits en el Vicente Calderón de Madrid quizá sea uno de los que viví con mayor intensidad por mi afinidad con la banda.

Dicen algunos cercanos que para grabar la maqueta de esta canción los hermanos Mark y David Knopfler y el resto de la banda se dirigieron a Londres con sólo 100 libras en el bolsillo a ver qué pasaba, y pasó lo que tenía que pasar y es que lo bueno siempre triunfa, no os parece?.
Ja, ja,ja,ja que me enrollo, como siempre, un saludo desde la tierra de Don Quijote. Nos quedamos con los Dire Straits y su Sultans of Swing. Por cierto os sabéis aquello de: Oe, Oe, Oe Oe, Oe Oeeeeee, ja, ja, ja, ja. 

                                                               Braulio Molina López

Sultans of Swing fue el primer sencillo de la banda británica Dire Straits. El sencillo formaba parte del álbum Dire Straits y comenzó a venderse en octubre de 1978 tardando en entrar en las listas de éxito. Seis meses más tarde alcanzó el número 10 en las listas de ventas del Reino Unido y los Estados Unidos. El disco se convirtió en un importante éxito vendiéndose cerca de 2 millones de copias del álbum solo en Estados Unidos.

Para grabar la maqueta de esta canción los hermanos Mark, David Knopfler y el resto de la banda se dirigieron a Londres con sólo 100 libras. Debido a esta situación financiera adoptaron el nombre de la banda "Dire Straits" , que podría traducirse como grandes apuros.

En el tema los Dire cuentan la historia de una banda que toca en un característico pub al sur de Londres. En su letra, Mark Knopfler, describe a la perfección la escena en un pequeño bar con un público minoritario y entregado donde se toca una música poco habitual por aquel entonces, una época en la cual muchos no entendían que una banda de rock & roll pudiera tocar con una trompeta o un saxo. Así, Mark muestra su debilidad por la música Jazz y los estilos, como el dixie, y el honky tonk que se derivan de ella y son homenajeados en esta canción.

La primera grabación a la que se puede tener fácil acceso es al directo de Dire Straits en "Old Grey Whistle Test" en el año 1978, si bien, en este directo no está la penúltima estrofa. El propio Mark Knopfler y su banda pusieron todo su empeño en mejorar el tema grabación tras grabación. En la versión incluida en el disco Alchemy: Dire Straits Live de 1984, Mark improvisa y amplia el solo de la canción, considerada una de sus mejores interpretaciones. "Alchemy" es, probablemente, el disco que consagra sus primeros años de carrera e incluye muchas de las grandes canciones de Dire Straits.

De todos modos, para apreciar la evolución de esta canción a través de los años no se pueden obviar las últimas versiones, por ejemplo en la gira On the night de 1992, ni el concierto homenaje a Nelson Mandela por su 70 cumpleaños.

Según Mark Knopfler, durante el proceso de grabación de la canción, en la parte final, improvisó un riff o lick de guitarra, que se volvió muy pegadizo, y en sus palabras, tiene que hacerlo cada vez que la toca o dejaría de ser Sultans of Swing. Esto se nota mucho en un concierto que dio en 2009, en donde en el momento de tocar esa parte la gente grita y aplaude.
En este tributo a Nelson Mandela, en 1988, actúan junto a Knopfler, John Illsley, Guy Fletcher y Eric Clapton como segunda guitarra. Clapton y Knopfler demuestran una asombrosa complicidad en la canción "Sultans of Swing" en ese concierto. Se da una animada charla entre ambos en la parte central de la canción, mientras el peso musical lo lleva el saxofón de Chris White. La aportación del saxofonista es quizá la mejor muestra de la evolución de la canción, así como las improvisaciones de Knopfler en cada directo.
Te estremeces en la oscuridad, llueve en el parque, pero mientras,
al sur del río paras y todo se detiene;
una banda toca Dixie en cuatro por cuatro.
Te sientes bien cuando escuchas sonar esa música.
Entras, pero no ves demasiadas caras
que entren desde la lluvia a escuchar el jazz deslizarse.
Hay demasiada competencia, demasiados otros lugares
pero no hay muchos saxos que puedan sonar así.
Camino al sur, al sur de Londres.
Te fijas en el guitarra George, se sabe todos los acordes.
Él es puro ritmo, no quiere hacerla llorar ni cantar.
Y una vieja guitarra es todo lo que se puede permitir
cuando se lavanta bajo las luces a hacer su parte.
Y a Harry no le importa si no hace un buen papel;
Tiene un trabajo durante el día y le va bien.
Puede tocar honky-tonk como si nada,
reservándolo para la noche del viernes
con los Sultanes, con los Sultanes del Swing.
Y una panda de jóvenes hacen el tonto en la esquina
borrachos y vestidos con sus mejores pantalones anchos marrones y sus suelas de plataforma.
No les importa un bledo una banda con trompeta;
no es lo que ellos llaman rock and roll.
Y los Sultanes tocaron Creole.
Entonces el hombre se acerca al micrófono
y dice por último, cuando el reloj da su hora:
"Gracias y buenas noches! Ya es hora de irse a casa."
Y suelta rápido algo más:
"Somos los Sultanes, los Sultanes del Swing".


Información técnica de la canción Wikipedia

Elton John - Sacrifice  (1988)

Hola a tod@s:

Buscando en mi memoria me he encontrado con la canción que ahora os propongo. ¿Nos puede ayudar la música a ser más felices? ¿Que tiene la música para adormecernos, tranquilizarnos, emocionarnos, motivarnos… etc.?

Dicen que una imagen vale más que mil palabras, es posible no seré yo quien lo niegue, sin embargo creo que un sonido nos hace sentir más que mil imágenes. Pocas personas saben tocar un instrumento, pocas personas saben de partituras, pero que te guste la música no tiene nada que ver con todo esto. Para que te guste la música no es necesario entenderla, simplemente te llega y te toca, sin que sepas porqué.

La canción que ahora os propongo. “Sacrifice” de Elton John está inspirada  en otra de Aretha Franklin. La historia nos cuenta el final de una relación matrimonial y cuando esta se transforma en un sacrificio, en un sacrificio de amor. Precisamente fue el letrista y poeta Bernie Taupin quien la escribió inspirado en su separación.

Se trata de una balada preciosa que sin duda llega al corazón con una letra que habla de "Cuando las cosas van mal, Cuando el olor de ella demora..., de dos corazones viviendo en dos mundos separados." y de que "la sensibilidad construye una prisión”.

En mi opinión es una buena balada cantada con una elegancia exquisita. Antes de escucharla permitidme que exprese mi interpretación personal de la canción.
Nos cuenta la historia del engaño de una pareja donde el otro perdona y expresa  que aunque  le duela el engaño no le deja de querer y  que ese es el sacrificio que hace, un sacrificio por amor.

Que la disfrutéis y tengáis un buen día.
Braulio Molina López

"Sacrifice" (en español, Sacrificio) es el nombre de una balada del cantante británico Elton John, cuya letra fue escrita por Bernie Taupin, que aparece su álbum Sleeping with the Past (en español, Durmiendo con el pasado) del año 1989. Fue lanzada por primera vez en octubre de ese año y luego en 1990. Logró un importante éxito a nivel internacional, pero fue especialmente exitosa en el Reino Unido y Francia.

"Sacrifice" está inspirada por la canción de Aretha Franklin "Do Right Woman, Do Right Man" (en español, Házlo bien mujer, házlo bien hombre) y por una canción de Percy Sledge, cuya influencia está en la voz de Elton John en este tema. Bernie Taupin, el compositor que escribió la letra del tema, ha dicho que se sorprende de haberla escrito y manifestó: "Pienso que 'Sacrifice' es una de las mejores canciones que hemos escrito".

La canción no es un típico tema romántico, sino que habla de la ruptura de un matrimonio, donde la pérdida de la relación amorosa "no es un sacrificio", como dice el estribillo de la misma. Taupin estaba atravesando problemas maritales en ese momento, lo que probablemente sirvió como fuente de inspiración para la letra del tema.ç
(Wikipedia)

Es una señal humana
Cuando las cosas van mal
Cuando el olor de ella demora
Y la tentación es fuerte

En el límite
De cada hombre casado
El dulce engaño viene llamando
Y tierras negativas

Frío frío corazón
Difícil hecho por ti
Algunas cosas se ven mejor nena
Simplemente pasando por alto

Y no es sacrificio
Solo una simple palabra
Son dos corazones viviendo
En dos mundos separados
Pero no es sacrificio
No es sacrificio
No es sacrificio para nada

Equivocación mutua
Después del hecho
La sensibilidad construye una prisión
En el acto final

Perdemos dirección
Ninguna piedra sin devolver
Ninguna lágrima que te condene
Cuando los celos queman

Phil Collins - Another Day In Paradise  (1989)
Hola queridos amig@s de "canciones con historia", antes de entrar en materia con la canción de esta entrega permitirme una reflexión:

Siempre me he declarado un ciudadano del Mundo, un ciudadano de la Tierra, siempre pensé que el planeta es de todos los seres vivos y que todos tienen el mismo derecho a vivir en ella y participar por igual de sus recursos. De esta forma nunca he creído en las fronteras, sobre todo cuando estas potencian la desigualdad, la marginación y la injusticia.

Soy partidario de establecer una nueva ciudadanía de aplicación global que luche contra la pobreza allá donde esta se encuentre, que luche contra la marginación y el aislamiento al que se somete a muchas personas sin importar su procedencia no lugar donde vivan.
Afortunadamente cada vez somos más lo que a través de la música luchamos contra la pobreza en el mundo, en todas sus variantes. Bienvenido sea.

Para ver marginación y pobreza no es necesario recorrer muchos caminos, esta se encuentra en todas las sociedades, también en las llamadas desarrolladas y modernas.
En cierto modo todos somos responsables de que siga habiendo hambre y muchas veces nuestra indiferencia nos convierte en cómplices de la misma.
Phil Collins - Another Day In Paradise, el tema que ahora os propongo en “Canciones con historia” quiere precisamente dar un toque de atención en ese sentido. La indiferencia nos plantea un problema interesante porque esta no es una actitud espontanea, hay que actuar para no conmoverse.
Pero queridos amig@s, ¿De dónde salió “Another Day in Paradise” específicamente? El propio Phil se lo aclaró a The Mail On Sunday.
“Después de un viaje a Washington DC escribí este tema. Me quedé impactado al ver la cantidad de gente que vivía en las calles”, dijo el artista.

No por nada, antes de pulir la composición que derivaría en una ironía sobre el paraíso, el músico tituló el demo de la misma como “Homeless”.
En una parte de la letra, una mujer pide ayuda a un hombre de negocios, pero él parece sentirse avergonzado en un sentido en el cual, acaso, sea responsable en cierto modo de la situación de ella. Así escribía Collins en aquellos años.

En cierta forma “Another Day In Paradis” (Un día en el paraíso) es un alegato en clave de denuncia para llamar la atención sobre la pobreza.

La canción tuvo mucho éxito alrededor del mundo y se convirtió en la más exitosa de Phil Collins. La versión de Collins está ubicada en el puesto número 86 en el ránking de las mejores canciones de todos los tiempos elaborado por Billboard.

Espero que disfrutéis de la canción. Saludos desde La Mancha.

Braulio Molina López

"Another Day in Paradise" es una canción de Phil Collins lanzada como el primer sencillo de su álbum ...But Seriously (1989). Al igual que la canción de Genesis "Man On The Corner", "Another Day in Paradise" fue escrita para resaltar el problema de las personas sin hogar,1 por lo tanto, marcó un salto significativo de la música dance-pop de su álbum anterior, No Jacket Required (1985). La canción tuvo mucho éxito alrededor del mundo y se convirtió en la más exitosa de Phil Collins. 
En 1991, le valió a él y al productor Hugh Padgham el Premio Grammy a la Grabación del año. La canción también ganó el premio a la Mejor Canción Británica en los Brit Awards de 1990.
La canción marcó otro gran éxito para Collins. El 23 de diciembre de 1989, se convirtió en el séptimo (y hasta la fecha, último) sencillo que alcanzó el primer puesto en las listas de los Estados Unidos.
 La canción también fue la última número uno de la década de 1980 en EE.UU., y permaneció en su puesto durante cuatro semanas, por lo que también puede considerarse como un éxito de la década de 1990. También ocupó los primeros puestos en ambas décadas en los ránkings de Alemania; en el Reino Unido, ya había alcanzado dicha posición en el mes de noviembre.
La versión lanzada como sencillo es un poco diferente que la que aparece en el álbum, en la cual la introducción es más corta. David Crosby también aparece participando en el coro.

(Wikipedia)

Ella llamó al hombre en la calle
“Señor, ¿puede ayudarme?
Hace frío y no tengo lugar donde dormir
¿Puede recomendarme algún lugar?”

Él siguió caminando, no miró atrás
Simulaba no poder oírla
Comenzó a silbar mientras cruzaba la calle
Parece vergonzoso estar allí

Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso

Ella llamó al hombre en la calle
Él puede ver que ella estuvo llorando
Ella tiene ampollas en las plantas de sus pies
No puede caminar pero lo está intentando

Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso

Oh Señor, ¿no hay nada más que alguien pueda hacer?
Oh Señor, debe haber algo que puedas decir

Puedes decirlo por los rasgos de su cara
Puedes ver que ella estuvo allí
Probablemente ha sido echada de todos lados
Porque ella no encajaba allí

Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso


R.E.M. - Losing My Religion

Hola a tod@s. 
En nuestro recorrido por las “canciones con historia” quiero ahora que centremos nuestra atención en una formación llamada REM y una canción: "Losing my religion".
...un hombre muy viejo con unas enormes alas?. ¿pero que es esto?, ja,ja, ja, vamos a intentar explicarlo.

Se puede llegar a morir por amor como en los tiempos de Romeo y Julieta? O en los tiempos que vivimos ¿se puede llegar a la locura por una amor no correspondido?, ja,ja,ja, difícil contestación tiene esta pregunta verdad?
Pues bien hablando de la canción Michael Stipe, líder del grupo declaró que el tema de la canción era el amor y fue más lejos en su descripción: “La canción narra la obsesión hasta el punto de la locura.

Quizá para entender bien la canción solo haya que fijarse en el contenido final de la misma:

Ese soy yo contra las cuerdas
Ese soy yo en el punto de mira
Perdiendo mi religión
Intentando seguir contigo

El cantante declaró también que se trata de una canción pop sobre la obsesión, siempre he creído decía, que las mejores canciones son las que cualquiera puede escuchar, ponerse en ese lugar y decir: Sí, ese soy yo”.

Hay una expresión muy común en el sur de los Estados Unidos que hace alusión a perder el control o salirse de sus casillas, algo similar a esto nos comunica la canción y todo ello motivado por el amor, un amor no correspondido, un amor que nunca llega.
“La música triste permite prolongar la sensación de unión, como si todavía no se hubiera acabado del todo la relación cuando ni si quiera ha empezado”. La  tristeza, parece, prolonga la relación, aunque el vínculo sea tortuoso y ahogue.

En fin queridos amig@s no pretendo con estas breves palabras ser pesimista, pero mucho me temo que de nuevo el desamor es el protagonista en mi propuesta. Espero que tengáis mucho amor, ja,ja,ja, y que nunca os veáis en una situación como la que describe la canción.

Reconozco que siempre me gustó esta canción y  buena prueba de ello es que la programé en infinitas ocasiones en Radio Daimiel a lo largo de los años y también decir que  el vídeo elaborado para recrearla es de una imaginación infinita: ¨Un hombre muy viejo con alas muy grandes¨, un cuento muy corto que relata la historia de un viejo aludo que cae un día de lluvia en un pueblo y tras ser descubierto por una pareja incrédula en que pueda ser un ángel termina convertido en un fenómeno de circo para su provecho. Michael Stipe toma ese personaje y junto con otras referencias del arte religioso barroco, y construye la historia que finalmente veriamos en el video.
Por cierto me gustan los movimientos originales y tan singulares de Stipe en el vídeo.¿verdad que si?
Convencido estoy de que a mi amigo Sibe no le va a gustar mucho la canción, él es más de Manolo Escobar, ja, ja, ja, lo siento Manolito  otra vez será.

Os prometo que la próxima canción será un brindis a la alegría y la felicidad. Desde" Daimiel Directo" el deseo de que tengáis un buen día, pero no olvidéis que si es como música mucho mejor. Ja,ja, ja, un saludo....
Braulio Molina López 

«Losing My Religion» (en español, literalmente, «perdiendo mi religión»; expresión sureña que en traducción libre podría equivaler a «desquiciándome») es una canción de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M.

Se lanzó como el primer sencillo de su álbum de 1991 Out of Time. Basada en un ostinato de mandolina, fue un éxito inesperado del grupo, debido a su amplia difusión a través de la radio y MTV por su video promocional, aclamado por la crítica.

La canción fue el tema de R.E.M. en alcanzar la posición más alta en Estados Unidos, llegando al cuarto puesto en el Billboard Hot 100 y expandiendo la popularidad del grupo. Recibió varias nominaciones en los premios Grammy, ganando dos en las categorías de mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor video musical corto. Éste se basa en un señor muy viejo con unas alas enormes, cuento de Gabriel Garcia Márquez.

(Wikipedia)
La vida es grande
Es más grande que tú
Y tú no eres yo
Las distancias que recorreré
Son la distancia en tus ojos
Oh no he dicho demasiado
Lo que establecí

Ese soy yo contra las cuerdas
Ese soy yo en el punto de mira
Perdiendo mi religión
Intentando seguir contigo
Y no sé si podré lograrlo
Oh no he dicho demasiado
Y no he dicho lo suficiente
Creí oirte reir
Creí oirete cantar
Creo que me pareció haberte visto probarlo

Cada murmullo
De cada hora en vela
Escogiendo mis confesiones
Intentando no perderte de vista
Como un tonto herido, perdido y ciego
Oh no he dicho demasiado
Lo que establecí

Considera esto
Considera esto
el consejo del siglo
Considera esto
El descuido que me
Arrodilló fracasado
Y si todas estas fantasías
Comienzan a tambalearse?
Ahora he dicho demasiado
Creí oírte reír
Creí oírte cantar
Creo que me pareció verte probar

Pero fue solo un sueño.
Solo fue un sueño.

Ese soy yo contra las cuerdas
Ese soy yo en el punto de mira
Perdiendo mi religión
Intentando seguir contigo
Y no sé si podré lograrlo
Oh no, he dicho demasiado
Y no he dicho lo suficiente
Creí oirte reir
Creí oirete cantar
Creo que me pareció haberte visto probarlo

Pero sólo fue un sueño
Intenta, llora, vuela
Sólo fue un sueño

Eric Clapton - Tears In Heaven (1992)

Hola a tod@s:

Retomando nuestras “canciones con historia” en esta propuesta quiero asomarme a un hecho real que inspiro la triste canción que ahora os presento, se trata de “Tears in Heaven” (lagrimas en el cielo en español)  de  Eric Clapton.
Es en mi opinión una historia desgarradora que originó una triste historia y una hermosísima balada, una de las más conmovedoras por el mensaje y la historia que nos transmite.
Conor Clapton, con tan solo cuatro años se cayó por la ventana desde el piso 53 de un rascacielos en Manhattan, la ventana estaba abierta, cuando debería haber estado cerrada, el resultado del fatídico accidente lo podéis imaginar, el pequeño murió en el acto.

En su memoria su padre compuso «Tears in Heaven (lagrimas en el cielo) llegando a convertirse en uno de los temas más emblemáticos del cantante y guitarrista británico. Os podéis imaginar la desolación de ese padre, que ahora trata de imprimir esa tristeza a través de la letra y las notas musicales de esa canción. Y para terminar de consternarnos decir que poco después de enterrar a su hijo  Eric Clapton encontró una nota del pequeño dirigida a su padre en la que decía “papa te quiero”.
Ni siquiera por un momento quiero ponerme en su lugar para entender el sufrimiento de ese padre con su hijo muerto.
Dicen que perder a un hijo es lo más doloroso que puede pasar a un ser humano ya que va contra la lógica de la vida misma: son los hijos quienes entierran a los padres.
Una letra desgarradora basada en una realidad que casi nos invita a llorar, espero que no lo hagáis, esa al menos no es mi intención
¿Sabrías mi nombre
si te viese en el cielo?
¿Sería lo mismo
si te viese en el cielo?

Debo ser fuerte,
y seguir adelante,
porque sé que no encajo
aquí en el cielo.

Eric cuenta en una autobiografía que recibió la abominable noticia cuando Lori, la madre de su hijo, lo llamó para decirle que fuera lo antes posible al apartamento pues Conor había muerto.
Clapton no lo podía creer. En el trayecto al edificio se intentaba convencer que la noticia era falsa, pero cuando llegó y vio el cordón policial se sintió ajeno a todo y desde ese momento su vida cambió para siempre.
Él tuvo que ir a la morgue ya que Lori era incapaz, y cuando tuvo a su hijo enfrente muerto, sólo podía pensar: “este no es mi hijo, se parece, pero no es él”.

Eric Clapton se aisló por un periodo largo de tiempo  pero luego encaró el dolor y la pérdida de Conor como mejor podía hacerlo: componiendo.
Así nació una tragedia que nos hablaba de unas lágrimas en el cielo y del deseo de un padre por volver a ver su hijo. Así nació una de las canciones más tristes de la historia del rock.  
Después de aquello, el músico perdió la fe. “Lo que me salvó la vida fue el amor incondicional y la comprensión que recibí de amigos y de compañeros del programa de los Doce Pasos”, relató el músico. Para sobrellevar aquel desastre, el músico se centró en su recuperación. “Caí de rodillas y pedí auxilio para mantenerme sobrio”, confesó. 

Su súplica fue escuchada y de algún lugar perdido de su interior surgió la fuerza para alejarse de la bebida y las drogas. En ese momento supo que o se mataba bebiendo o vivía para honrar a su hijo. “Si puedo pasar por esto y seguir sobrio, entonces cualquiera puede”, explicó.

Quiero terminar diciendo que soy de los que piensan que hay canciones tan personales, tan intimas, que no tiene sentido que las cante nadie mas, de cualquier forma este tema fue, como muchos otros,  muy versionado y buena prueba de ello son las distintas canciones que os dejo al final.

En fin querid@s amig@s la tragedia echa canción.Que tengáis un buen día.

Braulio Molina López
Escrita nueve meses después del deceso, se transformó en uno de los temas de más éxito de Clapton. Alcanzó el número 2 en la lista de popularidad Billboard Hot 100 de Estados Unidos y se mantuvo tres semanas en el primer lugar de la lista Adultol Contemporáneo en 1992.
"Tears in heaven" fue incluida originalmente en la banda sonora de la película Rush. En el año 1993 ganó tres premios Grammy, en las categorías "Canción del año", "Grabación del año" y "Mejor interpretación vocal pop masculina". También fue incluida en el álbum de Clapton Unplugged. La canción ocupa el puesto 353 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone.

¿Sabrías cómo me llamo
Si te viera en el cielo?
¿Sería lo mismo
Si te viera en el cielo?
Debo ser fuerte y seguir mi camino
Porque sé que no pertenezco aquí en el cielo

¿Me cogerías de la mano
Si te viera en el cielo?
¿Me ayudarías a levantarme
Si te viera en el cielo?
Hallaré mi camino de día y de noche
Porque sé que no puedo quedarme aquí en el cielo.

El tiempo puede abatirte
El tiempo puede ponerte de rodillas
El tiempo puede romperte el corazón
Y tenerte implorando piedad
Implorando piedad

Detrás de la puerta habrá paz, estoy seguro
Y sé que no habrá más lágrimas en el cielo

¿Sabrías cómo me llamo
Si te viera en el cielo?
¿Sería lo mismo
Si te viera en el cielo?
Debo ser fuerte y seguir mi camino
Porque sé que no pertenezco aquí en el cielo
Porque sé que no pertenezco aquí en el cielo

VERSIONES
   

La Oreja de Van Gogh - Jueves

Hola a tod@s

En la mañana del jueves 11 de marzo de 2004 en Madrid se  produjeron diez explosiones provocadas por diez mochilas cargadas con alto explosivo, tuvieron lugar en hora punta, entre las 07:37 y las 07:39

Los atentados del 11 de marzo de 2004, conocidos por el 11M, fueron una serie de ataques terroristas en cuatro trenes de la red de Cercanías de Madrid llevados a cabo por una célula terrorista de tipo yihadista.
Aquel día triste para la historia de mi País, recuerdo que viajaba para ciudad Real cuando escuché la fatídica noticia. Cuántas historias pueden contarse de aquel fatídico 11 de marzo y cuántas más quedaron inconclusas… Jueves, la canción que ahora os propongo, es precisamente una de muchas historias que tuvieron un desenlace abrupto tras los atentados de esa fecha en Madrid.

Dedicada a las víctimas del atentado la canción está inspirada en los restos de un diario encontrado  de una pasajera donde la entrada del día estaba sin terminar.

La canción cuenta la historia de una chica que toma diariamente el tren y se enamora de un chico; el 11 de marzo se decide a dirigirle la palabra y se da cuenta que la atracción es mutua. “Jueves” termina con la demoledora frase: “Y yo te regalo el último soplo de mi corazón”.
La canción fue presentada cuatro años después de los atentados. Respecto de su contenido los miembros de La Oreja de Van Gogh comentaron que:
“Jueves es una historia de amor sobre la que nunca hubiéramos querido escribir. Es una canción especial, quizá la más especial de toda nuestra carrera. Es una de las pequeñas grandes historias que demasiadas veces las estadísticas terminan eclipsando. Por una vez y durante apenas cinco minutos de música, aquel 11 de marzo de 2004 vuelve a ser sencillamente “Jueves.
Por último decir que respecto de la música se trata de una composición muy sencilla pero muy emotiva, sólo el piano acompaña a la voz de Leire que la interpreta con gran sentimiento, como no podría ser de otra forma.

"...y ya estamos llegando, mi vida ha cambiado, un día especial este 11 de marzo, me tomas la mano... llegamos a un túnel que apaga la luz".
"Te encuentro la cara gracias a mis manos, me vuelvo valiente y te beso en los labios".
"Dices que me quieres y yo te regalo el último soplo de mi corazón".
La chica murió, no sé si él también.

Saludos desde Daimiel
Braulio Molina López

El 16 de Diciembre, la página oficial de los 40 principales (España) anunció que el miércoles 17 de Diciembre estrenaría el nuevo videoclib de la Oreja de Van Gogh, "Jueves". Sin embargo, la fecha fue cambiada repentinamente al día jueves 18 de Diciembre.
El video es un claro homenaje a los atentados del 11 de Marzo, sin llegar a tratar el tema en sí.
En el vídeo se muestra a diferentes personas de varias razas y edades cantando el tema, todo esto en blanco y negro, sólo se ve a las personas en un fondo negro.
A intervalos aparecen luces a modo de vagón de tren, por lo que se piensa que el vídeo representa un vagón de tren.
En las últimas estrofas de la canción, se ve como poco a poco se va apagando la luz de cada persona, simbolizando el momento del atentado de manera sutil.
Se dieron a conocer cuatro versiones diferentes del videoclips; la primera contaba exclusivamente con actores a blanco y negro interpretando la canción con los labios. La segunda contaba entre quienes interpretaban la canción con los cinco miembros del grupo, la tercera fue titulada "Versión con piano" y sólo incluye a Xabi tocando el piano mientras Leire interpreta el tema. Finalmente la "Versión definitiva" que incluye segmentos de las tres anteriores. Todas las versiones fueron producidas por Debolex Films.

Si fuera más guapa y un poco más lista
Si fuera especial, si fuera de revista
Tendría el valor de cruzar el vagón
Y preguntarte quién eres.

Te sientas en frente y ni te imaginas
Que llevo por ti mi falta más bonita.
Y al verte lanzar un bostezo al cristal
Se inundan mis pupilas.

De pronto me miras, te miro y suspiras
Yo cierro los ojos, tú apartas la vista
Apenas respiro me hago pequeñita
Y me pongo a temblar

Y así pasan los días, de lunes a viernes
Como las golondrinas del poema de Bécquer
De estación a estación enfrente tú y yo
Va y viene el silencio.

De pronto me miras, te miro y suspiras
Yo cierro los ojos, tú apartas la vista
Apenas respiro, me hago pequeñita
Y me pongo a temblar.

Y entonces ocurre, despiertan mis labios
Pronuncian tu nombre tartamudeando.
Supongo que piensas que chica más tonta
Y me quiero morir.

Pero el tiempo se para y te acercas diciendo
Yo no te conozco y ya te echaba de menos.
Cada mañana rechazo el directo
Y elijo este tren.

Y ya estamos llegando, mi vida ha cambiado
Un día especial este once de marzo.
Me tomas la mano, llegamos a un túnel
Que apaga la luz.

Te encuentro la cara, gracias a mis manos.
Me vuelvo valiente y te beso en los labios.
Dices que me quieres y yo te regalo

El último soplo de mi corazón.




Revolver - Calle Mayor 

Hola a tod@s

A titulo de introducción quiero por un momento que  pienses en cuantas veces escuchas esa canción que te gusta, te sugiero que  pongas atención en la letra. ¿Te has preguntado alguna vez qué importancia tiene la música en tu vida y sobretodo esa canción?
Estoy convencido de que parte de lo que nos hace ser humanos es la música, algo de  vital importancia, no solo por su belleza y estética, sino como soporte de comunicación entre humanos y también consigo mismo.
Entre otras cosas la música sirve para comunicarnos y cuanto más lo hagamos, mejor podremos expresarnos y mayor será nuestro entendimiento sobre lo que significa ser humanos.

Dicen algunos que todas las almas pesan lo mismo y que da igual que seas blanco que negro y que por tanto no importa la raza ni el color.
Mi siguiente propuesta en”canciones con historia” versa sobre la reflexión y  contiene la mezcla de  culturas y de razas que tiene lugar en muchos lugares del mundo y a la que en España no somos ajenos.
Esta canción nos propone una lección de vida y humanidad a la vez que nos invita a ser más reflexivos y tolerantes; “la calle es de todos, da igual el lenguaje, pues la vida es la vida y los hombres son hombres aquí en la calle mayor”.

Se trata de un toque de atención contra el racismo por la emigración en un País, España, del que no debemos olvidar la emigración vivida a través de la historia. El fenómeno de la emigración española a Europa duró hasta la crisis de 1973.

La canción que  nos presenta Revolver se centra en las historias que se viven en un mercado de la calle mayor, donde peruanos, negros y llegados de otras latitudes venden sus “cacharros” mientras soportan las impertinencias de gentes intolerantes, que se  sienten en cierta forma superiores respecto del extranjero que vino del mar.
Nos habla del necio que intenta sacar a los peruanos un extra en el precio de su compra o del niño que pisotea los puestos porque sabe, que tendrá la defensa de sus padres a pesar de que lo que está haciendo está mal.

En definitiva mezcla de culturas y de razas donde se presenta un alegato para entender esto como un cuadro pintado de diferentes colores y donde se quiere subrayar que lo importante son los corazones y el interior de las personas, no  su raza o su color.
Es, como os decía una canción que invita a la reflexión, es una historia que nos habla de la igualdad  de la raza, del sexo, del origen de las personas o del lenguaje que hablan.

“Me da igual que seamos gitanos que payos, da igual si del norte o del sur,
pues la vida es la vida y los hombres son hombres aquí y en la calle Mayor.
Me da igual que seamos negros que blancos, me importa tan poco el color,
pues la vida es la vida y los hombres son hombres aquí y en la calle Mayor”.

Que tengáis un buen día y que todos aprendamos a ser comprensivos y tolerantes.

Braulio Molina  López


 Calle Mayor es el cuarto álbum de estudio del grupo español de rock Revólver, publicado por Warner Music en noviembre de 1996. En contraposición con sus anteriores trabajos, Calle Mayor incluyó un mayor contenido de crítica social, especialmente en «Calle Mayor», una denuncia del racismo.
A nivel lírico, Calle Mayor puso un mayor acento en temas de carácter sociopolítico, presentes desde entonces a lo largo de la carrera de Revólver en álbumes como Mestizo y Argán.
 El tema que da título al álbum, «Calle Mayor», es una crítica al racismo basada en una vivencia que el propio Goñi tuvo en la calle Mayor de Alicante, y en la cual relata una historia sobre la inmigración ilegal y la violencia. Goñi comentó sobre la canción: «Fue bastante complicada de hacer. Supongo que suena demasiado descarnada, demasiado sincera. La letra está en primer plano: de hecho la canción es la letra, los arreglos están en función a ella. Hace que me sienta muy bien conmigo mismo. Una canción así solo podía aparecer en el momento adecuado, tenía que aparecer de un modo natural. Sólo había que esperar a que ocurriese.




Roberto Carlos - El gato que está triste y azul

Hola a tod@s.

Un gato azul, ¡venga ya!, ja, ja, ja. ¿Un gato escondido en una canción?, ja, ja, ja. Aquí hay gato encerrado mas que escondido, no os parece?

En 1972 Gaetano Totó y Giancarlo Bigazzi escribió en italiano la canción “Un gatto nel blu”, (un gato en la oscuridad en español) para que fuera cantada en el festival de Sanremo por Roberto Carlos. 
Entonces porque en España y sólo en España el gato fue azul?, pues sencillamente por pura rima en su traducción al español ya que en realidad la versión original hace alusión a que el gato está en el cielo y es que en italiano la afección “blu” se utiliza para referirse al cielo.

Si analizamos la letra de la canción observamos que en la primera estrofa de la misma el gato está en nuestro cielo para inmediatamente pasar a ser azul en la siguiente, un contrasentido ya que en la versión original el gato sigue estando por ahí arriba, ja, ja, ja.

El gato que está triste y azul
Nunca se olvida que fuiste mía
Más sé qué sabrá de mi sufrir
porque en mis ojos… una lagrima hay

Quienes hicieron la traducción  de la canción al castellano, Buddy & Mary McCluskey convirtieron el azul del cielo italiano en el azul de la tristeza inglesa.
En italiano blu es ‘azul’, pero también es ‘cielo’, al igual que pasa con el  inglés, porque también nos podemos referir al cielo como blue. Así que el gato podría estar en el cielo y no triste.
La palabra azul no significa nada en castellano, pero convierte esta canción en un algo extraño. Junta dos cosas raras: un gato y el color azul.

Ja,ja, ja, lo cierto que sea como fuere, sea azul, esté en el cielo o esté triste, la canción tuvo un enorme éxito en España a principio de los años setenta y ahora en “canciones con historia” queremos recordarla.

 Menuda historia verdad?, qué bonita canción y que pésima traducción ja, ja, ja que  suene la música, disfrutéis de la canción y tengáis un buen día.


Braulio Molina López

Roberto Carlos es uno de los iconos más populares y reconocidos de la música brasileña en el mundo; nombrado en Brasil y en el resto de América Latina como «el rey de la música latina.
Nació en el estado de Espírito Santo y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. A los seis años de edad, el día de la fiesta de San Pedro (patrono de Cachoeiro de Itapemirim) fue atropellado por una locomotora de vapor, y la pierna derecha le tuvo que ser amputada un poco debajo de la rodilla. Desde entonces usa una prótesis.
Lleva más de 120 millones de discos vendidos en todo el mundo; récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete de pop latino en 1989, gracias a la canción Si el amor se va, es el único artista latinoamericano de los considerados leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras.

(Información del cantante: Wikipedia)


Cuando era un chiquillo, que alegría
jugando a la guerra noche y día,
saltando una verja, verte a ti,
y así, en tus ojos, algo nuevo descubrir.

Las rosas decían que eras mía
y un gato me hacía compañía.
Desde que me dejaste yo no sé
por qué la ventana es más grande sin tu amor.

El gato que está en nuestro cielo
no va a volver a casa si no estás.
Lo sabes mi amor, qué noche bella,
presiento que tu estás en esa estrella.

El gato que está triste y azul
nunca se olvida que fuiste mía
más sé que sabrá de mi sufrir
porque en mis ojos… una lagrima hay.

Querida querida, vida mía,
reflejo de luna que reía,
si amar es errado culpa mía
te amé en el fondo que es la vida no lo sé.

El gato que está en nuestro cielo
no va a volver a casa si no estás.
lo sabes mi amor qué noche eterna
presiento que tu estás en esa estrella.

El gato que está triste y azul
nunca se olvida que fuiste mía
más siempre serás en mi mirar
lágrima clara de primavera.

El gato que está en la oscuridad
sabe que en mi alma… una lágrima hay.

El gato que está triste y azul
nunca se olvida que fuiste mía
más siempre serás en mi mirar
lágrima clara de primavera.

El gato que está triste y azul
nunca se olvida que fuiste mía
más siempre serás en mi mirar
lágrima clara de primavera.
Versión original de la canción “Un gatto nel blu”


Bonnie Tyler - It's A Heartache  (1977)

Hola a tod@s:

Abrimos una nueva página de “canciones con historia” y lo hacemos para hablar del corazón. No hace falta estar demasiado informado para conocer que escuchar música es una buena forma de mejorar el ánimo, ¿verdad?, pues bien dicen los expertos que también es una buena manera de tener el corazón sano y fuerte.

“Supongo que si llego a superar esto, no tendré la confianza de abrir mi corazón como lo hice contigo”. Si, es esta una frase hecha que nos sugiere  una ruptura amorosa o un amor no correspondido,... o como diría Bonnie Tyler. It's a heartache (es un dolor de corazón o un corazón destrozado).

Quiero recordar que cuando programaba esta canción en la radio siempre me impresionó la  característica voz de la cantante, mi curiosidad me llevó a indagar hasta obtener la respuesta del porqué: Tyler fue operada de las cuerdas vocales y empezó a hablar antes de lo recomendable y ello provocó que adquiriera esa voz rasgada que le hizo temer por su carrera artística, sin embargo Bonnie Tyler se equivocaba porque precisamente esa voz ronca le convirtió en una estrella.

Respecto de la canción habría que significar que tuvo un tremendo éxito en 1977, año en que se grabó, escrita por  Ronnie Scott y Steve Wolfe y con carácter de  country rock fue grabada también por Juice Newton (al final la podeis esuchar) , aunque la versión más famosa y conocida es la de Tyler.

Con "It's a heartache", alcanzó el top 5” en Reino Unido, Europa y Estados Unidos, dándole el empujón definitivo para su gira Europea.

Con este corazón herido, o destrozado, o como queráis llamarlo porque también se tradujo como es una pena, Bonnie Tyler nos transmite que es una angustia dentro de un juego de tontos, el sentirse mal por haber dependido tanto de alguien, y notas que él no se preocupa por ti, algo así como una especie de lamento por haberse enamorado tan locamente sin ser correspondida plenamente:

tanto como dependí de ti
Esto es una angustia
Nada más que una angustia
…y entonces el te abandona

Por último decir que  “It's A Heartache”,la versión de Tyler obtuvo criticas muy positivas y… bueno, bueno que me enrollo, mejor la escuchamos, ja ,ja, ja,  que tengáis un buen día y tener cuidado con el corazón que nadie os lo destroce.
Saludos desde Ciudad Real y gracias por vuestro seguimiento. 
Braulio Molina López

«It's a Heartache» es una canción grabada por la cantante galesa Bonnie Tyler para su segundo álbum de estudio, Natural Force (1978). La canción fue grabada en el mismo año por Juice Newton como un sencillo independiente. Fue escrita por Ronnie Scott y Steve Wolfe, en aquel tiempo gerentes de Tyler, la canción fue producida por David Mackay.

La canción alcanzó el número tres en los Estados Unidos y el número cuatro en el Reino Unido. Con las ventas físicas de más de 6 millones de copias, la versión de Tyler es uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos.1 Tyler ha vuelto a grabar la canción varias veces, sobre todo como un dueto bilingüe con la cantante francesa Kareen Antonn en 2004 .
La versión de «It's A Heartache» de Juice Newton fue lanzado en determinados ediciones extranjeras en su álbum Come to Me. Cuando se publicó como sencillo en México en 1977, la canción obtuvo un disco de oro. Versión de Newton fue lanzada en Estados Unidos el año siguiente y alcanzó el puesto número 86.

Gracias a el lanzamiento de «It's A Heartache» los críticos musicales compararon la voz de Tyler con la de Rod Stewart.2 Carol Wetzel desde Spokane Daily Chronicle felicitó a la voz de Tyler en «It's A Heartache», afirmando que su gran éxito anterior, «Lost in France», es «no es gran cosa, probablemente debido a que se hizo antes de que su voz cambiara.


Es un corazón roto
nada más que un corazón roto.
Te golpea cuando es demasiado tarde por la noche,
te golpea cuando estás deprimida,
es un juego de tontos,
nada más que un juego de tontos,
estar parado bajo la fría lluvia,
sintiéndote como un payaso.

Es un corazón roto,
nada más que un corazón roto.
Le quieres hasta que se rompen tus brazos
y entonces él te decepciona.
No se está bien queriendo compartir amor
cuando te das cuenta de que a él no le importas.

No es sensato necesitar a alguien
tanto como yo dependía de ti.

Es un corazón roto,
nada más que un corazón roto.
Te golpea cuando es demasiado tarde por la noche,
te golpea cuando estás deprimida,
es un juego de tontos,
nada más que un juego de tontos,
estar parado bajo la fría lluvia,
sintiéndote como un payaso.

No se está bien queriendo compartir amor
cuando te das cuenta de que a él no le importas.
No está bien necesitar a alguien
tanto como yo dependía de ti.

Es un corazón roto,
nada más que un corazón roto.
Es un corazón roto,
nada más que un corazón roto.

Le quieres hasta que se rompen tus brazos
y entonces él te decepciona.

Es un juego de tontos,
estar parado bajo la fría lluvia,
sintiéndote como un payaso.

Es angustioso,
quererle hasta que se rompen tus brazos.

Versión de Juice Newton

Gerry Rafferty. “Baker Street”



Saludos;  Hola a tod@s:

Dices que casi no existes, que te levantas y que vuelves a caer y que buscas algo en que apoyarte, “inténtalointéntalo y no abandones”. Ja, ja, ja, buen comienzo a titulo de introducción, verdad?  Espero que estéis bien, yo al menos lo intento y es que….

Nueva entrega de “canciones con historia” para situarnos en esta ocasión en el año 1978, y lo hacemos con una canción compuesta e interpretada con buen gusto y estilo. Se trata de “Baker Street” de el escocés Gerry Rafferty.

Sin duda en alguna ocasión habéis escuchado canciones dedicadas a alguna ciudad. Cuando viajamos a otras ciudades muchas veces se nos viene a la mente esa canción que habla de ella o de algunas de sus calles famosas, como es esta, una canción viajera por excelencia, por aquello de los muchos visitantes que acoge.

Baker Street” fue llamada así en honor al constructor William Baker, quien la diseñó en el siglo XVIII, tratándose de una calle muy transitada en Londres,  ya que en la actualidad está poblada de comerciales, y donde se suceden distintas historias cada día del vivir cotidiano de las gentes.

Por otra parte hay que decir también que Baker Street” es muy famosa en Londres por la relación que tuvo en su momento con el detective Sherlock Holmes (en la ficción) . En el vídeo podemos apreciar distintos planos tomados en ella y el trasiego de las gentes “otro día de locos” dice en el texto de la canción, argumentando que cada uno va a lo suyo y que la gente es fría en las relaciones.

Respecto de la canción decir que desde su inicio, con la introducción del saxo soplado por el escocés Raphael Ravenscroft, ya se aprecia una alta  calidad de ejecución. 


Este desierto en la ciudad te hace sentir frío
Hay tanta gente pero no tiene ni un alma
Y te ha llevado mucho tiempo averiguar en qué te equivocabas
Cuando pensabas que ahí había de todo.

En ella su autor nos habla de volver a empezar, de volver al camino de la vida sin decaer una y otra vez y de no dejar nunca de intentarlo, tal vez esto quiera reflejar los duros años vividos por el autor en una dura etapa de su vida, en la que estuvo viviendo por temporadas en casa de un amigo, en la londinense calle Baker.

En su música destaca como decía el saxo alto que hace el papel tanto de riff principal, como de estribillo, consiguiendo una sincronizada sonoridad con el resto de instrumentos y un excelente trabajo de rock intimista con elementos de folk-rock

La historia de la grabación está sujeta a varias leyendas y encontronazos entre el saxofonista y Rafferty, este último llegó a decir que el solo de saxo que aparece en la canción era suyo y también se dijo que el autor de la grabación no fue Ravenscroft sino el humorista Bob Holness.

También se ha comentado que el saxofonista solo cobró un cheque de 27 miserables libras, para una canción que después generó mas de ochenta mil cada año, en fin todo esto no dejan de ser elucubraciones que bien podían formar parte de leyendas alocadas o de malas lenguas.

Por último, antes de escucharla, decir que el tema musical ha sido muy utilizado en el mundo del cine o en series de televisión como “Los Simpson”, sin olvidarnos de  que también ha sido la banda sonora de mas de un anuncio publicitario.

Que tengáis un buen día

Braulio Molina López

Baker Street es una canción de Gerry Rafferty estrenada en 1978, perteneciente a su segundo álbum solista, llamado City to City. El nombre del tema se debe a la famosa calle londinense del mismo nombre. El sencillo alcanzó el puesto 3 en el Reino Unido y el puesto 2 en los Estados Unidos, además de alcanzar el top 10 en los Países Bajos.

Fue el primer lanzamiento de Rafferty tras las disputas jurídicas que rodearon a la separación de la banda Stealers Wheel en 1975. Rafferty no pudo presentar ningún material durante tres años, en tanto no se resolvieran ciertas cuestiones judiciales. La ejecución del saxofón, sonido preponderante en el tema, estuvo a cargo de Raphael Ravenscroft.
(información Wikipedia).


Caminando cada vez más despacio por la calle Baker
Tu mente iluminada y tus pies agotados
Bueno, otro día de locos, te beberás la noche
Y te olvidarás de todo.

Este desierto en la ciudad te hace sentir frío
Hay tanta gente pero no tiene ni un alma
Y te ha llevado mucho tiempo averiguar en qué te equivocabas
Cuando pensabas que ahí había de todo.

Solías pensar que era tan fácil,
Solías decir que era tan fácil
Pero ahora lo estás intentando, lo estás intentando.
Un año más y entonces serás feliz
Solo un año más y entonces serás feliz
Pero ahora estás llorando, estás llorando.

Más abajo de la calle hay una luz en su casa
Él abre la puerta, tiene esa cara
Y te pregunta dónde has estado, le dices a quién has visto
Y se lo cuentas todo.

Él tenía aquel sueño de comprar algún terreno
Va a dejar la bebida y los ligues de una noche
Y entonces sentará la cabeza, en algún pueblo tranquilo
Y se olvidará de todo.

Pero sabes que siempre se estará moviendo
Sabes que nunca dejará de moverse
Porque él es el trotamundos
Y cuando despiertas es una nueva mañana
El sol brilla, es una nueva mañana
Pero te vas, te vas a casa.






Pulgarcito - ¡Que demasiao!




Hola a tod@s

Bienvenidos a una nueva entrega de “canciones con historia”….y para historia la que nos propone esta canción, y es que nuestro protagonista tuvo por escuela una prisión y por maestro una mesa de billar y sin tener años para votar ya pasaba del rollo de vivir. Ja, ja, ja, dicho así parecería un relato de ficción, de no tratarse de una historia basada en la realidad, una triste historia con final trágico.

Lo cuenta “Pulgarcito”, un músico callejero que tocaba en las calles de Madrid con su guitarra y un pequeño plato para las monedas, solía hacerlo en las puertas de los  grandes almacenes de la calle Preciados de la capital de España.

Un día que Joaquín Sabina paseaba lo encontró en la calle y le regalo la letra de la  canción  “Que demasiao” un tema que curiosamente obtuvo un gran éxito entre los transeúntes y a partir de ahí un productor discográfico le propuso grabar un disco con todas esas canciones callejeras.
 Pulgarcito aceptó la oferta pero le comentó al directivo que la mayoría de las letras eran de un tal Joaquín Sabina,(quien por entonces todavía no había grabado discos),  tras contactar la discográfica con Sabina apareció el primer disco de Pulgarcito.
La canción estaba dedicada a “El Jaro” y fue interpretada en el espacio televisivo de la 2 Popgrama, despertando así el interés de la CBS.

Pero vamos con esta historia

José Joaquín Sánchez Frutos conocido como “El Jaro” fue un delincuente nacido en Toledo en 1962 de los que en la ficha policial figuraban entre otros 500 substracciones de vehículos, 100 atracos, diversas lesiones, 38 robos a chalets y un largo etc. En el  informe policial podemos observar que con tan solo 14 años manejaba una banda de 65 individuos y con 15 ya había sido detenido 28 veces, en fin como veis todo un personaje este Jaro.

Ingresó de forma reiterada en el reformatorio del Sagrado Corazón, del que se llegó a fugar una quincena de veces. Estuvo en el centro tutelado de menores Santo Anxo, en Rábade (Lugo), de régimen abierto. Estuvo un mes hasta que recibió la noticia de que su novia estaba embarazada. Entonces, el centro le proporcionó un billete de ida y vuelta para que la visitara, pero éste, una vez en Madrid, volvió a juntarse con sus amigos y atracaron un chalé. Allí tuvo lugar un enfrentamiento armado con la Guardia Civil en el que fue herido y trasladado a la cárcel concordatoria de Zamora

Dice un refrán que “quien mal anda mal acaba” y es que al jaro le esperaba la muerte el 24 de febrero de 1979. Un hombre vio que atracaba en la calle Toribio Pollán de Masrid a un vecino, bajó a la calle con una escopeta y le disparó, matándolo y  como dice la canción: “la muerte en una esquina te esperó, te pegaron seis tiros descarao y luego desangrado te ingresaron en el Piramidon, pero antes de palmarla se te oyo decir ¡Que demasiado’! de esta me sacan en televisión.

Pero “el jaro” no solo tuvo su canción, llegó a hacerse tan famoso en España que el director de cine Eloy de la Iglesia fijándose en su carrera delictiva rodó la película “navajeros” inspirado en su vida, por cierto que el periódico de la época El caso le dedico un amplio reportaje el 14 de abril de 1979.
Fue Joaquín Sabina, tras su muerte quien le compuso la canción”Que demasiao” en la que narra su vida.

En fin historias de la vida o vidas con historia. Que tengáis un buen día.

Braulio Molina López


El Jaro

José Joaquín Sánchez Frutos, alias El Jaro, (Villatobas, Toledo, 1963 - Madrid, 24 de febrero de 1979), fue un famoso y precoz delincuente español cuya breve vida se llevó al cine en la película Navajeros.
Nace en Villatobas. Su apodo se lo puso su madre debido a que cuando nació era muy rubio y de piel muy blanca. El padre y los dos primogénitos trabajaban en el campo, mientras la madre, alcohólica, encerraba a José Joaquín y al resto de sus hermanos en una habitación para irse a beber. En la habitación lo único que les dejaba la madre a los niños para comer todo el día era una barra de pan y tres onzas de chocolate. Por eso, ya a los ocho años, según relata una de sus hermanas, forzaban la cerradura de su casa con una cuchara para ir a la escuela a pedir comida, o en su defecto robar leche en la despensa del comedor escolar.

Al parecer, tanto José Joaquín como sus hermanos sufrían agresiones físicas por parte de sus padres. Poco tiempo después, la madre acabó siendo detenida y trasladada al penal de Ocaña. Nada más salir su madre de la cárcel, y seguramente por la vergüenza que provocaría en la familia este hecho, José Joaquín, sus padres y sus hermanos decidieron emigrar ese mismo día a Madrid en busca de mejores oportunidades, sin apenas equipaje ni dinero. Sus primeros años en la ciudad los pasaron en una casa abandonada. Durante aquellos años el padre abandonó a la familia y los niños se vieron obligados a mendigar para subsistir.

 Al volver a "casa" con lo recaudado, su madre les arrebataba todo el dinero y lo gastaba en ella sola. Según cuenta una hermana del Jaro, "con lo que sacábamos ella hacía una cazuela de patatas, por ejemplo, y se la comía con dos litros de vino, mientras nosotros mirábamos"-

Era un líder nato y desde pequeño manejó una banda con miembros mayores que él, algunos incluso mayores de edad, a los que dirigía en todo tipo de tropelías como robos, hurtos y atracos. Ingresó de forma reiterada en el reformatorio del Sagrado Corazón, del que se llegó a fugar una quincena de veces. Estuvo en el centro tutelado de menores Santo Anxo, en Rábade (Lugo), de régimen abierto. Estuvo un mes hasta que recibió la noticia de que su novia estaba embarazada. 

Entonces, el centro le proporcionó un billete de ida y vuelta para que la visitara, pero éste, una vez en Madrid, volvió a juntarse con sus amigos y atracaron un chalé. Allí tuvo lugar un enfrentamiento armado con la Guardia Civil en el que fue herido y trasladado a la cárcel concordatoria de Zamora.


«Macarra de ceñido pantalón
pandillero tatuado y suburbial,
hijo de la derrota y el alcohol,
sobrino del dolor,
primo hermano de la necesidad.

Tuviste por escuela una prisión,
por maestra una mesa de billar.
Te lo montas de guapo y de matón,
de golfo y de ladrón
y de darle al canuto cantidad.

Aún no tienes años pa votar
y ya pasas del rollo de vivir.
Chorizo y delincuente habitual
contra la propiedad
de los que no te dejan elegir.

Si al fondo del oscuro callejón
un Bugatti te come la moral,
a punta de navaja y empujón
el coche vacilón
va cambiando de dueño y de lugar.

Que no se mueva nadie, has ordenao,
y van ya quince atracos en un mes.
Tu vieja apura el vino que has mercao
y nunca ha preguntao:
¿De dónde sale todo este parné?

La pasma va pisándote el talón,
hay bronca por donde quiera que vas,
las chavalas del barrio sueñan con
robarte el corazón
si el sábado las llevas a bailar.

Una noche que andabas desarmao
la muerte en una esquina te esperó,
te pegaron seis tiros descaraos
y luego desangrao
te ingresaron en el piramidón.
Pero antes de palmarla se te oyó
decir: "Qué demasiao,
de esta me sacan en televisión"».


Victor Manuel - La Madre (1988)



Hola a tod@s

En esta nueva entrega de “canciones con historia” quiero que centremos nuestra atención en un grave problema de la sociedad como es sin duda la droga y la adicción de  muchos jóvenes. Es realmente impactante como destruye a una persona y también a todo el ámbito familiar. ¿Por un momento quiero que os peguntéis cuanto tiene que sufrir una madre para incluso desear por su bien la muerte de su hijo, os contesto yo: “ya no puede haber más dolor, ya no se puede sufrir más”.

“La droga está destruyendo a la sociedad, fomentando el delito, esparciendo enfermedades como el Sida y acabando con nuestros jóvenes y nuestro futuro, son palabras de ”Kofi Annan, Ex secretario General de la ONU.

En la canción que ahora os propongo se  concentra todo el dolor e impotencia de una madre con su hijo. Seguro que much@s de vosotros estaréis de acuerdo conmigo en que lo más importante en la vida para una mujer es sin ningún género de dudas un hijo.
Quizá todo el dolor y  sufrimiento que siente una madre por su hijo, enfermo y adicto a la droga, sirva para acentuar cuanto lo quiere y se plantee como puede ayudarle.

Sobre la droga y su tragedia se han escrito muchas cosas, pero estoy convencido de que  “La Madre” de Víctor Manuel es una canción durísima, la más impresionante que a este respecto se ha escrito.En solo tres estrofas condensa toda la crudeza de la historia: una mujer abnegada que da todo lo que puede para proporcionar lo mejor  a su hijo, la espiral en la que se ve envuelta esa madre se resume en la segunda estrofa de la canción, donde el autor afirma que la madre quiso ayudarle aunque matiza que  sin saber ni como.

“Con un último esfuerzo le compró la más dura”, realmente patético el final de la canción en la que el drogadicto muere en brazos de su madre. En el estribillo se concentra todo  la impotencia de la madre: “Que te puedo dar que no me sufras”.

La canción se inicia con un ritmo obsesivo que permanece en las estrofas y que sin duda consigue hasta llegar al desenlace de la historia en que la voz del cantante queda solo arropada por los sintetizadores  y el bajo.
Con esta composición Víctor Manuel, demuestra una vez más que es un gran poeta con una sensibilidad especial sobre el problema de la droga en la sociedad.

Que tengáis un buen dia
Braulio Molina López

Nada que ver con la común historia
nadie me quiere y todas esas cosas.
Ella fregaba suelos, nunca se compró ropa,
por darle un buen colegio multiplicó las sobras.
Cuál sería el instante, quién le enseñó estas cosas
cuando probó la muerte y amaneció entre sombras.

Qué te puedo dar, que no me sufras,
qué te puedo dar, que no te hundas,
que no vea en tus ojos reflejos de cristal,
que me mata tu angustia, que me puede tu mal.
Qué te puedo dar.

Quiso ayudarle, sin saber ni cómo
y aunque no pudo, fue vendiendo todo.
Pero todo era poco para un saco sin fondo.
Un golpe a una farmacia, algún pequeño robo.
Ya de vuelta en la casa del hospital sabía
que más pronto que tarde la herida se abriría.

Con la prudencia que da la locura
buscó los datos, aclaró sus dudas.
Con un último esfuerzo, le compró la más pura
y al mirarle a los ojos, se le borró entre bruma.
Él creyó que soñaba en el fugaz instante
en que acabó su tiempo abrazado a la madre.


Maná - En el muelle de San Blás



Hola a tod@s, queridos amigos y amigas, estamos de vuelta en “canciones con historia" con una reflexión:

La música es uno de los factores más importantes de la vida del ser humano y buena prueba de ello es que apareció en los inicios de nuestra especie, es decir surgió al mismo tiempo que nosotros. Esto  lleva a afirmar que la música es algo así como la banda sonora de nuestra vida.

Sobre la música se han hecho muchas reflexiones, como muestra un botón:
1.     La música es amor buscando palabras (Lawrence Durrell).
2.     La música puede cambiar el mundo porque puede cambiar a las personas. (Bono líder de  la banda U2).
3.     La música expresa lo que no puede ser dicho y aquello sobre lo que es imposible permanecer en silencio. (Victor Hugo).
4.     Donde las palabras fallan, la música habla.( Hans Christian Andersen).
5.     La música es la mediadora entre el mundo espiritual y el de los sentidos. (Ludwig van Beethoven).
6.     La música es la taquigrafía de la emoción (León Tolstoi).
7.     La única verdad es la música (Jack Kerouac).
8.     La música es el tipo de arte que está más cerca de las lágrimas y la memoria (Oscar Wilde).
9.     El músico es probablemente el más modesto de los animales, pero también el más orgulloso (Erik Satie).
1 En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad (Arthur Schopenhauer).

Estas citas celebres que acabo de enumerar nos llevan a la paulatina sensibilización del alma a los sonidos nobles.

En esta ocasión tenemos como invitada protagonista a Rebeca Méndez, también conocida como la loca del muelle de San Blas...con una triste historia de amor.
Nuestra protagonista tenía todo preparado para su boda, pero paradojas de la vida tres días antes del gran día, Manuel (su prometido) se adentró en el mar para no volver nunca más.
Manuel como de costumbre  se embarcó muy temprano para pescar, pero ya  no volvió, ese día, la tormenta tropical, en el Pacífico, pudo ser perfectamente la responsable de que Manuel no volviera nunca más junto a su amada.

Pasaron los días, los meses y los años y Manuel no volvía. Rebeca permaneció sentada en el muelle del puerto de San Blas, luciendo su vestido de novia, esperando el tan ansiado regreso de su prometido.

“Voy a esperar a mi amado, voy a cumplirle la promesa que le hice junto al mar, llevo este vestido para que me reconozca y aquí estaré siempre sola con mi espíritu en el Muelle de San Blas”. Rebeca esperó y esperó, pero Manuel no regresó nunca, la insistencia de la espera llevo a los lugareños a llamarla la loca del Muelle de San Blas.

En el año 2012 murió Rebeca Méndez Jiménez la mujer que inspiró al grupo Maná, en el tema "El muelle de San Blas" y todo ello tras una vida dramática y triste. Tras su muerte los familiares revelaron que el último deseo de la mujer era que se arrojasen sus cenizas al mar, desde el muelle de San Blas para así encontrarse con su amado Manuel.

Una vez más  la música es protagonista de otra historia, de otra vivencia, del sufrimiento humano y de la importancia que tiene el sentir del amor en la vida. Historias y canciones o “canciones con historia”.

Feliz día y un saludo desde Ciudad Real (España)

Braulio Molina López


"En el muelle de San Blas" es el cuarto sencillo del álbum Sueños líquidos, de la banda mexicana de rock latino Maná. Lanzado el 23 de mayo de 1998. Ese mismo día, la canción alcanzó el n.º 18 en el U.S. Billboard Hot Latin Tracks,1 y permaneció en ese puesto por 6 semanas.
El 16 de septiembre de 2012, murió la mexicana Rebeca Méndez Jiménez, quien había sido la musa que inspirara el tema. Fher se habría inspirado en la historia de Méndez Jiménez. En 1971 ella despidió en el muelle de San Blas a su prometido con quien se iba a casar cuatro días después, para nunca más volver a verlo.
(Wikipedia)

Ella despidió a su amor
el partió en un barco
en el muelle de san Blás.

El juró que volvería
y empapada en llanto ella juró
que esperaría.

Miles de lunas pasaron
y ella siempre estaba en el muelle
esperando.

Muchas tardes se anidaron
se anidaron en su pelo
y en sus labios.

Llevaba el mismo vestido
y por si él volviera
no se fuera a equivocar.

Los cangrejos le mordían
su ropaje su tristeza
y su ilusión.

Y el tiempo se escurrió
y sus ojos se le llenaron
de amaneceres.



Y del mar se enamoró
y su cuerpo se enraizó
en el muelle.

Sola... Sola en el olvido
Sola... Sola con su espíritu
Sola... Sola con su amor el mar
Sola... en el muelle de san Blás.

Su cabello se blanqueó
pero ningún barco
a su amor le devolvía.

Y en el pueblo le decían
le decían la loca
del muelle de san Blás.

Una tarde de abril
la intentaron trasladar
al manicomio.

Nadie la pudo arrancar
y del mar nunca jamás
la separaron.

Sola... Sola en el olvido
Sola... Sola con su espíritu
Sola... Sola con su amor el mar
Sola... en el muelle de san Blás.

Oooh...

Sola... Sola en el olvido
Sola... Sola con su espíritu
Sola... Sola con el sol y el mar
Sola... Ooh Sola...

Sola en el olvido
Sola... Sola con su espíritu
Sola... Sola con su amor el mar
Sola... en el muelle de san Blás.

Ooooh...
Eeeeh...

Se quedó, se quedó
sola, sola.

Se quedó, se quedó
con el sol y el mar.

Se quedó ahí
se quedó hasta el fin.

Se quedó ahí.

Se quedó
En el muelle de san blás

Ooooh....

Sola, Sola
se quedó
sola sola.

La historia detras de la cancion 



Pearl Jam - Jeremy
Hola a tod@s:

En esta nueva entrega de “canciones con historia” hablamos del acoso escolar, también llamado bullying y es que a estas alturas ya nadie duda de que es una  realidad que además en los últimos tiempos  se ha incrementado notablemente siguiendo unas pautas de comportamiento determinadas, todo se reduce a la falta de respeto.
La educación para abordar el acoso escolar debe en mi opinión comenzar en casa educando con empatía a su hijo.

Muchos niños tienen miedo a contar determinadas situaciones por miedo, y es por ello por lo que debemos darles a entender que los comprendemos, que les vamos a escuchar y que nos interesan sus problemas.

También habría que significar que la colaboración de los centros educativos es fundamental y los profesores deben aquí jugar un papel fundamental tomando medidas desde el primer momento a través de una enseñanza basada en valores de respeto.
Es imposible determinar cuando surgió exactamente el acoso escolar aunque podríamos aventurarnos a decir que surgió con las primeras aulas educativas, es decir hace ya mucho tiempo y en cualquier parte  del Mundo.

La canción que ahora os presento es la historia de "Jeremy" de la banda Pearl Jam.
Unos dicen que el joven se suicido por acoso y otros lo atribuyeron a la mala relación familiar que tenia con los padres, quizá nunca conozcamos el verdadero motivo pero sea como fuere lo cierto es que Jeremy se quitó la vida y se llevo consigo su secreto con tan solo 16 años.

Eddie Vedder, miembro de la formación, quedó impresionado al leer en el periódico la noticia: Jeremy Wade Dalle, un chico de Texas se suicidó ante sus compañeros en la propia clase con tan solo 16 años.

A partir de ahí la banda consideró que debería escribirle una canción, como toque de atención y de esta forma surgió “Jeremy”, así nació el tema musical donde se narra la falta de atención de los padres sobre Jeremy y las burlas de que era objeto por parte de los compañeros de clase. el rockero Edie Vedder se refería al constante maltrato y burlas de que era objeto  Jeremy por parte de sus compañeros y sobre los problemas psicológicos que pudo traer consigo.

Cuando le preguntaron sobre la canción, Vedder explicó:
"Esto viene de un pequeño parrafo en un papel lo que significa que te suicidas haciendo un gran sacrificio para conseguir tu venganza. Eso es todo lo que vas a conseguir, un parrafo en un periódico. 63ºF y nublado en un vecindario suburbano. Ese es el principio del video y es lo mismo en el final no hace nada...cambia nada El mundo sigue y tú ya no estás. La mejor venganza es vivir y probarte a ti mismo. Ser mas fuerte que esa gente."

Jeremy había perdido muchas clases, el profesor le pidió un permiso de asistencia de las oficinas del colegio. Cuando regresó, Jeremy dijo: "Ya tengo lo que realmente buscaba", entonces puso el cañón en su boca y disparó. Era el martes 8 de junio de 1991

La canción causó un gran impacto en Estados Unidos e incluso algunos medios llegaron a censurarla, sobre todo el video musical donde se recreaba la trágica historia.
En el año 1992 la canción consiguió llegar al puesto número cinco de la lista de popularidad de la revista Billboard.

Descanse en Paz el joven Jeremy

Que tengáis un buen dia.

Braulio Molina López


Jeremy es una de las canciones más emblemáticas de la banda de grunge Pearl Jam. Fue incluida en su álbum debut Ten y tuvo dos nominaciones al Grammy de 1993: Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación de Hard Rock.

Existen dos videos de esta canción, el primero fue grabado el 4 de octubre de 1991 y dirigido por Chris Cuffaro. Cuando Eddie Vedder lo conoció, le sugirió que dirigiera un video para la banda. Epic Records le dio permiso a Cuffaro, tras la insistencia de Vedder, de escoger cualquier canción del álbum Ten. Él escogió "Jeremy", que no iba a ser lanzada como sencillo, por lo que Epic rehusó financiar el clip. Esto obliga a Cuffaro a financiarlo por su cuenta.
Esta versión está filmada en blanco y negro, con imágenes de la banda que toca sobre una plataforma giratoria. Al igual que la versión oficial, incluía un actor en el papel de Jeremy. El video fue rechazado por Epic y nunca fue lanzado como versión oficial.

La que se muestra en TV es la versión censurada del video, ya que MTV prohibió a Pellington que mostrara la toma del joven con la pistola en su boca y apretando el gatillo. Al no tener una imagen clara, muchos creyeron que Jeremy había disparado contra sus compañeros. Eso es falso; existe un video sin censura donde es posible apreciar que Jeremy dispara con la pistola en su boca. Pellington también tuvo que retirar del video una escena donde se mostraba un saludo nazi por parte de los estudiantes y de Jeremy.

Debido a la censura y al enorme éxito comercial de Jeremy, los miembros de Pearl Jam decidieron no grabar más videos. Mantuvieron esa postura hasta 1998, cuando filmaron uno para la canción del álbum Yield "Do the Evolution", realizado en animación.
(Wikipedia)

En casa, dibujando cimas de montañas, con él, arriba.
Sol amarillo limón.
Brazos alzados, en V.
La muerte espera abajo, en una piscina de abandono.

Papá nunca le prestó atención.
Y de hecho a mama no le importaba.
Rey Jeremy, el malvado, mandaba en su mundo.
Jeremy habló en clase hoy.

Claramente recuerdo
Parecía estar jodido, sin dolor.
Pero liberamos a un león.
Enseño sus dientes y mordió la soledad de su corazón.
Como lo voy a olvidar. ?
Y me golpea la sorpresa y deja.
Mi mandíbula dolorida, ...ooh, la deja abierta.
Como el día, ...oh, como el día, lo escuche.

Papá no le dio afecto.
Y el chico se convirtió en algo que a mamá no le gustó enseñar.
Rey Jeremy, el malvado, mandaba en su mundo.

Jeremy habló en clase hoy.
Woo.
Intenta olvidarlo... Intenta olvidarlo...
Intenta borrarlo... Intenta borrarlo...
De la pizarra......

Jeremy habló en clase hoy.
Jeremy habló hoy, habló hoy.
Jeremy habló en clase hoy.
Woo
Wooooooooh... habló hoy, habló hoy.
Wooooooooh... uh, huh,...uh, huh.



Bruce Springsteen & The E Street Band - American Skin (41 Shots)

Hola a tod@s:

La tremenda cifra de ciudadanos muertos en Estados Unidos por la policía, ha encendido protestas y agravado la herida racial del país, En 2015, el número contabilizado fue de 990 fallecidos, de los que 258 eran afroamericanos, siendo este dato el que genera la desconfianza de las minorías hacia las fuerzas policiales. Todo ello nos hace peguntarnos: ¿Vive EE.UU. una nueva ola en la lucha por los derechos civiles?

Estados Unidos es el país con más armas de fuego del mundo, tanto en términos absolutos como en relación al número de habitantes. Parte de sus ciudadanos argumenta que es por seguridad, pero los más perjudicados son precisamente los que se encargan de protegerles: los policías. Cualquier sospechoso puede tener una pistola y los agentes actúan en consecuencia.
Hecha esta introducción, quiero comentaros que tenemos a un invitado muy especial para esta nueva propuesta de “canciones con historia”, me refiero a Bruce Springsteen, también conocido como The Boss.

Hay historias que bien merecen una canción, eso es lo que pensó Bruce Springsteen cuando escribió 41 Shots (41 disparos en español), una historia que sin duda adquirió todavía más dimensión por quien la cantaba, ni más ni menos que Springsteen.
41 Shots es la historia de Amadou Diallo, un joven guineano que inmigró a EEUU para estudiar y que acabó acribillado a balazos por la Policía de Nueva York el 4 de febrero de 1999. Diallo vendía cosas en la calle por las mañanas y estudiaba por las noches, tenía 23 años la noche de su muerte.

Esos 41 disparos de los que nos habla el título de esta composición restallaron la mañana del 4 febrero de 1999, y una buena parte de ellos fueron a parar al cuerpo de Amadou Diallo, un inmigrante africano de 23 años.

Tras salir de cenar, Diallo se dirigía a casa cuando cuatro agentes de paisano le dieron el alto confundiéndolo con un violador de la zona. El chico, que residía en EEUU como exiliado político, salió corriendo. Cuando se vio acorralado y se le requirió la documentación, metió su mano en el bolsillo de la chaqueta. Eso fue lo último que hizo. Ese gesto fue correspondido con 41 disparos de los policías.

Springsteen compuso la canción al poco de enterarse de la noticia. Una composición escrita desde el respeto. No se nombra al chico y  más bien sirve de reflexión sobre las tensiones entre policías y minorías en EE.UU
Bruce estrenó “American Skin” en Atlanta, sin pronunciar ni una sola palabra. No hacía falta. La puesta en escena hablaba por sí sola. El escenario se quedó a oscuras y un punto de luz iluminó el micrófono en el centro. Todos los miembros de la E street Band dieron un paso adelante y entonaron con voz quebrada la frase forty-one-shots.  Bruce pidió silencio y comenzó a contar su versión de lo ocurrido: “no es ningún secreto, no es ningún secreto amigo mío, te pueden matar sólo por tu piel americana”.

En la letra de la canción se pregunta: ¿es una pistola?”, “¿es un cuchillo?”, “¿es una cartera?”…, las preguntas que a los agentes se les debió de pasar por la cabeza antes de apretar el gatillo… y continua: “nos han bautizado en estas aguas y en la sangre cada cual”.

«41 disparos y haremos ese "viaje"
a través del sangriento río hacia al otro lado.
Mis botas cubiertas de barro.
Somos bautizados en estas aguas y en las sangres de otros».

La canción no estuvo exenta de polémica, el presidente de la asociación de policías de Nueva York, Patrick J. Lynch, sin escuchar la canción acusó a  “Springsteen de intentar llenar su cartera reabriendo las heridas de este trágico caso”.
Springsteen quería señalar que a la gente de color se la ve a través de un velo de criminalidad y que en última instancia significa que se les considera como si fueran menos norteamericanos que otros nortemaericanos  y por consiguiente gente con menos derechos”.

Todo el mundo sabía que Bruce cantaría American Skin en el primer concierto de Nueva York el 12 de junio de 2000. Aquella noche, en el Madison Square, con los padres de Diallo sentados en la parte izquierda del escenario, se respiraba mucha tensión. Como dice el biógrafo de Bruce, Dave Marsh: “La banda cantó como si estuviera de duelo. Bruce se enfrentaba a la hostilidad oficial y se defendió únicamente con su voz y su banda. Después de aquella noche ni Giulliani ni los policías volvieron a abrir la boca. Su música habló con voz propia. Una vez más venció la ética de sus espectáculos” .

Que tengáis un buen día
Braulio Molina López


La canción, que denuncia la muerte de Amadou Diallo a manos de la policía de Nueva York, fue interpretada con frecuencia durante la gira de reunión con The E Street Band entre 1999 y 2000, y estrenada en el concierto de Atlanta (Georgia) el 4 de junio de 2000, el último antes de tocar durante diez días en el Madison Square Garden de Nueva York. Diallo, que en el momento de los hechos estaba desarmado, fue alcanzado por 19 de los 41 disparos que le realizaron los agentes cuando vieron que iba a coger su cartera, malinterpretando el gesto y pensando que iba a coger un arma. La interpretación de «American Skin (41 Shots)» provocó controversia en Nueva York, donde el sindicato Patrolmen's Benevolent Association llamó al boicot del concierto.

Una versión en directo fue publicada en el álbum Live in New York City, y dos años después en el recopilatorio The Essential Bruce Springsteen. En abril de 2001, una versión de estudio fue publicada en un sencillo promocional de tirada limitada y en formato CD-R en los Estados Unidos. Un video musical con la actuación en directo del Madison Square Garden y dirigido por Jonathan Demme fue también estrenado en 2001.

(Wikipedia)

41 tiros
41 tiros
41 tiros
41 tiros
41 tiros
41 tiros ....
y vamos a tomar ese paseo
'Cruzar este río de sangre
al otro lado
41 tiros ... cortar a través de la noche
Usted está de rodillas sobre su cuerpo en el vestíbulo
Orando por su vida

¿Es un arma de fuego, es que un cuchillo
Se trata de una cartera, esta es tu vida
No es ningún secreto
No es ningún secreto
No hay secreto de mi amigo
Usted puede morir simplemente por vivir
En la piel de América

41 tiros
Lena recibe a su hijo para la escuela
Ella dice que "en estas calles, Carlos
Tienes que entender las reglas
Si un policía le detiene
Prométeme que siempre será cortés,
que nunca jamás huir
Mamá te prometo mantener las manos a la vista "

¿Es un arma de fuego, es que un cuchillo
Se trata de una cartera, esta es tu vida
No es ningún secreto
No es ningún secreto
No hay secreto de mi amigo
Usted puede morir simplemente por vivir
En la piel de América

¿Es un arma de fuego, es que un cuchillo
¿Está en tu corazón, está en tus ojos
No es ningún secreto

41 tiros ... y vamos a tomar ese paseo
"Cruzar este río de sangre
Para el Antiguo Testamento


Bob Dylan - Hurricane 

Hola a tod@s:

Nueva propuesta musical de “canciones con historia” para centrar en esta ocasión nuestra atención en el ámbito judicial. Siempre he pensado que de existir la más mínima duda, es preferible en mi opinión tener un culpable en la calle que un inocente en la cárcel.

Desde 1973, en Estados Unidos, 142 condenados a muerte en 26 estados han abandonado el corredor de la muerte tras haberse probado su inocencia. Según la organización Witness of Innocence, uno de cada nueve condenados a muerte en este país fue posteriormente declarado inocente. Después de recuperar su libertad cada uno de ellos había pasado por término medio diez años de estancia en prisión.

En esta nueva entrega nuestro invitado es Bod Dylan y su canción Hurricane, La letra habla sobre el boxeador negro Rubin Carter, acusado injustamente de un triple homicidio. Aparece en el álbum Desire en enero de 1976, dando a conocer públicamente el caso del boxeador Rubin "Hurricane" Carter , es una de las pocas canciones de protesta que escribio Dylan en los setentas.

Bob Dylan denunció publicamente el trato que se le había dado al boxeador negro acusado injustamente de un triple homicidio y que le hizo permanecer 19 años en prisión.
Además del álbum y la canción, un año antes, Dylan  llevó a cabo un concierto benéfico multitudinario en Central Park y la recaudación de fondos fueron a parar a manos de Rubin Carter, para que prosiguiese las acciones legales.

La canción recaudó suficientes fondos y publicidad necesaria para ayudar a Carter en nuevas acciones legales para optar a la libertad. A pesar de obtener el derecho a un nuevo proceso, Carter y Artis fueron encontrados otra vez culpables y condenados a dos cadenas perpetuas consecutivas el 9 de febrero de 1976

En 1985, el juez del Tribunal de Distrito de Estados Unidos, a nivel federal, H. Lee Sarokin, revocó las condenas al considerar que el juicio había estado "fatalmente alterado". Carter fue liberado. Sin embargo, fue hasta 1988, después de varios intentos de la Fiscalía por restablecer las condenas y la negativa de un tribunal de Apelaciones federal y la Suprema Corte, que se quitaron los cargos y se cerró el caso Carter.

Pero el tema musical de Bob Dylan no estuvo exento de controversia. Los detractores de la canción acusaron a Bob Dylan de haber omitido en la misma cualquier referencia al violento carácter de Rubin Carter. También se criticó la descripción que se hace en la canción sobre la carrera deportiva de Rubin Carter: " the number one contender" ("el contendiente número uno al campeonato mundial de box"), tanto en cuanto la edición de mayo de 1966 (momento de la detención) del Ring Magazine sólo situaba en el noveno puesto del escalafón mundial.

Mike Cleveland del Herald-News y Robert Christgau, entre otros cuestionaron la objetividad de Bob Dylan sobre el tema. Asimismo, el reportero Cal Deal, quien cubrió el caso entre 1975 y 1976 y que entrevistó a Rubin Carter en agosto y diciembre de 1975, también acusó a Bob Dylan de haberse tomado numerosas licencias artísticas.
Una vez más la música se convierte en un soporte de denuncia, en una plataforma para dar a conocer a la sociedad el sentir de su autor para gritar contra lo que entiende una odiosa injusticia.
Insisto, ante la duda mejor un culpable en la calle que un inocente en prisión aunque por otra parte soy consciente de que esta manera mía de pensar  pueda ser objeto de controversias.

Saludos desde Ciudad Real y que paséis un buen día.
Braulio Molina Lopez

La canción "Hurricane" abre el disco de Bob Dylan Desire del año 1976, y se convirtió probablemente en la canción más popular del mismo. El nombre de la misma proviene del apodo del boxeador de los pesos medios Rubin Carter. Bob Dylan se inspiró para escribirla tras leer la autobiografía del propio Rubin Carter ("The Sixteenth Round") que este le había enviado por su "compromiso en la Lucha por los Derechos Civiles de los Afroamericanos".

Rubin Carter y otro hombre llamado John Artis habían sido acusados de un triple asesinato ocurrido en el Lafayette Grill, Paterson, Nueva Jersey en 1966. Tras un proceso con una amplia cobertura periodística, y con acusaciones de haber sido un asesinato con tintes racistas, ambos fueron condenados a cuatro cadenas perpetuas. Pero en los años posteriores comenzaron a surgir numerosas controversias sobre el caso, relativas a la falta de evidencias y a lo cuestionable de la veracidad de las declaraciones de algunos de los testigos. En su autobiografía, Rubin Carter mantenía su inocencia, y su historia llevó a Bob Dylan a visitarle en la prisión de Rahway State en Nueva Jersey.

Tras conocer a Rubin Carter y a alguno de sus seguidores, Bob Dylan comenzó a escribir "Hurricane". El proceso, como afirmó Jacques Levy, no fue sencillo porque aunque Bob Dylan había escrito con anterioridad canciones de temática similar ("The Lonesome Death of Hattie Carroll" y "The Death of Emmett Till") no era capaz de plasmar en la canción todos los sentimientos que le generaba Rubin Carter. Finalmente Bob Dylan desarrolló la canción con un marcado estilo cinematográfico.


La canción se convirtió en una de las pocas canciones protesta de Bob Dylan durante la década de los 70 y en uno de los singles de mayor éxito durante ese periodo al alcanzar el puesto 31 del Billboard.
(Wikipedia)

Los disparos de una pistola estallan afuera en el barroom night 
Entra Patty Valentine desde el pasillo superior 
Ella vé al camarero en un mar de sangre 
y grita: “Oh Dios mío, Mataron a todos” 
Aquí viene la historia del Huracán 
El hombre y Las autoridades vinieron a culparlo 
por algo que él nunca hizo 
A ponerlo en una celda de prisión, aunque una vez él ha sido 
el campeón del mundo. 

Tres cuerpos yacen ahí donde Patty mira 
Y otro hombre llamado Bello, merodea misteriosamente. 
“No lo hice”, él dice, y levanta sus manos 
“Yo solo era Robbin el cajero, espero que lo entienda 
Los ví partir” él dice, y se detiene 
“Uno de nosotros, pensó que era mejor llamar a los policías.” 

Y luego Patty llama a los policías 
Y ellos llegan al lugar de la escena con sus luces rojas 
encendidas, en la caliente noche de New Yersey 
Mientras tanto en otra parte del pueblo 
Rubin Carter y una pareja de amigos conducen dando vueltas. 

Competidor número uno para la corona de peso mediano 
No tenía idea a la clase de basura a donde estaba a punto de caer. 
Cuando un policía se le puso encima suyo al lado en la carretera 
Hay un antes y un después de esto 
en Paterson tal como las cosas seguirían 

Si eres de color tú no te podrías mostrar en la calle 
A menos que quieras dibujar el calor 

Alfred Bello tenía un compañero 
y él tenía un rap para los policías. 
El y Arthur Dexter Bradley estaban justo 
en los alrededores del prowling 
El dijo: “Ví a dos hombres corriendo afuera, 
se veían como pesos medianos 
Ellos saltaron en un auto blanco sin matrícula 
Y la Srta. Patty Valentine apenas giró su cabeza. 
Los policías decían: “espera un momento, 
estos chicos no están muertos", 
los llevaron a la enfermería 
Y aunque a este hombre raramente se lo ve 
Ellos dijeron que podrían identificar al hombre culpable 

Cuatro de la madrugada y llevan adentro de Rubin 
Lo llevan al hospital y lo ponen arriba. 
El hombre herido mira hacia arriba por uno de sus ojos dañados 
y dice: “¿Por qué lo has traído a él?, el no es el hombre. 
Sí, Aquí está la historia del Huracán 
El hombre y las autoridades vinieron a culparlo 
por algo que él nunca hizo 
Lo ponen en una celda de prisión, aunque por una vez el ha sido 
el campeón del mundo. 

Cuatro meses después, los ghettos están en llamas, 
Rubin esta en Sudamérica, peleando por su nombre 
Mientras Arthur Dexter Bradley está aún en el juego del robo 
Y los policías están poniéndole los ojos a él, 
buscando a alguien a quien culpar. 
p“¿Recuerdas aquel asesinato que sucedió en el bar?” 

“¿Recuerdas que viste un auto que escapaba?” 
“¿piensas que puedes jugar pelota con la ley?” 
“ piensa que pudo haber sido un luchador al que viste corriendo esa noche? 
”“No olvides que eres blanco” 

Arthur Dexter Bradley dijo: “no estoy realmente seguro” 
Los policías dijeron: 
“Un chico pobre como vos podría tomar esta oportunidad” 
Te conseguimos un trabajo en el motel 
y estamos hablando a tu amigo Bello 
Ahora no tienes que ir de nuevo a la cárcel, se un valiente. 
Le harás un favor a la sociedad 
Aquel vaquero es valiente y se vuelve más valiente 
Queremos revolver todo en contra de él 
Queremos apuntar a él por los tres crímenes 
Él no es un caballero Jim” 

Rubin podría sacar a un hombre rápidamente 
Pero él nunca quiso hablar mucho de eso 
Es mi trabajo, él diría, y lo hago por dinero 
Y cuando todo esto termine, tan pronto me iré y seguiré mi camino 
en algún paraíso 
Donde las filas de truchas fluyen y el aire es agradable 
Y montar un caballo a largo de una huella 
aunque entonces lo llevaron a la cárcel 
Donde ellos intentan convertir a un hombre en un rata. 

Toda la suerte de Rubin fue marcada por adelantado 
La corte era un circo de cerdos, él nunca tuvo una chance 
El juez hizo con los testigos de Rubin, 
que él sea visto como un borracho de los suburbios 
ante la gente blanca que observaba a él como un vago revolucionario 
y ante la gente negra solo como un tonto 
Nadie dudó de que el jaló del gatillo 
Y aunque no podrían encontrar el arma 
La D.A dijo que él fue el único que lo hizo 
Y todo el jurado estuvo de acuerdo en eso. 

Rubin Carter fue injustamente acusado 
El crimen fue cometido por “uno” adivinen quienes testificaron? 
Bello y Bradley y ambos mintieron 
Y los periódicos, todos ellos se adelantaron 
¿Cómo pude la vida de tal hombre estar en las 
manos de un tonto? 
Verlo obviamente encasillado 
Sin poder ayudarlo me hizo sentir avergonzado de vivir 
En una tierra donde la justicia es un juego 

Ahora los criminales usan abrigos y corbatas 
Y son libres de beber martinis y ver salir el sol 
Mientras Rubin permanece sentado 
como Buda en una celda de diez pies 

Un hombre inocente viviendo un infierno 
Esa es la historia del Huracán 
Pero no estará todo terminado hasta que limpien su nombre 
Y le devuelvan el tiempo perdido 
Lo ponen en un celda de prisión, aunque una vez ha sido 
el campeón del mundo.
Pelicula Huracan Carter 

Mecano - Me cuesta tanto olvidarte

Hola a todo@s, ¿Cómo estáis?. 

"Besos que vienen riendo, luego llorando se van, y en ellos se va la vida, que nunca más volverá". No, no son palabras mías, son de  Miguel de Unamuno relacionadas con el desamor.
En nuestro recorrido por las “canciones con historia” hablamos ahora de rupturas amorosas. Dicen los psicólogos que "la ruptura sentimental es uno de los acontecimientos más estresantes, de cambio, que vivimos" y lo cierto es que  no les falta razón pero llegados a este punto habría que preguntarse: ¿cuáles son las claves para querer volver de nuevo a recuperar nuestras vidas?, eso si tener la absoluta seguridad de que de todo se sale.

A lo largo de  mi carrera de radio he manejado muchas canciones relacionadas con el amor y he de confesar que siempre me han gustado ya que la música no hace otra cosa que recoger el sentir de las personas y es que el amor no siempre es una experiencia feliz. A veces amamos profundamente a alguien que nos rechaza o justo al revés, rechazamos a alguien que sí nos ama, pero tranquilos porque el enamoramiento no dura para siempre y que lo que funciona para superar una ruptura es lo mismo que funciona para superar cualquier adicción.
La canción que nos disponemos a escuchar  cuenta  la historia de una separación y de las dudas que eso produce, de saber si la elección ha sido la acertada o estás perdiendo demasiado, si eres sensato o un loco, si el mantener tu decisión es madurez u obcecación.
Los Mecano tienen ahora su tiempo en esta sección de mi blog, con “Me cuesta tanto olvidarte”, una preciosa balada que seguro conocéis por lo famosa que se hizo a finales de los años ochenta.
Decir que fue publicada en el año 1986, dentro del trabajo titulado "entre el cielo y suelo" llegando a convertirse en una de las canciones más emblemáticas del grupo durante la segunda etapa de su discografía.

El uso de instrumentos con constante apoyo en los coros a la voz de Ana Torroja, la convierten en una elegante  interpretación encontrándonos sólo con un piano en primer plano y los teclados asi como una sección de cuerda de fondo, y es la cantante la que lleva el peso de la balada, consiguiendo un buen resultado.
El mensaje se convierte en algo así como un lamento por haber tomado la decisión de abandonar la relación, aunque se resiste una y otra vez a volver.

y no me canse de jurarte
que no habra segunda parte
me cuesta tanto olvidarte

Todo el contexto de la canción está  envuelto en una melodía tan deliciosa que nos conduce a la meditación cuando y al recuerdo de aquello que pudo ser pero que nunca fue, ése que sigue presente en tu mente aunque hayan transcurrido muchos años desde que pasó por tu vida.

Mecano, concretamente el mayor de los hermanos Cano, José Mari, logró allá por 1986 una balada que hace tambalear hasta el último rincón de los recuerdos.

Con un fondo de piano, acompañado de teclados simulando violines -en el papel del bajo y una letra con la que todos nos hemos podido sentir identificados en algún momento de nuestras vidas, ofrece una composición tremenda, grande y a la vez sencilla, emotiva, melancólica… inolvidable. 

Que disfrutéis de la canción y tengáis un buen día... aaaaa y recuerdos de mi amigo Sibe, mi querido manolito, ja, ja, ja.
Braulio Molina López

"Me cuesta tanto olvidarte", es una canción del grupo español de música pop Mecano y fue el tercer sencillo sacado del álbum "Entre el cielo y el suelo", amén de ser también una de las canciones más emblemáticas del grupo durante la segunda etapa de su discografía. Del primer verso de esta canción sale el título del álbum en donde viene incluida.

"Me cuesta tanto olvidarte" tiene una estructura interna muy peculiar en lo referente a cómo se fueron armando los párrafos de la letra que la componen: No tiene la típica arquitectura que por lo general encontramos en una canción del tipo balada-pop,1 es decir, carece de esa alternancia entre las estrofas de versos y las estrofas de estribillo que sí podemos observar en la mayoría de las canciones modernas. Este tema musical está formado por cuatro estrofas en total de las cuales las tres primeras que encontramos son estrofas de versos o lo que es lo mismo, estrofas de letra no-repetitiva.

La cuarta y última estrofa viene a ser lo que se llama estrofa-estribillo que en el caso de esta canción de Mecano en particular, solamente se canta en "Bis" (2 veces) pero con un puente musical en piano intercalado entre cada repetición.


Vale decir que esta forma de componer canciones, con el estribillo ubicado el final del tema y repetido en "Bis", no es muy común de ver en el mundo de la composición musical moderna, es un recurso más bien poco usado. Otras canciones que poseen una estructura idéntica a la de esta canción son—por ejemplo—el tema titulado "Blanco y negro" de la cantante brasilero-venezolana Elisa Rego y, "El tiempo no pasa en vano" de Delia por nombrar sólo dos casos.

El tema es de la autoría de José María Cano y se trata de una balada acústica que cuenta con una producción musical muy sencilla en comparación con otros temas escritos por el mismo José María de este mismo álbum, ya que sólo se utilizó un piano acústico acompañado de teclados simulando violines esto junto a la vocalización en crudo de Ana Torroja, la cual realiza una de las mejores interpretaciones de todo el álbum, demostrando así el control que tiene sobre su voz, y para muestra un botón, al minuto 1:07 de haber comenzado la canción realiza un vibrato3 ejecutado de forma impecable al cantar la frase "Quince mil encantos"; técnica que por demás está decirlo es muy difícil de realizar correctamente.


Entre el cielo y suelo hay algo
con tendencia a quedarse calvo
de tanto recordar
y ese algo que soy yo mismo
es un cuadro de bifrontismo que
solo da una faz

la cara vista es un anuncio de Signal
la cara oculta es la resulta
de mi idea genial de echarte
me cuesta tanto olvidarte
me cuesta tanto olvidarte
me cuesta tanto

olvidar quince mil encantos
es mucha sensatez
y no se si sere sensato
lo que se es que me cuesta un rato
hacer cosas sin querer
y aunque fui yo quien decidio que ya no mas
y no me canse de jurarte que no habra
segunda parte

me cuesta tanto olvidarte
me cuesta tanto olvidarte
me cuesta tanto ...
Versión italiano


Green Day - When September Ends


Hola a tod@s:

No tengo un gran curriculum, en una ocasión me preguntaron en una entrevista televisiva cual era mi carrera, mi respuesta fue ninguna, lo dije alto y claro, que lo mio era "paseillo" ja, ja, ja, digamos que no tengo mucho por lo que presumir (según se mire claro), soy una persona que trabaja y vive sencillamente, o que al menos lo intenta , una persona como tu que escribe en las redes sociales, que toma cervezas en los bares, que va al cine que ríe o llora y lo que haga falta,  pero sobretodo soy un apasionado de la música y esa pasión mía es la que me ha empujado a estar siempre vigilante respecto de la música, a estudiarla a intentar entenderla   y a compartir  cosas como estas.

De vuelta en nuestras “canciones con historia”  para acercarnos a la formación  Green Day, y lo hacemos  con una historia real.  A titulo de introducción permitirme una reflexión: debe de ser muy triste y a la vez muy  emotivo componer algo que significa recordar de esta forma la muerte de un padre.

Las historias nostálgicas por la  pérdida  de un ser querido también forman parte del sentir de la música. Antes de entrar en materia decir que  tras la muerte de un padre es importante asumir que queda por delante un tiempo de superación. Durante un tiempo, una persona que pierde a un ser querido puede rebelarse interiormente en contra de lo sucedido, así surge la rabia y la ira para dar paso después a la tristeza.

El nombre de la canción, según lo que dice Billie Joe:"Mi padre había muerto en septiembre, y yo lo que más quería era que todo fuese un sueño."por eso titulé esa canción como "Wake Me Up When September Ends"
La canción que ahora os propongo nos habla de ello y de como el padre de Billie murió de cáncer  cuando él tenía 10 años.

El pequeño no pudo controlarse en el funeral, y debido al profundo dolor  que sufría no pudo hacer otra cosa que salir corriendo hacia su casa, dónde se encerró en su habitación. Su madre corrió detrás de él y a través de la puerta le invitó a salir pero él sólo dijo: " Despiertáme cuando termine septiembre”.

. Armstrong admitió después que la frase la decía porque deseaba que el funeral y todo lo que había sucedido hubiera sido un sueño, y que seguramente pasado septiembre despertaría de esa pesadilla y volvería a ver a su padre, como antes de ese trágico mes.
Podríamos decir que una sola frase resume toda la canción: ““My memory rests but never forgets what I lost, wake me up when september ends” (“Al tiempo que mi memoria se mantiene, pero nunca olvida lo que perdí, despiértame cuando septiembre termine”).

Lo que hace casi 34 años eran una sencillas palabras de un niño que deseaba que un suceso trágico se convirtiera en un sueño, se ha convertido, muchos años después, en una canción que es capaz de adaptarse a las personas y traerles nostalgia, pero sobretodo memorias, recuerdos de seres especiales que quizás se han ido de una u otra forma de nuestro lado.
Han pasado los años, muchos años, pero el dolor persiste en el corazón de nuestro protagonista, y es que parece que, tras finalizar septiembre y despertar el dolor sigue siendo el mismo.
El video causó gran controversia entre los fans al mostrar a Jason White como parte de la banda. En el video se ve a la banda tocando de fondo para una historia entre dos jóvenes novios (Jamie Bell, Evan Rachel Wood), en el cual el hombre se alista en el ejército para ir a la guerra en Irak. Esta historia es una interpretación que le dio el director del video a la canción. Fue el primer video musical en el que Billie Joe Armstrong no usó una guitarra Gibson
 El 4 de febrero se celebra el Dia Mundial contra el cáncer y por ello permitidme una breve  reflexión:
A veces, el cáncer mata, pero  no vence a la dignidad de  las personas, ni simboliza batalla alguna perdida. No se pierde  contra nada, aunque se sea  incapaz de superar  la situación, simplemente se tiene cáncer y no se supera, porque a veces en la vida esas cosas pasan.

Que tengáis un buen día
Braulio Molina López


"Wake Me Up When September Ends", (en español: "Despiértame cuando septiembre termine"), es el cuarto sencillo del álbum American Idiot, de la banda Green Day, en el verano de 2005. El video fue dirigido por Sam Bayer nominado como mejor video de Rock del año VMA 2006 de la MTV.
"Wake Me Up When September Ends" ocupa el puesto 94 de las 100 mejores canciones del siglo XXI de la revista Rolling Stone, y también ocupa el puesto 448 de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q. El sencillo es la cuarta canción más exitosa del trío californiano.

El verano ha llegado y pasó
La inocencia puede nunca perderse
Despiértame cuando septiembre termine

Como mi padre vino y se fue
Siete años se han ido tan rapido
Despiértame cuando septiembre termine

Aquí viene la lluvia nuevamente
Cayendo desde las estrellas
Empapado en mi pena nuevamente
Volviéndonos quienes somos

Mientras los restos de mi memoria
Pero nunca olvidare lo que perdí
Despiértame cuando septiembre termine

El verano ha llegado y pasó
La inocencia puede nunca perderse
Despiértame cuando septiembre termine



Suenan fuera las campanas nuevamente
Como estabamos nosotros cuando la primavera comenzó
Despiértame cuando septiembre termine

Aquí viene la lluvia nuevamente
Cayendo desde las estrellas
Empapado en mi pena nuevamente
Volviéndonos quienes somos

Mientras los restos de mi memoria
Pero nunca olvidare lo que perdí
Despiértame cuando septiembre termine
El verano ha llegado y pasó
La inocencia puede nunca perderse
Despiértame cuando septiembre termine

Como mi padre vino y se fue
Veinte años se han ido tan rapido
Despiértame cuando septiembre termine
Despiértame cuando septiembre termine
Despiértame cuando septiembre termine



Deep Purple - Smoke On The Water (1972)


Hola a tod@s

Nueva entrega de “canciones con historia” y antes de presentaros la canción permitidme que comente que la música en directo debe, en mi opinión dar un paso adelante y es que con  las nuevas tecnologías sacudiendo la industria musical, debemos preguntarnos por el estado actual de los shows y el aprovechamiento de los recursos existentes. A lo largo de mi carrera radiofónica entre otros muchos espacios he dirigido “Daimiel en Concierto” un lema que ha traído al corazón de La Mancha, los conciertos más importantes tanto de la escena nacional como internacional.

Recuerdo con cierta nostalgia como me comentaba el concejal de los conciertos, las laboriosas y complicadas gestiones que llevaba a cabo hasta conseguir que figuras de talla internacional, como Sting, Texas o  Status Quo pasaran por el que después fue el escenario más importante de Castilla La Mancha, o como hemos vivido los entresijos de cada una de las actuaciones desde los camerinos al escenario para conocer a los  artistas en sus ruedas de prensa.

Esto, como decía, me permitió conocer a los artistas en los camerinos, de tu a tu, entrevistarlos y conocer parte de su faceta humana, de esta forma aprendí a vivir los “previos”, pruebas de sonido, nervios de los artistas  etc.

También he podido comprobar de primera mano cómo seguir las actuaciones en directo participando del ambiente o tomando una copa, sentir un clima especial para todo lo relacionado con la música, no siendo pocas las veces que el entorno ha superado o se ha convertido en parte fundamental del espectáculo.

La organización de un gran concierto exige una gran movilización de medios, tanto técnicos como humanos, quienes hemos estado en el ambiente lo sabemos pero ahora quiero centrarme en la canción propuesta: Smoke on the wáter de la banda Deep Purple.

Pero vamos ya con la canción, el punto elegido es la localidad suiza de Montreaux,allí acababan de llegar Deep Purple dispuestos a grabar lo que iba a ser su nuevo disco, “Machine head”,lo iban a hacer como muchos grandes grupos del rock de la época , en el estudio movil de los Rolling Stones,este estudio lo trasladaron a uno de los varios edificios que conformaban el Casino de Montreaux.

Esa misma noche actuaban en el Casino, Frank Zappa and The Mothers of Invention , y los miembros de Deep Purple aprovecharon para asistír al concierto,y deleitarse con el espectaculo pirotécnico-musical de Zappa y su grupo,que llegado un momento, una bengala que golpeó en el techo ,provocó un pavoroso incendio ,que arrasó todo el complejo del Casino.
Observando el incendio el bajista Roger Glover escribió en un papel la frase, “Smoke on the water”,(Humo sobre el agua) , y poco después an Gillan el cantante ,comenzó a escribir la letra de la canción, pero lo que más marcó el tema no fueron el titulo ni la letra, sino el sencillo “riff” que saco esa misma noche con su guitarra Ritchie Blackmore,que quizás se ha convertido ,sino en el mejor ,en el más reconocido de la historia del Rock , y por supuesto de su carrera.


El fuego arrasa con todo, pero para Deep Purple las llamas también pueden resultar inspiradoras. Un concierto de Frank Zappa con desenlace trágico en Montreux, Suiza, quedó inmortalizado en ‘Smoke on the water’, la canción con el riff más popular de la historia del rock.

Cabe destacar, como curiosidad, la forma en que se toca el riff. Ritchie Blackmore lo hacía con los dedos, el pulgar y el índice. Tirando de dos cuerdas simultáneamente, el efecto es diferente al de tocarlas con una púa, como hacen la mayoría de los guitarristas. La profundidad del sonido original es inigualable con una púa, y desde luego, tocado de otra forma, o en una sola cuerda, el efecto hubiera sido muy diferente.

Por cierto que ‘Smoke on the water’ se ha convertido en la primera lección, o en el primer intento, de cualquier aprendiz de guitarrista que se precie. Una llama imposible de apagar.

Que tengáis un buen dia

Braulio Molina López


"Smoke on the Water" (en español: Humo sobre el agua) es una canción del grupo de hard rock británico Deep Purple, lanzada en el influyente álbum Machine Head en el año 1972.
Es reconocida por su riff central, tocado por Ritchie Blackmore con una guitarra Fender Stratocaster que se ha convertido en uno de los riffs más famosos de la historia del rock mundial. Es también muy conocida su versión en directo del álbum Made in Japan, de 1972. La revista Rolling Stone ubicó a la canción en el puesto 434 en un listado de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" y en el puesto 1 en el listado de las Las 50 mejores canciones heavies de la historia.

La canción cuenta la historia del incendio del Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante un concierto de Frank Zappa cuando una persona del público arrojó una bengala hacia el techo del escenario y se incendió el lugar, que precisamente era el sitio en donde iba a empezar a grabar Deep Purple al día siguiente el álbum Machine Head. El humo del incendio sobre el lago Lemán inspiró la letra de la canción a Ian Gillan. 
(Wikipedia)

HUMO EN EL AGUA

Salimos hacia Montreux
a orillas del Lago Ginebra
para grabar con una unidad móvil.
No disponíamos de mucho tiempo.

Frank Zappa y The Mothers
estaban en el mejor sitio,
pero algún estúpido con un lanzabengalas
hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos.
Humo en el agua, el fuego en el cielo.
Incendiaron el casino.

Se consumió con un ruido terrible.
Funky Claude entraba y salía corriendo
sacando fuera a los niños.
Cuando todo terminó
tuvimos que buscar otro sitio,
pero el tiempo en Suiza se agotaba.

Parecía que íbamos a perder la carrera.
Humo en el agua, el fuego en el cielo.
Acabamos en el Gran Hotel.

Estaba vacío, frío y desamueblado,
pero con el camión de los Rolling Stones afuera.

Hacíamos ahí nuestra música.
Con unas pocas luces rojas y camas viejas,
conseguimos un lugar donde sudar.
No importa lo que saquemos de esto,
sé bien que nunca lo olvidaremos.
Humo en el agua, el fuego en el cielo.



43 comentarios:

  1. Muy bueno tio, muy bueno. Saludo desde México.

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  2. Muy buenas canciones y mejores comentarios. BRAVO.

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  3. Me encanta esta página, rebosa cultura. Saudos desde Salamanca.

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  4. Me encantan Braulio Molina López. salutacions. Marta (Besalú)

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  5. Hola Braulio, tras echar un vistazo a tu blog veo un especial dedicado a Leonard Cohen, me gustaria que pusieras alguna cancion suya. Gracias. Pablo

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  6. Hola Braulio quiero felicitarte por tu estupendo blog, muy interesante en términos generales pero sobretodo por los exquisitos comentarios que haces y por el buen gusto que tienes por la música. MUCHAS GRACIAS. Besos desde Ourense. Rosa.

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  7. Me gusta tu forma de contar la musica. Espero que sigas poniendo canciones, todas muy buenas. Saludo desde Uruguay.

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  8. Me gusta este sitio. Tiene saber, arte y estilo. Monica (Reus)

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  9. Hola Braulio, siempre te seguí en la radio y ahora leo lo que publicas aqui. Sludo desde Daimiel. Manoli.

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  10. Todas número uno con buenos comentarios. Una buena idea juntar tantas y tan buenas canciones. Precioso. Por cierto me gustaría ver mas rock español, que también lo hay y bueno. Un abrazo. Antonio (Madrid).

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  11. Las canciones son buenas, pero los comentarios son mas bien repetitivos y algo sosos.

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  12. Repetitivos y sosos, ji, ji, ji, no me hagas reir.

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  13. Me gusta este blog ,es muy interesante y entretenido, muchas gracias por la información Braulio

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  14. Se nota que estas muy influenciado por la música. Creo que tienes buen gusto. Me has echo recordar buenos momentos de mi juventud y tus comentarios son enriquecedores. Muchas gracias por compartir con nosotros tanta y buena información. Julia (Vigo).

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  15. Preciosas canciones y bien comentadas con gusto. Me GUSTAN. Saludos desde Asturias. Maria del Valle.

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  16. Me ha conmovido la canción del atentado, no la conocía. Que tristeza. Te doy mi enhorabuena Braulio Molina Lopez por tu manera de presentar las canciones. Creo que eres presentador de radio. ¿ Donde se te puede escuchar?. Un saludo afectuoso. Marta Almeria.

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  17. Es super interesante, la historia que hay detrás de cada canción, muchas gracias Braulio!!!,por hacernos sabedor@s. Es fantástico tener esta información y oír la canción. Un abrazo !!! Girona

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  18. Me encantan las canciones y los comentarios. Buenos, muy buenos y llenos de vida. Ramón (Madrid)

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  19. Hola Braulio, hay una canción que me trae grandes recuerdos de mi juventud, seguro que la tienes que conocer, te hablo de corazón destrozado de Bonnie Tyler. Me gustaría si puede ser que la pusieras y comentaras algo de ella. Me trae grandes recuerdos. Un saludo y gracias. Merche (Mérida)

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    1. Esta canción, no sólo a ti, sino a mucha gente con unos determinados años, también les trae grandes recuerdos. Un saludo.

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  20. Tienes un buen gusto para la música y una buena literatura, me gusta tu manera de contar las cosas, sencilla pero cercana.Alicia (Lyon)

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  21. Hola, soy músico y pienso que esto de elegir canciones y comentarlas es una buena idea, sobretodo cuando se hace bien, por lo que veo tu también eres músico, imagino que eres el de la foto con un saxo, creo que esta condición tuya se nota y mucho en tus comentarios y que realmente sabes de que va la cosa. ¡saludos y que no nos falte nunca la música. Pedro (Cantabria)

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  22. Siempre dices lo mismo, pero con distintas palabras, además estas canciones ya las conocemos. Algunas canciones son buenas pero otras dejan mucho que desear. Mas de lo mismo.

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    1. Hola anónimo, pues tu bien que los lees. Agradezco tu comentario aunque como comprenderás no lo comparto, ja,ja,ja. Por cierto quiero invitarte a dos cosas:
      1. Que te identifiques que es lo lógico en la gente sería.
      2. Que comentes aquí una canción tu. Este portal está abierto, tan solo tienes que enviarme tu información a mi correo electrónico (por supuesto identificado) y yo lo publicaré en tu nombre, venga anímate.
      Gracias por tu comentario y que tengas un buen día.

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  23. Muchas gracias a todos y a todas por vuestros comentarios, y sobretodo por visitar mi blog. Muy agradecido, muy amables y también a quienes se asoman a esta información desde distintos puntos del planeta, aunque no dejen ningún comentario. Muchas gracias, muy agradecido. UN SALUDO para tod@s desde Ciudad Real (España).

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  24. Siempre igual con todo, como todas las cosas que se hacen, da igual que sean de música o de cualquier otra cosa, siempre critica el que no es capaz de hacer nada. Enhorabuena por tu blog Braulio y gracias a ti por tu trabajo. Roberto, amante de la música y del buen royo. (TENERIFE)

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  25. Hola Braulio me gustaría que nos hablaras y pusieras algo de el que se llamó rock andaluz. Muchas gracias y gracias por tus canciones. Un saludo. Sonia (Sevilla)

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  26. Como en la radio te pongas tan refinado como aqui, cualquiera te escucha, ja, ja,ja

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  27. Que bonita la cancion de Victor Manuel Braulio, que realidad mas grande y que sensibilidad tienes hablando de los problemas y las canciones. Un abrazo desde Valencia. Isabel.

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  28. Muchas gracias Braulio, por enriquecernos con la información que nos das,es un placer seguir tu blog ,un abrazo.

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  29. Gracias Braulio, muchas canciones las conozco pero no sabia su significado, ahora me doy cuenta que es mas que importante conocer lo que cuentan las canciones y el porque de las cosas. Ricardo A Coruña.

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  30. Hola me gustaria saber si el de las fotos en una radio y con un saxo eres tu. Gracias. Lola_ Badajoz

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  31. Yo fui una seguidora tuya de la radio, te escuchaba todos los días y me gustaban mucho tus programas llenos de vida y lo bueno que eras explicando las cosas. Mucha gente te hecha de menos.. Me encantaba como hablabas y esa voz tuya que engancha. Un saludo desde Daimiel.

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  32. Hola Braulio me encanta tu blog lleno de cultura y de buenos comentarios. Un saludo desde Valencia. Rosario.

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  33. Me gusta tu manera de hablar de las canciones y lo bien que lo haces, tienes que ser una persona muy puesta en la música. Muchas Gracias por explicar el significado que no conocia de estas canciones tan conocidas y por tu aportación a la historia de la música. Roberto (Cadiz)

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  34. Que grande eres Braulio, genial, lo eras siempre en la radio, lo eres y lo seras. Una admiradora.

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  35. Que bonitss canciones y qie bien las explicas Braulio. Cuantos recuerdos. Muchas gracias. Enric (Barcelona)

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  36. Me encantan tus comentarios. Muchas gracias. Angela - Gijón

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  37. Muchas gracias por tu trabajo, es mas que plausible. Un saludo desde Mugardos. Pablo

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  38. Ja,ja,ja Braulio que buena tu anecdota con Aljendro Sanz. Gracias por tus comentarios y las canciones, todas muy buenas. Lucia- Tarragona.

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  39. Que bonitas las canciones, y que buen gusto. Un saludo.

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