VICTOR MANUEL - LA PLANTA 14
Hola a tod@s:
Estamos de vuelta con”nuestras
canciones con historias”.
Hubo un tiempo en España en
el que la gente no podía decir lo que quería. Y mucho menos cantarlo. De
bailarlo, ni hablamos. Había que controlar la moralidad del pueblo. ¿Qué era
eso de ir por ahí pidiendo descaradamente besos? y ya de política ni hablamos. Durante los años 50 y 60, los
censores del Estado se dedicaron a mirar con lupa las letras de las
canciones hechas en España o importadas.
En los años 60 y 70 en
España se abrió paso la llamada canción protesta, donde se ponía de relieve y
se pretendía denunciar la situación política y social del País.
La canción que ahora quiero
presentaros, y por la que he sentido
siempre un respeto absoluto es “La
Planta 14” del cantante asturiano Victor Manuel.
Se trata de la típica
canción narrada en la que el cantautor denuncia los accidentes mineros con
resultado trágico.
Siempre recordaré cuando siendo aún un niño la escuchaba con
cierta pena y como la emoción se ponía en la voz del cantante convirtiendo el relato en puro sentimiento.
Allá por el año 1977, Victor
Manuel era coordinador musical del Partido Comunista de España y participaba en
muchos de sus actos. Ese mismo año, Victor viajó a la República Democrática de
Alemania y grabó con la discográfica Amiga el álbum “Spanien“. Este álbum, con
canciones en las que por ejemplo, pedía la legalización del PCE, y que nunca fue editado en España.
Musicalmente se trata de una
canción sencilla que narra el accidente
en una mina asturiana con la muerte de tres mineros.
Dos mujeres de luto
anhelando dos cuerpos
y una madre que rumia
su agonía en silencio
es el tercero.
La historia minera de España
nos deja una serie de accidentes importantes, que da cuenta de la peligrosidad
del trabajo en este tipo de instalaciones. Los accidentes mineros han sido a
través de la historia relativamente frecuentes, buena prueba de ello es el
Valle del Turón. Cinco mineros perdían la vida en el año 1963, y cuatro años
más tarde, en 1967 el Pozo Santo Tomás también se cobraba la vida de 11
trabajadores. En este caso el accidente, que tenía lugar un 14 de agosto, se
producía por una rotura en el ascensor de acceso a la mina.
En ese mismo año 1967, pero
el 21 de marzo, un accidente en el Pozo San Vicente de Linares costaba la vida
a otras seis personas.
También en 1967, tres
mineros morirían al ser sepultados por un hundimiento entre las plantas 15 y 16
del Pozo nº 4. Dos años más tarde, serían 8 los mineros muertos al producirse
otra explosión de grisú en el mismo pozo. Las Minas de La Reunión serían
cerradas definitivamente en 1972.
Que tengáis un buen día
Braulio Molina López
coro minero, santa barbara
LETRA EN LA PLANTA 14
En la planta catorce
del pozo minero
de la tarde amarilla
tres hombres no volvieron
hay sirenas,
lamentos, acopasados aies
a la boca del pozo.
Dos mujeres de luto
anhelando dos cuerpos
y una madre que rumia
su agonía en silencio
es el tercero.
A las diez la luna
clara
se refleja en las
sortijas del Patrón recién llegado
con sombrero,
gravedad y su aburrido gesto.
El ha sido el
primero, vendrán gobernadores
alcaldes, ingenieros.
tratarán de calmar,
la presentida viuda
que se muerde el pañuelo
no sabrán acercarse a
la madre que les mira
con los ojos resecos.
A las doce el patrón
mirara su reloj
los otros ya se
fueron
y en un punto y
aparte esbozará un fastidio
mientras piensa ¿pero
donde están estos?
Ha llegado otro
relevo de bomberos
y la una menos diez
era la noche
el primero muerto
Sentados en el suelo,
los mineros
se hacen cruces y
reniegan de Dios
quién diría les
pillara de sorpresa la tragedia repetida
a veces el más bravo
se le queda
mirando fijamente al
patrón
con dientes apretados
Y el patrón con
sombrero,
tiene dos policías a
su lado no hay cuidado
Tres horas lentas
pasan
a la luz de las
linternas asustadas
el cura con los ojos
arrasados
al segundo le va
uniendo sobre el pecho las manos
y un chaval de quince
años
mientras llora
impotente se abraza contra un árbol
y el chófer del
patrón con su gorra de plato
se siente desplazado,
es un hombre prudente,
bien domado.
El rocío ha calado
hasta los huesos cuando sale el tercero
le recibe con sonrisa
gris azul la madrugada
y con voces los
mineros
mientras se abrazan
todos y uno de ellos
el mas fiero por no
irse al patrón
llora en el suelo.
Juan Antonio Muriel - Princesa
Hola a td@s.
Estamos de vuelta en nuestras
“canciones con historia”, y en esta nueva entrega para centrarnos en una canción que
personalmente siempre me gustó y que ya tenía ganas de compartir en mi blog. Antes de nada decir que retrata
la historia de una chica de Logroño extraordinariamente joven y
extraordinariamente hermosa.
Probablemente esta sea una de las
canciones más emblemáticas y conocidas de Joaquín Sabina pero lo que desconoce mucha gente, es que dicha canción tiene coautoría
malagueña, hablamos del cantautor Juan Antonio Muriel.
¿Pero quién es este tal
Muriel? Juan Antonio Muriel nacido en Málaga, lleva toda su vida haciendo
música. Comenzó a componer y a cantar en Málaga en los años 70s. Actuó en
institutos, colegios mayores, programas de radio y espectáculos varios en la
citada provincia. De 1971 a 1974, participó en diversos festivales, alternando
estas actuaciones con otras; siempre en Andalucía. A mediados de 1974 se
trasladó a Madrid. Desde entonces y hasta ahora actua en salas de
conciertos, teatros, centros culturales, "garitos" musicales y un
largo etcétera de lugares y acontecimientos en toda la península.
La complicidad con la luna le permitió conocer y entablar amistad con otros jóvenes cantantes que, como
él, vivía la noche y dormían el alba –entre ellos Joaquín Sabina–, y que le sirvió,
a la vez, para introducirse en el mundo de la marginalidad habitado por
personajes como aquella muchacha que siempre andaba entre la cirrosis y la
sobredosis, a la que Sabina y Muriel le dedicaron las canción
"Princesa"; canción que empezó a interpretar Juan Antonio antes que
Joaquín, y con la que consiguió el segundo premio en el festival de Benidorm
celebrado en 1982.
Preguntado en una entrevista
sobre la canción Juan Antonio Muriel respondió:
Princesa la hice con una letra que me dio Joaquín; caímos
en la cuenta de que a pesar de haber tocado bastante juntos, no teníamos ningún
tema a medias. Estuvo un tiempo sin que la tocáramos ninguno de los dos. En uno
de esos bolos que yo hacía por el norte, la estrené en Torrelavega (Santander).
A partir de entonces,
siempre la tuve en mi repertorio. Esa canción fue un éxito desde la primera vez
que la canté. Después, a la primera oportunidad que tuve de grabar, la
incorporé en mi segundo disco (Seguir Viviendo). La grabé en el -82 y salió en
el -83. Sonó en todo el país, y en algunos sitios fuera. La primera tirada
-25.000 discos-, se vendió totalmente. Sabina la grabó en el -85, que fue
cuando empezó a cantarla. Antes de grabar me dijo que le iba cambiar la letra
un poco. Yo sigo cantando la original. Poco a poco, gracias a internet, la
gente se va enterando de quiénes son los autores. De todas maneras, la memoria
colectiva es bastante frágil, para según que cosas.
La historia de esta canción,
la explica el propio Sabina en el libro ‘Sabina en carne viva’: “Princesa era
una chica de Logroño. En realidad, una belleza pintada por Botticelli. Muy
hippiosa, a la que conocía y con la que me acostaba cuando iba a Logroño, y con
la que alguna vez me fui a un pueblecito perdido a pasar un fin de semana.
Luego se vino a Madrid y fue cayendo en picado. Eso llevó a la heroína y en ese
momento hice la canción”.
Un poco vengativa, la
canción habla del don nadie que se enamora de la mujer que está unos peldaños
más arriba que él, pero que al fin cae estrepitosamente entre drogas y por la
que él ya no siente nada más que un poco de lástima, ahora que ella le busca.
En fin, querid@s amig@s “Princesa”
está basado en un hecho real afortunadamente con un final feliz. Es una buena
canción, aunque eso si, algo vengativa ja, ja, ja.
Por último decir que puestos a elegir me quedo con la versión de Juan Antonio Muriel, aunque también os dejo la de Sabina al final del comentario.
Por último decir que puestos a elegir me quedo con la versión de Juan Antonio Muriel, aunque también os dejo la de Sabina al final del comentario.
Que tengáis un buen día.
Braulio Molina López
Princesa - Versión Joaquin Sabina
Elton John - Nikita
Hola a tod@s:
Pues si querid@s amig@s, Nikita era un hombre y no lo digo yo, lo dijo nuestro protagonista de esta
nueva entrega de “canciones con historia”, Sir Elton John, y lo hizo manifestando que Nikita en realidad era un
hombre y que todas las metáforas sobre la libertad, la paz y respeto eran un
alegato para la defensa de la elección de la sexualidad de cada uno y es que en
diversos países de la Europa del Este Nikita es utilizado como nombre también por
los hombres.
Incluida en la álbum Ice "On
fire" de 1985 Elton John centra la historia en un ciudadano de la Alemania
Oriental que se enamora de Nikita y que sueña con la caída del muro de Berlin para
que este no impida que su amor sea una realidad, todo un drama sin lugar a
dudas, separado por un muro de la vergüenza.
En los casi treinta años que
estuvo en pie, el Muro de Berlín destrozó ilusiones, y proyectos y fue el triste
disparador de separaciones desgarradoras e historias de amor heroico,
apasionado y desesperado a la vez que las historias se multiplicaban al ritmo
que pasaban los años y la separación era cada vez más triste y profunda.
El Muro de Berlín fue mucho
más que una frontera geográfica. A uno y otro lado se consolidaron dos modos de
entender la política, la cultura, las ideologías, la humanidad misma pero el amor seguía siendo el mismo.
Pero volvamos a la canción
para decir que en plena época de la
llamada Guerra Fría fue considerada como una canción revolucionaria
describiendo el lado más humano de una guerra que solo dejaba penas, soledad y
desamor y es que como he comentado en otras canciones todas las guerras son injustas y constituyen un fracaso de la humanidad.
La canción camuflada bajo
una historia de amor fue un "Símbolo de Paz" contribuyendo a la caída
del muro, no tengo la menor duda de ello y respecto de la historia que nos ocupa, tanto es el amor que siente que pasa
cada día el muro con el único pretexto de ver a su Nikita.
¿Alguna vez sueñas
conmigo?
¿Alguna vez viste las
cartas que escribí?
Cuando miras hacia
arriba, a través del alambre de espino,
Nikita, ¿cuentas las
estrellas en la noche?
En el vídeo clip de la canción, ser
personificó a Nikita como una mujer que pertenecía al ejercito de la Alemania
Comunista y que conquistaba el corazón de Elton John. Para su rodaje Elton John
aceptó la idea de hacer una historia de amor entre él y la chica rubia que era
guardia en el ejército alemán. Con ello retrató los sueños que ambos tenían de
derribar el muro y vivir en libertad, en paz y juntos por siempre.
Tras su éxito conocimos que el
tema tenia sorpresa y es que después de la separación matrimonial en 1988, el
músico declaró que la canción trataba de su homosexualidad, que el mismo había
admitido estando casado con Bluel y que esta fue la causa principal de su
divorcio.
Por ello, Nikita en realidad
era un hombre y todas las metáforas sobre la libertad, la paz yel respeto eran para que
la gente entendiera las relaciones homosexuales.
Pero la canción no estuvo
exenta de polémicas. Un fotógrafo y compositor demandó a Elton John, en una corte
estadounidense, presuntamente por haber plagiado la canción que la estrella del pop británico estrenó en 1985.
Según Guy Hobbs, él habría escrito el tema en 1982 con base en una historia personal y con el título de "Natasha". Hobbs dijo que la letra de la canción se refiere a una relación breve que tuvo con una mesera en un crucero ruso a principios de la década de los años 80.
Según Guy Hobbs, él habría escrito el tema en 1982 con base en una historia personal y con el título de "Natasha". Hobbs dijo que la letra de la canción se refiere a una relación breve que tuvo con una mesera en un crucero ruso a principios de la década de los años 80.
Este sostuvo que en esa época
envió muestras del tema a diversas empresas, incluida la que graba a Elton
John, la Big Pig, sin que obtuviera ninguna respuesta. Finalmente el músico
británico Elton John ganó la demanda que había en su contra por el presunto
plagio de la letra del tema.
De cualquier forma la
canción fue todo un éxito en la carrera de Elton John, convirtiéndose en un hit
dentro de los top ten de varios rankings alrededor del mundo.
¿Nikita mujer?, ¿Nikita
hombre?, y que mas da, lo importante en mi opinión es que había amor entre dos personas y que la
canción nos ofrece un mensaje de libertad, de respeto y de paz, algo que dicho
sea de paso necesita el mundo ahora más que nunca.
Que tengáis un buen día y un saludo desde la tierra de Don Quijote
Hey, Nikita, hace
frío
en tu pequeño rincón
del mundo?
Puedes rodar por toda
la tierra
y no encontrar nunca
un alma más cálida a la que conocer.
Oh, te vi al lado del
muro
con diez de tus
soldados de hojalata puestos en fila,
con ojos que parecían
hielo sobre fuego.
El corazón humano, un
cautivo en la nieve.
Oh, Nikita, nunca
sabrás nada sobre mi hogar.
Nunca sabré lo bien
que se siente al abrazarte,
¡Nikita, te necesito
tanto!
¿Oh, Nikita, eres la
otra cara de cualquier línea en el tiempo?
Contando diez
soldados de hojalata en fila.
Oh, no, Nikita, nunca
sabrás...
¿Alguna vez sueñas
conmigo?
¿Alguna vez viste las
cartas que escribí?
Cuando miras hacia
arriba, a través del alambre de espino,
Nikita, ¿cuentas las
estrellas en la noche?
Y si llega un día
en el que puertas y
pistolas ya no te retengan más,
y eres libre de
elegir.
Mira hacia el oeste,
y encuentra a un amigo.
Oh, Nikita, nunca
sabrás nada sobre mi hogar.
Nunca sabré lo bien
que se siente al abrazarte,
¡Nikita, te necesito
tanto!
¿Oh, Nikita, eres la
otra cara de cualquier línea en el tiempo?
Contando diez
soldados de hojalata en fila.
Oh, no, Nikita, nunca
sabrás...
El Muro de Berlin
Dire Straits - Brothers in arms
Hola
a tod@s
En primer lugar me
gustaría preguntarme si existe alguna guerra justa, si hay alguna
justificación para tanto sufrimiento mas allá de un concepto
teológico y politico. Las guerras nacen en mi opinión del orgullo,
del egoísmo, de la intolerancia. Una guerra sumerge en el abismo del
dolor y la desesperanza, a muchos hombres y mujeres, niños y
jóvenes, que tal vez nunca podrán recuperar su vida normal. Una
guerra siempre trae consigo pobreza, soledad, abandono, odios y
rencores. En sintenis decir que el uso de la violencia nunca lleva a
la justicia e igualdad por muy justa que quiera presentarse una guerra siempre es un fracaso de la humanidad.
Tiempo ahora para una nueva propuesta de “canciones con historia”. Corría el año de 1985 cuando Mark Knopfler compuso la canción que ahora os presento, Brothers in arms (hermanos en armas en español).
De la canción que nos ocupa habría que destacar los mas de treinta millones de copias vendidas, convirtiéndose
en el tercer disco mas vendido de la década de los años ochenta
marcando un hito en la historia,
ya que fue grabado de manera digital en formato Compact Disc.
La
canción Brothers
in Arms es
un alegato contra la guerra y los conflictos que ocupaban las
portadas de los diarios por aquel entonces, la guerra del
Salvado
y Nicaragua
el conflicto de Las
Malvinas.
Está
estructurado
en un tiempo lento muy bien acompañado con la guitarra y el teclado
y por supuesto la guitarra de Knopfler. Una
canción con mensaje, con un mensaje general, que habla de paz, de
amor y de hermandad.
Con
los sintetizadores del inicio se consigue crear una atmósfera de
tragedia que nos introduce en los horrores de la guerra, y cada
fraseo de guitarra que suena con cada línea cantada por Knopfler es
como un sentido lamento.
A
través de estos campos de destrucción,
bautismos
de fuego,
he
presenciado vuestro sufrimiento
mientras
la ira crecía en la batalla;
y
aunque me hirieron gravemente
en
la alarma y el miedo
no
me abandonasteis,
mis
hermanos de armas.
La
letra nos habla de la guerra, sin
duda donde
se deja ver lo peor del ser humano, el
desprecio por la vida, la
muerte y la destrucción, pero en la que se deja entrever a otros
hermanos en armas que nos salvarán la vida. La introducción la
realiza la guitarra de Mark con los teclados de fondo y los efectos
de sonido de una tormenta para dejar paso a la voz susurrante y
triste del solista con un fondo de sintetizadores a modo de
concertina y a la que se unen progresivamente el bajo y la batería.
Decir tambien que el
sonido de Brothers In Arms es en principio más sencillo que el de su
anterior trabajo, Love Over Gold, pero mucho más elaborado que en
sus primeros álbumes. Esta obra supuso el lanzamiento de la banda al
estatus de superestrellas del rock.
El
19 de septiembre de 2000, Brothers in Arms fue remasterizado y
reeditado junto al resto del catálogo musical de Dire Straits. El 26
de julio de 2005 fue publicado en formato Super Audio CD, y apenas un
mes después, el 16 de agosto de 2005, en formato DualDisc, ganando
un Grammy al Mejor Álbum con Sonido Surround.
Os dejo con "Brothers in Arms" el alegato pacifista de Dire Straits con el deseo de que tengáis un buen día.
Braulio Molina López
Estas
montañas cubiertas de niebla
son
ahora un hogar para mí,
pero
mi hogar son las tierras bajas
y
siempre lo serán.
Algún
día volveréis
a
vuestros valles y granjas
y
nunca mas arderéis en deseos
de
ser hermanos en armas.
A
través de estos campos de destrucción,
bautismos
de fuego,
he
presenciado vuestro sufrimiento
mientras
la ira crecía en la batalla;
y
aunque me hirieron gravemente
en
la alarma y el miedo
no
me abandonasteis,
mis
hermanos de armas.
Hay
tantos mundos diferentes,
tantos
soles diferentes
y
nosotros tenemos sólo un mundo,
pero
vivimos en varios.
Ahora
el sol se ha ido al infierno,
y
la luna cabalga en las alturas.
Dejad
que me despida;
todo
hombre ha de morir.
Pero
está escrito en el brillo de las estrellas
y
en cada linea de vuestra mano,
qué
estupidez es que hagamos guerra
contra
nuestros hermanos en armas.
John Lennon - Imagine
Hola a tod@s:
Nuevo paseo por la música y nueva entrega de “canciones
con historia” con otro tema musical emblemático que ha hecho historia y que será recordado siempre.
Antes de nada, me gustaría preguntarme si
soñar con un mundo en paz es realista y posible y es que....
“Si
queremos un mundo de paz y de justicia hay que poner decididamente la
inteligencia al servicio del amor.
Esta reflexión sobre la paz nos lleva inevitablemente a hablar de la guerra sí, hay que
hablar lamentablemente de guerra, de enfrentamientos, de las batallas
entre territorios, de combates en nombre de no se sabe bien quién o qué, de
invasiones por intereses económicos no reconocidos. Guerras, en definitiva, que
cada día dejan miles de muertos, decenas de miles de desplazados que buscan
refugio, con desigual suerte, en otros países.
La paz es el fin último de
todos los pueblos, pero son muchos los intereses que impiden acabar con
conflictos. Luchas por el poder, corrupción, dictaduras.
La canción que ahora os
presento es un alegato para la paz: “Imagine” de John Lennon, la compuso una mañana de 1971 mientras Yoko Ono observaba como trabajaba sentado ante su
enorme piano blanco, un instrumento que acabó siendo tan famoso como la
canción (el que podemos ver en el video).
Tras componer
Imagine Lennon declaró: “Finalmente conseguí terminar una canción con una melodía serena y
tranquila que me infundió la sensación de haber escrito algo especial” y pasados los años la definió como: ”una canción anti-religiosa,
anti-nacionalista, anti-convencional y anti-capitalista, pero con una dulzura
tal que enseguida fue aceptada por la sociedad”.
Para sus opositores, Imagine
y el pacifismo de Lennon no eran más que idealismo pacifista y plagado de
consignas anticapitalistas que se
desdecían del ritmo de vida de un multimillonario y excéntrico apóstol de la
austeridad que proclamaba un reparto equitativo de las riquezas mientras él
disfrutaba de una inmensa fortuna.
Polémicas al margen es
incuestionable que Lennon fue un mito, un gran músico y que Imagine nació
impregnada de una magia especial y una paz que, desde el momento en que fue
compuesta, la predestinaron para poder llegar al más recóndito rincón del
planeta y perdurar en el tiempo.
Imagina a toda la
gente viviendo el hoy.
Imagina que no hay
países
no es difícil de
hacer
Nadie por quien matar
o morir
ni tampoco religión
Imagina a toda la
gente
viviendo la vida en
paz.
“Imagine” es la canción por
excelencia de John Lennon en solitario y una de sus mejores composiciones. En
el año 2004 fue considerada por la revista musical Rolling Stones como la
tercera mejor canción de la historia, John Lennon la compuso en su
habitación de Ascot, Inglaterra, una
melodía sencilla, de gran belleza que habla de cómo la imaginación puede llegar
a cambiar el mundo si se tiene fe.
Para el autor de este blog en Imagine no hay
ninguna protesta ni culpa, sólo hay esperanza. Durante toda la lírica, no hay
ira ni frustración. Nada más que la paciencia, esperanza, coo decía, y preocupación por la
humanidad en general.
Decir también antes de escucharla que Imagine es un tema bien
estructurado y armado en su letra, que tiene una gran fuerza interior. Lennon
con esta canción nos invita a abrir nuestra mente y a imaginar el mundo como un
lugar mejor y que puede convertirse en una realidad.
La canción se compone de una
breve introducción al piano, dos versos, un coro, un tercer verso y una
repetición del estribillo y supuso la firma personal en la carrera musical de
Lennon manteniéndose como exponente e himno de la paz mundial, es aceptada por su dulzura”, tema que a pesar de su popularidad causó controversia
y recibió numerosas críticas a lo largo de los años, algunas de ellas por la
percepción negativa de su letra.
Que tengáis un buen día paz en vuestras vidas y que suene la música.
Saludos desde Castilla La
Mancha – España.
Braulio Molina López
Lennon y Yoko Ono
coprodujeron la canción y el álbum del mismo nombre con Phil Spector. La
grabación comenzó en mayo de 1971 en el propio estudio del compositor, ubicado
en su entonces hogar en Tittenhurst Park, Inglaterra, y concluyó en julio en
los estudios Record Plant, en Nueva York. Un més después de haber publicado el
LP en septiembre, Lennon lanzó «Imagine» como sencillo en Estados Unidos. La
balada logró posicionarse en el tercer puesto del Billboard Hot 100 y el LP
alcanzó el primer lugar de la lista británica en noviembre.
El álbum se convertiría más
tarde en el más exitoso comercialmente y críticamente aclamado de la carrera
como solista de Lennon. La canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido
hasta 1975 con el fin de promocionar un LP recopilatorio, y llegó al sexto
puesto de la lista británica de sencillos. Desde entonces, se han venido más de
1,6 millones de copias de la pista en el Reino Unido. Tras la muerte de Lennon
en diciembre de 1980, volvió a ingresar en la lista, esta vez en el primer
lugar.
Según el sitio agregador de
listas Acclaimed Music, «Imagine» es la 25.ª canción más aclamada por los
críticos de todos los tiempos.
BMI nombró a «Imagine» una de las 100 canciones
más tocadas del siglo XX y la Recording Industry Association of America la
colocó en el número 30 de una lista que realizó llamada «Canciones del siglo»,
sobre la base de su trascendencia histórica. Se llevó además el Premio del
Salón de la Fama de los Grammy y figura en la lista «500 canciones que
cambiaron el rock and roll», hecha por el Salón de la Fama del Rock. Una
encuesta llevada a cabo por los autores del libro Guinness World Records
British Hit Singles Book lo nombró el segundo mejor sencillo de todos los
tiempos, mientras que la revista Rolling Stone la incorporó en el número tres
de su lista «Las 500 mejores canciones de todos los tiempos».
Desde 2005 se ha vuelto en
una tradición tocar «Imagine» previo al fin de año en Times Square en Nueva
York. Muchos artistas han interpretado o grabado versiones de la canción, entre
los cuales se encuentran Madonna, Stevie Wonder, Joan Baez, Elton John y Diana
Ross. Emeli Sandé realizó un cover del sencillo para su uso en los créditos
finales de la clausura de los Juegos Olímpicos de 2012 en agosto de ese año.
(Wikipedia)
Imagina que no hay
Cielo,
es fácil si lo
intentas.
Sin infierno bajo
nosotros,
encima de nosotros,
solo el cielo.
Imagina a todo el
mundo.
viviendo el día a
día...
Imagina que no hay
países,
no es difícil
hacerlo.
Nada por lo que matar
o morir,
ni tampoco religión.
Imagina a toda el
mundo,
viviendo la vida en
paz...
Puedes decir que soy
un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día
te unas a nosotros,
y el mundo será uno
solo.
Imagina que no hay
posesiones,
me pregunto si
puedes.
Sin necesidad de gula
o hambruna,
una hermandad de
hombres.
Imagínate a todo el
mundo,
compartiendo el
mundo...
Puedes decir que soy
un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día
te unas a nosotros,
y el mundo será uno
solo.
Imagine - Versión Lady Gaga
Eagles - Hotel California
Hola a tod@s, ¿como estais?
Bienvenidos a una nueva
entrega de “canciones con historia”.
Nuestro recorrido por las canciones clásicas que han hecho historia se detiene ahora en 1976, año en
que apareció el disco “Hotel California".
Decir que se
trata de una buena composición calificada como una de las canciones más grandes
de todos los tiempos y que la revista Rolling Stone la ubicó en el lugar 49 de sus
500 mejores canciones.
La verdad es que con el paso
de las décadas la ficción ha superado a la realidad. Más allá de mitos y
leyendas que más adelante comentaré, la composición está orientada al lado
perverso del sueño americano y a los excesos de la “vida alta” en Los Angeles,
pero sobre todas las cosas se basa en un antiguo amor del propio Henley con
quien tuvo un desagradable rompimiento justo antes del lanzamiento del álbum
Hotel. Esta es la realidad y el sentido de la composición, a pesar de ello con el paso de los años se le ha dado distintas interpretaciones que no coinciden con la realidad.
“Bienvenido al Hotel
California”, -¡vaya!, ¡qué hermoso lugar!, que hermosa canción, es universal y le llega a todo el mundo. Hotel California es de
esas canciones que nos conectan con una sensibilidad que no podemos explicar y
nos recuerda porque la música es una arte y por ende una manifestación del
alma.
Las generaciones van pasando
pero cuando descubren esta canción irremediablemente se quedan enganchadas a
ella, y cuando la traducen por primera vez se peguntan si están ante una letra con un sin fin de
interpretaciones que pueden aducir al demonio, tal vez al demonio de las drogas, pero solo tal vez porque no es asi, también a algún vicio o a las depresiones, y
para la banda todo esto se encontraba en Los Ángeles de mediados de los años
70.
Se ha especulado que la
canción trata sobre la rehabilitación de drogas y la referencia en la letra de
apuñalar a la "bestia" con "cuchillos de acero" se refiere
al corte de la cocaína o que habla de prácticas satánicas. Este es uno de tantos significados curiosos que le han
dado a esta clásica canción, y hay mas, hay quien asegura que la canción trata sobre inmigrantes iranies en Los Ángeles. Lo cierto es que la banda nunca abaló estos significados.
.
Fue Don Felder, guitarrista
de The Eagles, quien creó el riff y la base musical de Hotel California y se la
presentó a Glenn Frey, tecladista de la banda, y su baterista Don Henley.
Fascinados con lo que les
había presentado Felder, la banda rápidamente trabajó en la estructura musical
de la canción, trayendo como resultado no solamente esa música que ya todos
conocemos, sino un final musical épico en donde las guitarras de Felder y Joe
Walsh, el otro guitarrista de la banda, se entremezclan en un duelo de
guitarras para ofrecernos no solamente uno de los mejores solos de guitarra
jamás creados, sino un coda perfecto y emotivo.
Al margen de las
especulaciones, pero ya escuchando la canción no se a vosotros, pero a mí me produce cierta melancolía y tristeza sobretodo en los acordes
iniciales.
La canción empieza con unos
nostálgicos punteos de guitarra acústicas acompañados por el bajo, a los que se
suman poco después un órgano y los platillos de la batería para acrecentar la
sensación de incertidumbre y oscuridad en la que nos sumerge rápidamente “Hotel
California”.
Tras esta introducción en
acústico de aproximadamente un minuto en la que ya nos sentimos extasiados por
la inmensa belleza de la música, la característica voz de Don Henley comienza
a sonar, arropado por la magnífica
fusión entre guitarras acústicas y eléctricas.
El estribillo nos llega
potente y brillante, destilando cierta alegría,
con las guitarras tocando a dúo cortas melodías entre verso y verso.
Pronto, la canción vuelve a la tristeza insondable del principio pero con más
presencia de las guitarras eléctricas, que tocan varias voces a la vez para dar
como resultado final un contrapunto soberbio y sublime.
Tras la repetición del
estribillo y unas estrofas más llega los esperados solos de guitarra, que son
de lo mejor de la canción, si no del álbum. Joe Walsh y Don Felder se encargan
de las guitarras, cuyas notas se quedan grabadas a fuego en la memoria.
Si tuviera que decantarme
por algún momento de la canción sin duda lo haría por el pasaje en el que las
dos guitarras tocan a dúo es simplemente asombroso.
Es un sello auténtico de uno de los grandes himnos en la historia del
rock, el cual, pese a las constantes aclaraciones de los miembros de Eagles,
seguirá agrandando una nube de teorías incontenible acerca de su origen. No por
nada, el Hotel California de Baja cobra poco más de cinco dólares por un tour
en sus entrañas derivado de una linda y conveniente coincidencia que no tiene
fundamento real ni conexión musical.
Mi conclusión es que ni drogas, ni demonios, ni nada de nada. Bueno que cada uno escoja la interpretación que quiera, pero sea la que fuere, estamos ante una gran composición, con buenos arreglos rítmicos y mejor melodía, una canción que merece por merito propio figurar entre mis canciones favoritas, por cierto no os perdáis la versión flamenco que de la canción se hizo en España y que os dejo mas abajo.
Un saludo desde Ciudad Real (España) y que tengáis un buen día.
Braulio Molina López
En una oscura
carretera del desierto
Viento fresco en mi
pelo
Cálido aroma de
colitas
Subiendo por el aire
Lejos, en la
distancia
Vi una luz temblorosa
Mi cabeza se puso
pesada y mi vista se nubló
Tuve que pararme para
pasar la noche
Allí ella estuba de
pie en la entrada
Oí la campana de
misión
Y yo pensaba a mí
Esto podría ser el
cielo o el infierno
Entonces ella
encendió una vela
Y me mostró el camino
Se oían voces allá en
el pasillo
Creo que les oí decir
...
Bienvenidos al Hotel
California
Un lugar tan
encantador, una cara tan encantadora
Hay muchas
habitaciones libres en el hotel California
Cualquier tiempo del
año, usted puede encontrarlo aquí
Su mente es
definitivamente enroscada
Ella tiene su
Mercedes benz
Ella tiene muchos,
muchachos guapos
a los que ella llama
amigos
Bailan mucho en el
patio
Sudor de verano dulce
Algunos bailes para
recordar
Algunos bailes para
olvidar
Así que llamé al
capitán
Por favor tráigame mi
vino
Él dijo que no hemos
tenido aquel espíritu aquí desde 1969
Y todavía aquellas
voces me seguían llamando desde lejos
Te despertaban en
medio de la noche
Sólo para oírles
decir ...
Bienvenidos al Hotel
California
Un lugar tan
encantador, una cara tan encantadora
Ellos están viviendo
esto en el Hotel California
Qué sorpresa tan
agradable, preséntales tus excusas
Espejos en el techo,
el champagne rosado en hielo
Y ella dijo que
estamos todos prisioneros aquí
por nuestra propia
voluntad
En las habitaciones
del dueño
ellos se reunieron
para el banquete
Lo apuñalaron con
cuchillos de acero
Pero no pudieron
matar a la bestia
La última cosa que
recuerdo, yo estaba corriendo por la puerta
Tenía que encontrar
el camino de regreso al lugar donde estaba
"Relájate"
dijo el portero de noche
Estamos programados
para recibir
Puedes hacer el
Check-out cuando quieras, pero nunca te puedes ir.
Versión flamenco
Hola a tod@s:
Continuando con nuestro recorrido por aquellas
canciones que hicieron meritos para ser
recordadas tenemos ahora como invitado en “canciones con historia” a un
cantante con acento andaluz, ja, ja, ja, os hablo de Alejandro Sanz.
Ja,ja,ja a mí lo que me gustaría
saber si ese corazón partió del que habla Sanz es precisamente el suyo , pues
bien precisamente cuando le preguntamos a Alejandro esto contestaba: Siempre he
tenido pequeñas grietas. Creo que todos tenemos el corazón astillado, más que partió.
Los mejores muebles se sacan de las astillas ¿no? y no de las grandes encinas.
Si tuviéramos que hacer una casa con los corazones de la gente tendríamos problemas
de humedad. Hay mucha grieta por ahí. Todos tenemos el corazón partío y con
muchos remaches, ¿quién tiene el corazón entero?.
Ja,ja,ja desconozco querido
Alejandro, como digo si ese será tu corazón pero si estoy en condiciones de
afirmar que en la canción se te rompió con mucho arte.
Enseguida hablamos de la
canción pero antes permitidme que os cuente una anécdota que vivi precisamente
con nuestro invitado:
Daimiel, septiembre de 1995.
Tres horas antes del inicio del concierto llegué a los camerinos con la unidad
móvil de Radio Daimiel, al objeto de emitir en directo la rueda de prensa.
Tras una hora de espera, ya
cansado de estar allí, pasó cerca de mi alguien y le dije:”cuando viene este
elemento” que ya estoy harto de estar aquí, “Que elemento me dijo”, Alejandro
Sanz, le contesté. Me miró y me dijo si soy yo. Me quede mirándolo fijamente
(llevaba una camiseta blanca y un cordón de zapatos colgando del cuello y sin
afeitar) y le dije: Es verdad, eres tú,
perdona porque no te había reconocido, no pasa nada, me contestó, enseguida me
arreglo y comenzamos la rueda de prensa. (Así conocí a Alejandro Sanz). Después
le pregunte que las chicas de Daimiel me habían encargado que le preguntase si
tenía novia, su respuesta fue que no era un monje.
De esto han pasado ya 21 años
los dos somos ahora más mayores y quizá menos impulsivos, pero vamos con la
canción.
Comenzar diciendo que con
los beneficios de la canción Alejandro Sanz hizo una donación a Greenpeace de
una importante cantidad de dinero y la organización decidió comprar dos lanchas
de intervención rápida y además ponerle a una de ellas el nombre de corazón
partio.
Respecto de su composición el
propio Alejandro Sanz contó que tardó en componer esta canción dos años.
"La empecé a componer en Monterrey. Me salió el estribillo muy rápido,
como algo muy espontáneo, como un golpetazo de aspersión y después tardé como
dos años en escribir las estrofas", explicó a la vez que aseveraba que "No
es fácil cuando tienes un estribillo tan claro, o cuando tienes una estrofa muy
potente, resolver el estribillo".
En la canción le pregunta a una chica que lo ha dejado por otro
quién a partir de ahora va a cuidar de él, con quién va a compartir todas sus
emociones, quién va a alegrarle la existencia y en definitiva qué va a hacer
ahora que ya se había acostumbrado a ella y de repente se encuentra solo porque
ha aparecido otro hombre en la vida de ella.
Además también le hace una
aclaración a la chica: “Dar solamente aquello que te sobra nunca fue compartir,
sino dar limosna”. Ja,ja, ja que bueno Alejandro, aquí lo has bordado.
“Más” donde se incluye “corazón
partio”, es para mucha gente el mejor disco de su carrera, que dejó el listón
muy alto.
Miguel Angel Arenas narra en
su libro "Anécdotas de él con migo mismo" que habian grabado la canción
con los músicos originales que participaron en todas las canciones del disco
pero Alejandro estaba insatisfecho: "No, no es así", daba media
vuelta y se encerraba en su habitación, preocupado de que no le saliera lo que
él buscaba y había planeado durante tanto tiempo.
"El Capi",
preocupado por la frustración de su amigo (Sabia que tenia solo una oportunidad
de hacer exitosa esa cancion), se fue a Madrid y se buscó a Lulo Perez, un
cubano que con sus arreglos de metales, logro mezclar junto a la esencia flamenca
que Alejandro y sonido italiano de su productor Emmanuele Ruffinengo una
canción que quedó para la posteridad, cambiaron a todos los músicos y la
grabaron durante 2 días, tocándola en el estudio como si fuera en vivo hasta
lograr dar con ella, esa, fue la historia de "Corazón Partio.
Y para terminar quiero
comentaros una anécdota que llevó incluso la notica a los medios nacionales de
una de las actuaciones de Alejandro Sanz en Daimiel (Ciudad Real).
De ir que Alejandro Sanz ha
pasado en varias ocasiones por esta ciudad manchega, pero en esta ocasión
quiero centrarme en septiembre de 1995 cuando una enorme tormenta de tierra,
vientos huracanados de más de 100 km.
hora y agua acabó en minutos con el espectáculo.
Lo que comenzó como una gran
fiesta pudo acabar como una tragedia. El esperado concierto de Alejandro Sanz
en el Auditorio de Daimiel tuvo que suspenderse precipitadamente cuando vientos
huracanados, acompañados de fuerte lluvia se centraron en el recinto y a punto
estuvieron de hacer volar a cuantos presenciaban la actuación. Durante unos
minutos aquello se convirtió en un escenario dantesco, el escenario quedó
seriamente dañado y también su estructura.
Una vez comenzado el
espectáculo justamente Alejandro Sanz iniciaba su tercera canción de la noche,
“Si tú me miras” cuando de forma fulminante se lanzó el huracán sobre el joven
cantante, lanzando la batería por los aires, los telones al infinito y el
micrófono y el pie que lo sujetaba contra él, lo que le ocasionó una pequeña
dolencia que tuvo que ser atendida, apareciendo posteriormente con el brazo en
cabestrillo.
El personal buscó cobijo en
el cercano Pabellón cubierto que pronto se convirtió en una jaula de locos,
cuando después de una hora Alejandro Sanz apareció sobre una silla con el brazo
en cabestrillo, que poco duro porque inmediatamente se lo quitó, al igual que
la camisa y quedándose en camiseta agarró una guitarra y se arranco por
bulerías.
Aquello fue la apoteosis final. Las jovencitas, pese a ello,
se fueron llorosamente felices a sus casas, habían visto más cerca que nunca e
incluso habían tocado a su joven ídolo. A-le-jan-dro se les había aparecido en carne y hueso y es que a
una fuerza de la naturaleza, como el huracán que llegó de repente a Daimiel,
solo lo para eso, otra fuerza de la naturaleza como fue Alejandro Sanz aquella
noche en Daimiel.
Por cierto que este titular de la revista es cuanto menos muy exagerado, os lo digo yo que fui testigo de todo y en ningun momento corrió peligro su vida, ja,ja,ja bueno que me enrollo, os
dejo con el “corazón partió”y ya sabéis tiritas ja,j,aja…que paséis un buen día.
Braulio Molina López
Tiritas pa este corazón partío.
Tiritas pa este corazón partío.
Tiritas pa este corazón partío.
Ya lo ves, que no hay dos sin tres,
que la vida va y viene y que no se detiene...
Y, qué sé yo,
pero miénteme aunque sea, dime que algo queda
entre nosotros dos, que en tu habitación
nunca sale el sol, ni existe el tiempo,
ni el dolor.
Llévame si quieres a perder,
a ningún destino, sin ningún por qué.
Ya lo sé, que corazón que no ve
es corazón que no siente,
o corazón que te miente amor.
Pero, sabes que en lo más profundo de mi alma
sigue aquel dolor por creer en ti
¿qué fue de la ilusión y de lo bello que es vivir?
Para qué me curaste cuando estaba herío
si hoy me dejas de nuevo con el corazón partío.
¿Quién me va a entregar sus emociones?
¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?
¿Quién me tapará esta noche si hace frío?
¿Quién me va a curar el corazón partío?
¿Quién llenará de primaveras este enero,
y bajará la luna para que juguemos?
Dime, si tú te vas, dime cariño mío,
¿quién me va a curar el corazón partío?
Tiritas pa este corazón partío.
Tiritas pa este corazón partío.
Dar solamente aquello que te sobra
nunca fue compartir, sino dar limosna, amor.
Si no lo sabes tú, te lo digo yo.
Después de la tormenta siempre llega la calma.
pero, sé que después de ti,
después de ti no hay nada.
Para qué me curaste cuando estaba herío
si hoy me dejas de nuevo con el corazón partío.
¿Quién me va a entregar sus emociones?
¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?
¿Quién me tapará esta noche si hace frío?
¿Quién me va a curar el corazón partío?
¿Quién llenará de primaveras este enero,
y bajará la luna para que juguemos?
Dime, si tú te vas, dime cariño mío,
¿quién me va a curar el corazón partío?
¿Quién me va a entregar sus emociones?
¿Quién me va a pedir que nunca le abandone?
¿Quién me tapará esta noche si hace frío?
¿Quién me va a curar el corazón partío?
¿Quién llenará de primaveras este enero,
y bajará la luna para que juguemos?
Dime, si tú te vas, dime cariño mío,
¿quién me va a curar el corazón partío?
¿Quién me va a entregar ...
Al Stewart - Year Of The Cat (1976)
La canción se caracteriza por sus largas secciones instrumentales; de hecho, en la versión del álbum, de 6'40", más de cuatro minutos de la canción se dedican a temas instrumentales, incluyendo un solo de piano, guitarra acústica, guitarra eléctrica distorsionada y saxofón.
Esta canción fue escrita por el cantante y compositor Al Stewart; el álbum se grabó en Abbey Road Studios, Londres, en enero de 1976 por el ingeniero de sonido y músico inglés Alan Parsons, y se publicó en julio de 1976.
Al Stewart nos ofrece una de sus
mejores composiciones pop con rasgos folk, basada en una glamurosa expresión
vocal y asentada sobre una melodía que nos seduce desde la primera vez que
escuchamos el piano y que acaba de enamorarnos con su solo de saxo. En cierta
forma nos recuerda a ‘Baker street’ de Gerry Rafferty.
No es jazz, ni power ballad, ni
blues, ni pop, ni rock. Es ‘Year of the cat’, una mezcla de instrumentos
genial. Unos van cediendo protagonismo a los otros de una manera absolutamente
enlazada.
Nos habla del amor que
experimenta en el año del gato de la astrología vietnamita, el año sin estrés y
relajado que se da cada doce primaveras. Es la historia de una hippie que
enamora a un turista tras compartir una noche apasionada. A él le lleva a
perder el transporte mediante el cual debía regresar a casa.
Stewart dijo en una entrevista
que: "Él (Tony Hancock) se paró en el escenario y dijo:" No quiero
estar aquí. Estoy totalmente decepcionado con mi vida. Soy un perdedor total,
aunque suene estúpido. No sé por que acepte venir para acá". Luego de esas
palabras todos se rieron, ya que creian que era un nuevo personaje que había
inventado... pero en realidad no estaba mintiendo. Me puse a mirarlo y me di
cuanta que todo era real".
Luego de ese triste y deprimente
espectaculo del comediante, Al Stewart escribió parte de la letra en honor a
ese valiente actor que dejó su alma en el escenario y nadie le creyó. La
canción fue titulada "Foot Of The Stage" y contenía una frase muy
significativa en honor al famoso comendiante inglés, "Your tears fall down
like rain at the foot of the stage" (en español es algo como "Tus
lágrimas caen como lluvia sobre el escenario").
Pero en 1968 todo cambió para la
historia de esta canción. Mientras hacía unos espectáculos en Sydney, una
mezcla de pastilllas para dormir y alcohol mataron a Harcock. Al saber esa
lamentable noticia, Al Steward cambió de planes y decidió no publicar la
canción, ya que no queria aprovecharse de la tragedia del humorista para vender
su música. Asi que conservó la música y se dispuso a escribir una nueva letra
para entregarle a su productor Alan Parson antes que edite el disco que estaban
grabando.
TRADUCCION
Una mañana de una película de Bogart
en un país donde van para atrás en el tiempo
vas paseando por una multitud como Peter Lorre
contemplando un crimen
Ella sale del sol con un vestido de seda, corriendo
como una acuarela bajo la lluvia
no te molestes en pedir explicaciones
ella sólo te dirá que vino
en el año del gato
No te da tiempo para preguntas
mientras entrecruzas tu brazo con el suyo
y sigues hasta que tu sentido de la dirección
desaparece por completo
Al lado de los muros de azulejo azul cerca de los puestos del mercadillo
hay una puerta escondida a la que te dirige
estos días, dice, siento mi vida
igual que un río que fluye a través
del año del gato
Te mira con tanta frialdad
y sus ojos brillan como la Luna sobre el mar
viene con incienso y esencia de pachulí
así que te las llevas para descubrir lo que te espera dentro
el año del gato
Pues llega la mañana y aún estás con ella
y el autobús y los turistas se han ido
y has perdido tu billete
así que no te puedes subir
Pero los rastros de los latidos del tambor de la noche aún permanecen
en el ritmo del día recién nacido
sabes que en algún momento seguro la vas a dejar
pero por ahora te vas a quedar
en el año del gato
VERSIONES
Serge Gainsbourg & Jane Birkin - Je t'aime... moi non plus (Fontana 1969)
Hola a tod@s si tuviera que decantarme
por un exponente revolucionario de finales de los sesenta, respecto de la
música, sin duda con este tema creo haber elegido bien. Je t'aime... moi non
plus (Yo te amo... yo tampoco" en español) fue todo un escándalo internacional,
ja, ja,ja, si han oído bien un escándalo internacional ja, ja,ja, ja.
No puedo entender como algo así
originó un escándalo en el panorama internacional hasta el punto de ser
condenada por algunas instituciones. No es por decir una y otra vez te amo,
sino la manera sugerente en que se expresa ese sentimiento.
En una sociedad que se esconde para hacer el amor pero que práctica la guerra de forma abierta e impune y a la luz de todos, algo falla, no creen? que algo falla.
Que la disfruten
Braulio Molina López
Es considerada como «La máxima
canción de amor», debido a su letra y a los intérpretes de ésta.
La canción fue grabada
originariamente en 1968 por Serge Gainsbourg y su amante de entonces, Brigitte
Bardot. La instrumentación se inspiraba claramente en el reciente éxito "A
Whiter Shade of Pale" del grupo Procol Harum (retitulado en España como
"Con su blanca palidez") y esta grabación corrió a cargo de Michel
Colombier, un músico de larga trayectoria quien décadas después sería
contratado por Madonna para su álbum Music y para "Die Another Day",
canción para la saga de James Bond.
La grabación de Gainsbourg y
Bardot se radió muy pocas veces, causando un gran escándalo, y Bardot le pidió
a Gainsbourg que no la lanzase en disco, lo que Gainsbourg aceptó. La
explicación oficial afirmaba que el disco no se publicó por la oposición del
marido de Bardot, Gunter Sachs, lo que resulta extraño teniendo en cuenta que
era un conocido magnate de Playboy. Más bien se cree que Sachs intuía que su
esposa y Gainsbourg tenían una aventura, y Bardot procuró evitar el conflicto.
La grabación de Gainsbourg con Brigitte Bardot sería publicada en 1986, con la
aprobación de la actriz y para recaudar dinero con fines benéficos.
En ese mismo año 1968, Gainsbourg
conoció a la actriz inglesa Jane Birkin y se enamoró de ella. Ambos grabaron
una nueva versión de la canción, que fue lanzada en 1969.
Una noche a finales de 1968,
Serge Gainsbourg irrumpió en el hotel parisino en el que vivía con Jane Birkin.
Fue hasta el restaurante y le pidió al pianista que reprodujera el acetato que
llevaba consigo. El hombre siguió sus instrucciones. Un momento después, una
canción se apoderó del restaurante, dejando atónitos a todos y cada uno de los
comensales, que no daban crédito a lo que estaban escuchando: una opulenta
balada de amor de aire casi religioso, surcada por jadeos orgásmicos. Cuando
vio aquellas caras, Gainsbourg supo que Je t’aime... moi non plus iba a ser un
éxito. No estaba equivocado, aunque a decir verdad, la canción estaba destinada
a convertirse en mucho más que un superventas.
Jane Birkin llegó a París en
pleno Mayo del 68 para rodar una película llamada Slogan. Nacida en Inglaterra
hija de una actriz y un espía, a sus 20 años ya tenía en su haber películas con
Richard Lester y junto a Warren Beatty. La popularidad le había llegado al
intervenir en Blow- Up y convertirse, bajo las órdenes de Antonioni, en la
primera intérprete con desnudo frontal en una película comercial. Su pareja
coprotagonista en Slogan era Gainsbourg, con el que le costó conectar. Él había
pedido a Marisa Berenson para el papel, y aquella jovencita contratada en su
lugar ni siquiera sabía francés. El rodaje fue tumultuoso a causa de las
revueltas callejeras que recorrían la ciudad. Cuando el Porsche del director
ardió en la calle, se decidió que lo más seguro era devolver a Birkin a
Londres. Ella se marchó sabiendo que volvería solo por seguir viendo a
Gainsbourg.
Tras la ruptura con la Bardot,
Gainsbourg había estado ligando con toda mujer que se le puso por delante. Para
sacarse la espina, quería volver a grabar Je t’aime… Se lo propuso a Mireille
Darc y a Marianne Faithfull, pero ambas se negaron. “Era increíblemente
atractivo –contaría Faithfull en 2001-. Un feo muy bello. Extremadamente
arrogante y muy sexual.
Era esa clase de hombre que una
sabía que, si se acostaba con él, iba a salir de la habitación bien
complacida. No sé bien por qué rechacé
cantar la canción. Digamos que, para mi
vergüenza, fue porque mi romance con Mick Jagger estaba empezando y aquello no
le habría gustado”. Cuando Birkin regresó a París, se lo propuso a ella. Al
principio se negó porque la versión original le parecía inmejorable. Gainsbourg
la llevó a cenar a Régine’s, al club Rasputín, la paseó por el París más golfo.
Vieron amanecer en un mercado, repartiendo champán a los carniceros que abrían
los puestos. Finalmente, Birkin accedió. Él tenía 40 años y ella 22.
Información: Wikipedia, estoesnadaespecial.blogspot.com y la chansonblogspot.com.
Información: Wikipedia, estoesnadaespecial.blogspot.com y la chansonblogspot.com.
Te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
oh amor mío
Como la ola irresoluta
voy, voy y
vengo
entre tus
caderas
voy y vengo
entre tus
caderas
y me retengo
Te amo, te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
Oh amor mío
Tú eres la
ola, yo la isla desnuda
vas, vas y
vienes
entre mis
caderas
vas y vienes
entre mis
caderas
y yo me uno a
ti
Te amo, te amo
oh sí, te amo
Yo tampoco
Oh amor mío
El amor físico
es sin salida
voy, voy y
vengo
entre mis
caderas
voy y vengo
me retengo
¡No! Ahora,
ven
Madonna ~ Je T'aime Moi Non Plus (Live at Paris Olympia)
The beatles-Let it be (1970)
Hola de nuevo.
Nueva entrega de aquellas
canciones que han hecho historia y en esta ocasión quiero centrarme en los
chicos de Liverpol, si lo has deducido hablo de The Beatles.
A estas alturas nadie duda que la
banda británica de rock supuso una revolución no sólo musical sino también
cultural. La llamada beatlemania se origino como sabemos en el Reino Unido
consiguiendo hacer una leyenda legendaria
que marcaria un antes y un después en el panorama musical internacional.
Fue allá por 1963 cuando llegaría
el primer auge de la banda y un creciente interés de la prensa por la formación
que se tradujo en múltiples shows televisivos, entrevistas, reportajes, y
sesiones de grabación en estudio. Y es que gracias a sus originales
actuaciones, consiguieron la admiración de una gran numero de jóvenes, marcando
así una nueva era en la historia de la música popular.
Respecto de España, podríamos
decir sin lugar a equivocarnos que esa revolución nos llegó por los pelos. El 1
de julio de 1965, a las 17.40 horas, llegaron a un País, el nuestro, que se
encontraba sumido en una encrucijada. Ajenos por completo a toda esta
situación, los Beatles bajaron las escalerillas del avión y saludaron a los
jóvenes que, de forma sorprendente, consiguieron colarse en el aeropuerto. Como
contraste a la revolución musical que representaban decir que la prensa de
nuestro país se mostró más bien esquiva y hostil a la visita.
La canción que ahora les propongo
consiguió estar entre las primeras de las mil mejores canciones de toda la
historia de la música, por algo será.
McCartney dijo que escribió
"Let It Be" tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para
la grabación del album Get Back. McCartney explicó que su madre había fallecido
cuando él tenía 14 años, a la que se refiere la letra. Posteriormente McCartney
declaró: Me encantó volver a conversar con mi madre. Me sentí bendecido por
tener ese sueño. Eso me hizo escribir 'Let It Be'.
Bueno que me enrollo os dejos en
“Daimiel Directo” con la canción, ja, ja, ja. y aunque no vamos a descubrir nada
nuevo, seguro que a más de uno le gustará recordarla e incluso le emocionará y
como diría McCartney, que así sea.
Un saludo y que no falte la
música.
Braulio Molina López
En el momento en que el disco se
estaba desarrollando en el estudio, se proyectaba que el título fuese Get Back,
motivo por el cual este tema fue interpretado en el famoso concierto en la
azotea de Apple Records, pero finalmente el trabajo fue pospuesto hasta 1970,
momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, a
quien se había encargado la producción por deseo de John Lennon. Fue en ese
momento cuando los Beatles decidieron que el disco se llamaría Let It Be, ya
que las canciones quedaron con un toque "majestuoso", y no
"crudo", tal y como esperaba Paul McCartney, debido a la
incorporación de arreglos orquestales en algunos de los temas, y la mayor
preponderancia dada a los coros y otros arreglos en detrimento de la batería,
en aplicación de algunas de las técnicas popularizadas por Spector, y conocidas
como wall of sound.
McCartney dijo que escribió
"Let It Be" tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para
la grabación del album Get Back. McCartney explicó que su madre había fallecido
cuando él tenía 14 años, a la que se refiere la letra.
El máster fue grabado el 31 de
enero de 1969, como parte del proyecto Get Back Album, con McCartney al piano
(un Blüthner Flügel), Lennon al bajo, Billy Preston al órgano, George Harrison
a la guitarra y Ringo Starr a la batería.9 La voz principal de McCartney fue
acompañada por Lennon y Harrison, como se podía ver en el documental. El máster
incluía un solo de guitarra de Harrison que podía ser escuchado en el
documental Let It Be.
El 30 de abril de 1969, Harrison
realizó arreglos sobre un nuevo solo de guitarra.10 Harrison volvió a arreglar
otro solo el 4 de enero de 1970 y, aunque tienen similitudes estilísticas, este
solo pudo haber sido interpretado por McCartney. El primer solo fue utilizado
para la versión del sencillo, y el segundo para el álbum. Algunos seguidores
creen erróneamente que existían dos versiones de la pista básica, basadas en
los diferentes solos, pero también en arreglos y mezclas.
La recepción de la canción por
parte de la crítica fue muy positiva.23 La Allmusic dice que es una de las
baladas más populares y bonitas de los Beatles.24 Ian MacDonald disiente de la
opinión general y cree que la canción ha alcanzado una fama superior a su valor
musical y que era como "Hey Jude", pero sin la emoción de ésta.25
John Lennon también hizo observaciones sobre "Let It Be"; de hecho,
antes de una sesión de grabación el 31 de enero de 1969, preguntó: "¿Se
supone que debemos reírnos en el solo?".
Cuando me encuentro en momentos difíciles,
la Virgen María se me aparece,
diciendo palabras sabias:
déjalo estar (déjalo ser, déjalo así, no trates de cambiarlo)
Y en mi hora de oscuridad,
se queda justo delante de mí,
diciendo palabras sabias:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
susurras palabras sabias:
déjalo estar.
Y cuando las personas con el corazón roto,
que viven en el mundo estén de acuerdo,
habrá una respuesta:
déjalo estar.
Aunque puedan estar separados,
aún hay una oportunidad de que lo entiendan,
habrá una respuesta:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
sí, habrá una respuesta:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
susurras palabras sabias:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
susurras palabras sabias:
déjalo estar.
Y cuando la noche está nublada,
todavía hay una luz, que brilla sobre mí,
brilla hasta mañana:
déjalo estar.
Me despierto con el sonido de la música,
la Virgen María se me aparece,
diciendo palabras sabias:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
oh, habrá una respuesta:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
oh, habrá una respuesta:
déjalo estar.
Déjalo estar, déjalo estar,
déjalo estar, déjalo estar,
susurras palabras sabias:
déjalo estar.
Información Wikipedia
VERSIONES
Chicago-
If You Leave Me Now (1977)
Mas “Canciones con historia”: El amor pero también eldesamor han sido auténticos protagonistas a la hora de escribir y componer canciones. Tan real como la vida misma. La canción
que ahora os propongo tiene importantes connotaciones y sin duda grandes recuerdos para mucha gente, para
algunos dulces y para otros no tan gratos, pero de cualquier forma recuerdos y añoranzas. Otros se verán
reflejados en la historia que nos cuenta las canción. Una buena
historia, una buena canción. Una buena forma de sentir que estás vivo.
¿Bailas?,
ja, ja, ja; esta sin duda era una de las preguntas mas populares en
las pistas de baile de las discotecas de los años 70´s y principios de
los 80´s, y es que el “lento”, que era como le llamaban, era uno de
los momentos mas explosivos y esperados de la noche.
Música
para bailar en pareja, y bien agarrados, ja,ja, ja; se apagaban las luces y quedaba una luz muy tenue
de color tristón en la que apenas te veías.
Ja,ja,ja
generalmente cuando empezaba el “lento” las chicas se sentaban y
los chicos extendían su mirada a lo largo del recinto para centrar su atención sobre una determinada chica. “¿bailas?, ja,ja, ja. (Que
Dios reparta suerte, pensaba yo por aquellos entonces).
Sin
duda mucha gente se habrá enamorado bailando y escuchando al canción
que nos disponemos a escuchar a continuación; la cantaba Chicago y su titulo era “If
You Leave Me Now” (si me dejas ahora en español).
Toda
una tragedia. La letra nos habla de la tristeza que siente el
protagonista cuando entiende que la chica se ha ido y que se llevó
lo mas importante de su vida: su corazón y el amor que sentía por
ella. Se esfuerza para decirle que será imposible encontrar otro
amor como el suyo y que ahora que lo tiene no puede dejarlo marchar: Pues nada, a joderse toca, ja,a, ja.
-
“Si tu me dejas ahora te llevarás la parte más importante de mí,
Oooh no, nena por favor no te vayas.”-
Respecto
de la música y la historia que nos cuenta están, en mi
opinión, mas que logradas, un enternecedor ritmo acorde con la
historia que nos propone y una mezcla de ritmos y armónicos que
pasan por el arranque de la trompeta, el trombón y la guitarra
acústica, sin olvidar unos toques de triangulo para dejar paso a la
voz y la incorporación del resto de instrumentos.
En definitiva una obra maestra de las que siempre queda la añoranza y el recuerdo de otros tiempos.
En definitiva una obra maestra de las que siempre queda la añoranza y el recuerdo de otros tiempos.
Por
cierto, ¿erais algun@s de los que
bailabais?. Yo no tuve nunca problemas en ese sentido, porque no me gustaba bailar, Ja,ja,ja. Que tengáis un buen día y un saludo desde Castilla La Mancha.
Braulio
Molina López
If
You Leave Me Now" es una famosa balada del grupo Chicago
incluida en el album Chicago X. La escribió Peter Cetera, quién
también la cantó.
El
sencillo encabezó las listas estadounidenses el 23 de octubre de
1976, donde se mantuvo durante dos semanas, convirtiéndolo en el
primer número uno de la banda, además de alcanzar también el
número uno en las listas Easy Listening.1 También llegó al primer
lugar de las listas en el Reino Unido, el 13 de noviembre de 1976,
manteniendo esa posición por tres semanas.
If
You Leave Me Now» consiguió además ser la canción más
representativa de la banda alrededor del mundo, después de encabezar
las listas de otros países, como Australia y Bretaña. Ganó los
premios Grammy por el mejor arreglo instrumental con acompañamiento
vocal y por la mejor interpretación pop por un dúo o grupo con
vocales.
Información Wikipedia
Si
tú me dejas ahora
te
llevarás la parte más importante de mí
Oooh
no, nena por favor no te vayas
Y
si tú me dejas ahora
te
llevarás el mismo corazón (centro) de mí
Oooh
no, nena por favor no te vayas
Oooh
nena, yo sólo quiero que tú te quedes
Un
amor como el nuestro es un amor difícil de encontrar
¿Cómo
podemos dejarlo ir?
Hemos
venido desde demasiado lejos para dejar todo atrás
¿Cómo
podemos terminarlo de esta forma?
Cuando
el mañana venga y ambos nos sentiremos mal
por
las cosas que dijimos hoy
Un
amor como el nuestro es un amor difícil de encontrar
¿Cómo
podemos dejarlo ir?
Hemos
venido desde demasiado lejos para dejar todo atrás
¿Cómo
podemos terminarlo de esta forma?
Cuando
el mañana venga y ambos nos sentiremos mal
por
las cosas que dijimos hoy
Si
tú me dejas ahora
te
llevarás la parte más importante de mí
Oooh
no, nena por favor no te vayas
Ooo
muñeca, simplemente tengo que tenerte a mi lado
Oooh
no, nena por favor no te vayas
Oooh
, mama, simplemente tengo que tener tu amor
VERSIONES
Billy Joel - Piano Man (1973 )
Hola a tod@s, nueva entrega de "canciones con historia".
Si tuviera que definir la canción que ahora os propongo me atrevería a
calificarla como de poesía nocturna, llena de sentimientos y melancolía, y
antes de mi breve reflexión permitirme que recuerde un antiguo refrán que dice:
“mal de muchos, consuelo de tontos”.
Si me preguntaran cuantas veces
he hecho sonar esta canción en antena en mis 17 años de carrera radiofónica en
Radio Daimiel, la respuesta sería que no lo sé, pero que muchas, y es que
cuando uno programa música públicamente para mucha gente se intenta llegar a
todos los gustos, pero no nos engañemos, las preferencias del locutor y
ejecutante del programa sin duda se dejan notar sobre la programación y mucho a
la hora de escuchar canciones en la radio.
En esta línea os confieso seis
años después de abandonar mi pasión por la radio un truco que yo utilizaba y que consistía en
decir en antena que me la había pedido algún oyente, ese era mi pretexto para
poner algo que a mí me gustaba. Espero que sepáis perdonarme.
Hay canciones que se perciben de
forma especial como este hombre del piano que cantaba un señor llamado Billy
Joel y que nos contaba la historia de un pianista de un frustrado bar.
La historia se inspira en los protagonistas del bar, desde el camarero al pianista y hasta los propios clientes, un sinfín de historias y vivencias que se dan cita en las largas noches invernales y el centro de la historia radica en que todos estos personajes tienen en común "sus sueños no realizados" y el pianista les ayuda a que se olviden de la vida por un rato con sus canciones para que pasen un momento grato.
La historia se inspira en los protagonistas del bar, desde el camarero al pianista y hasta los propios clientes, un sinfín de historias y vivencias que se dan cita en las largas noches invernales y el centro de la historia radica en que todos estos personajes tienen en común "sus sueños no realizados" y el pianista les ayuda a que se olviden de la vida por un rato con sus canciones para que pasen un momento grato.
“Toca otra vez viejo perdedor,
haces que me siente bien. Es tan triste la noche que tu canción sabe a derrota
y a miel”.
Antes de escucharla decir también
que los clientes que visitaban el bar para ahogar sus penas en alcohol no solo
disfrutaban de la música que nacía de las teclas blancas y negras que los dedos
de Joel pulsaban, sino que le animaban a escapar de aquel lugar de perdedores
para convertirse en un músico profesional.
Tampoco debo ni quiero olvidarme
de uno de los camareros, de nombre John, que soñaba con ser actor, pero al no
conseguirlo encaja perfectamente en el contenido que nos propone la canción.
En España fue Víctor Manuel quien
la adaptó al castellano para la voz de Ana Belén en una adaptación muy acertada
desde mi punto de vista y que nos llegó como una voz caída del cielo.
Que durante seis minutos el alcohol y la música os lleve a vuestro mundo deseado, aunque solo sea en sueños. "Esta el la historia de un sábado, de no importa que mes y de un hombre sentado a un piano, de no importa que viejo café".
Seguro estoy que mas de uno os habéis sentido alguna vez como el hombre del piano, tranquilos yo también, y pensar que mientras tengamos música y alcohol seguiremos haciendo frente al arte de vivir, ja,ja, ja.
Que la disfrutéis y tengáis un buen día y gracias por seguirme.
Seguro estoy que mas de uno os habéis sentido alguna vez como el hombre del piano, tranquilos yo también, y pensar que mientras tengamos música y alcohol seguiremos haciendo frente al arte de vivir, ja,ja, ja.
Que la disfrutéis y tengáis un buen día y gracias por seguirme.
Braulio molina López
«Piano Man» es una canción
interpretada por el cantante estadounidense Billy Joel. Fue lanzada en 1973
como el primer sencillo de su álbum Piano Man. La canción narra de forma
ficticia la vida de Joel después del fracaso de su primer álbum Cold Spring
Harbor. Joel trabaja como pianista en un bar y conoce a varios personas quienes
comparten con él sus fracasos.
Cuando fue lanzada en 1973, el
single cayó rápidamente del top 10 de Billboard y aparecía muy raramente en las
radios americanas durante los siguientes 3 ó 4 años. Sin embargo, después del
lanzamiento del álbum "The Stranger" en 1977 y el ascenso de Joel, la
canción se convirtió en una de sus más populares, y fue entonces cuando conoció
la fama. La canción es además la que más se pide en los conciertos de Joel, en
la que suele dejar al público participar como coro. Generalmente suele ser la
canción con la que acaba el concierto.
Esta es la historia
de un sábado
de no importa que mes
Toca otra vez viejo
perdedor
Cada vez que el
espejo de la pared
Ella siempre temió
echar raíces
Toca otra vez viejo
perdedor
El micrófono huele a
cerveza
y el calor se podría
cortar
Hay un hombre
aferrado a un piano
Toca otra vez viejo
perdedor
Jackson Browne - Stay (1977)
El micrófono huele a cerveza
Jackson Browne - Stay (1977)
Dicen los analistas musicales
que, entre otros factores, la calidad y el éxito de una canción se mide por las
veces que es versionada por otros artistas o por los discos que vende y lo
cierto es que tienen parte de razón, ya que lo bueno tiende a repetirse, aunque
por otra parte hay un dicho que dice que segundas partes nunca fueron buenas,
aunque yo entiendo que de todo habrá.
Cuentos bellos recuerdos nos
evoca la música; nos puede producir felicidad, pero a la vez tristeza o alegría
e incluso a veces buscamos en ella una realidad que solo existe en nuestros
anhelos y fantasías porque la música
tiene el poder de transmitir aquello que no es posible simplemente con palabras.
En esta nueva entrega de “Canciones con historia” quiero recordar un
éxito como fue “Stay” (quédate, en español) que popularizó Jackson Browne allá
por 1977 aunque para hacer honor a la verdad hay que decir que su autor fue Maurice
Williams que la compuso en el año 1953, cuando contaba con tan solo doce años
de edad.
Es este otro de los temas
entrañables que se pinchaban en vinilo en las discotecas y que servían de
transición para pasar de la música más movida a la más lenta a la vez que las
luces bajaban de intensidad y la mayoría de gentes hacían una espantada desde
la pista de baile.
Recuerdo escucharla en algunas
discotecas de Daimiel y Madrid y a pesar de tener una letra “tontona” en mi
opinión, sin embargo reconozco que me gustaba sobre todo por el tono que tenia
y la confidencialidad con que era cantada. En fin sobre gustos ya sabes, nada
escrito, pero por la presencia e impacto que tuvo en la juventud de entonces
entiendo que merece su lugar en este apartado de mi blog.
Por último decir que la versión
original de “Stay” es la más corta que llegó a lo más alto de las listas americanas
con tan solo 1 minuto y 37 segundos de duración, y aunque
nuestra propuesta versa aquí de la versión de Jackson Browne, también os
dejaré al final el enlace de youtube de la versión original de 1953.
Que tengáis un buen día y que
nunca os falte la música.
Braulio Molina López
En 1960, Maurice Williams y The
Zodiacs tocaron la canción en una demostración, The Zodiacs, pero no atrajo
interés hasta que un niño de diez años de edad la escuchó e impresionó a los
miembros de la banda con su reacción positiva a la melodía.
Al Silvers de Herald Records se
interesó, pero insistió en que la canción se volviese a grabar porque los
niveles de los registros del demo eran demasiado bajos. También dijo que una
línea: "Vamos a tener otro humo" tendría que ser removido para que la
canción sonara en la radio comercial.
Después que el grupo grabó la canción de
nuevo, fue lanzado por Herald Records y fue recogido por CKLW. Entró en el
Billboard Hot 100 de Estados Unidos el 9 de octubre de 1960 y alcanzó el puesto
número uno el 21 de noviembre de 1960. Fue desalojado de una semana después por
Elvis Presley '"Are You Lonesome Tonight?" (¿Te sientes solitaria
esta noche?).
La grabación original de
"Stay" sigue siendo el sencillo más corto en llegar a la cima de las
listas musicales estadounidenses, siendo sólo 1 minuto y 37 segundos. En 1990,
había vendido más de 8 millones de copias.[cita requerida]
Recibió un nuevo impulso de
popularidad después de aparecer en la banda sonora de Dirty Dancing.
La gente se queda un poco más
Queremos jugar - sólo un poco más
Ahora el promotor no les importa
Y el sindicato no les importa
Si tomamos un poco de tiempo
Y dejamos todo atrás y cantar
Una canción más
Clyde Jackson Browne es un cantautor y músico estadounidense que ha
vendido más de 18 millones de discos solamente en EE.UU.
Saltó a la fama en los años
setenta. Browne ha escrito y
grabado canciones como These Days, The Pretender, Running on Empty, For
Everyman, Lawyers in Love, I’m Alive, Somebody's Baby, Take it Easy y Sky Blue
and Black. En 2004 se le nombró miembro del Rock and Roll Hall of Fame
en Cleveland, Ohio, y también fue nombrado Doctor Honorario de Música por el
Occidental College de Los Ángeles, California.
(Información Wikipedia)
Nacha Pop - La chica de Ayer (1980)
Hola a tod@s:
En mi paseo por las "canciones con historia" quiero detenerme a continuación en un año muy especial
para la música en mi País, para quien no lo sepa soy español, ja, ja,ja.
Entre las muchas canciones que
nos brindó la llamada “movida madrileña” sin duda destacó este tema que ahora
os propongo y que perfectamente podría tratarse del himno de aquellos tiempos,
me refiero a “la chica de ayer” con la que Nacha Pop llegaría a ser conocido
internacionalmente.
Pero quienes eran los Nacho Pop?, pues bien queridos amig@s se trata de una formación de cuatro chavales de clase media que merodeaban por las tiendas de discos del Madrid de finales de los años setenta.
Enseguida os hablo de la canción, pero antes permitirme que para ponernos en situación echemos un vistazo al panorama musical español en aquel año.
Pero quienes eran los Nacho Pop?, pues bien queridos amig@s se trata de una formación de cuatro chavales de clase media que merodeaban por las tiendas de discos del Madrid de finales de los años setenta.
Enseguida os hablo de la canción, pero antes permitirme que para ponernos en situación echemos un vistazo al panorama musical español en aquel año.
El año 1980 representa una de las
mejores cosechas de la música española del siglo XX. Aquel año llegaron tres
canciones emblemáticas de “la movida”, me refiero a “Dejame” y “Chica de Ayer”
entre las mas nostálgicas y “Enamorado de la moda juvenil” entre las que mejor
saludaron festivamente ese nuevo espíritu de libertad que afortunadamente vivíamos.
Aparecieron nuevos talentos como
el de Luz subida "al ascensor" o los llamados "Mamá " con sus "chicas de colegio" o el
informal “Mari Pili” que nos cantaban los ejecutivos Agresivos.
Aquel año de 1980 también tuvo un
toque andaluz con los Medina Azahara y Guadalquivir, un toque bohemio con la “Calle
Melancolía”, donde los tranvías siempre se pierden y también asistimos a un rock
and roll de primera, mezclado con unas gotas de Tequila.
Pues bien, puestos ya en
situación he de decir que en aquel año 80 yo contaba con 17 años y que por
entonces ya vivía la música de una forma intensa, o al menos eso era lo que yo sentía, años después tuve la suerte
de vivir en primer plano gran parte de la “movida madrileña” en la capital de
España, algo que sin duda condicionó para siempre mi manera de sentir y
entender la música.
Recuerdo los paseos por el centro
de Madrid buscando “garitos” donde disfrutar de la música, escuchar a los músicos
callejeros tocar o mis tardes-noches en
el Café Central para asistir a buenos e importantes conciertos de Jazz.
En fin en mi forma de entender las cosas y siempre según mi opinión, aquellos años fueron los mejores para la música de nuestro País, y también para mi o al menos yo lo veo así.
En fin en mi forma de entender las cosas y siempre según mi opinión, aquellos años fueron los mejores para la música de nuestro País, y también para mi o al menos yo lo veo así.
Bueno que no me quiero enrollar,
tan solo decir que esta canción que ahora os propongo fue para mí muy
importante con el deseo de que cada un@ viva la música como quiera o pueda.
Cierro los ojos y me sitúo en 1984, tomando una cerveza con algunos años menos, ja,ja, ja, y como no escuchando la chica de ayer. "me somo a la ventana eres la chica de ayer, jugando con las flores en mi jardin....", bueno bueno mejor escuchamos a los Nacha Pop ya que como diría mi amigo Sibe: "guena, guena música" ja, ja, ja. Que tengáis un buen día.
Braulio Molina López
Chica de ayer es una de las
canciones emblemáticas del pop rock de la década de 1980 en España. Suele
considerarse que pertenece a la llamada movida madrileña.
Escrita por Antonio Vega en 1977
mientras cumplía el servicio militar obligatorio en Valencia, fue incluida en
el primer álbum (de título homónimo) de Nacha Pop en 1980. Se publicó, además,
como sencillo, con Nadie puede parar como cara B. La producción corrió a cargo
de Teddy Bautista.
Se trata de un tema generalmente
considerado uno de los favoritos de la música pop española.
Comienza con unas notas de bajo.
La guitarra acústica acompaña el tema a lo largo de toda su duración.
La canción se ha convertido en
símbolo de los cambios acaecidos en la sociedad española en aquel momento. Como
consecuencia del histórico momento en el que fue creada y con el paso del
tiempo, La chica de ayer se ha convertido en un recuerdo romántico para los que
vivieron aquella época.
Los propios Nacha Pop versionaron
la canción para su recopilatorio 80/88. Además, otros muchos artistas han hecho
versiones de esta canción, entre ellos Undershakers, Enrique Iglesias, Germán
Coppini (en el recopilatorio dedicado a Vega ... Ese chico triste y solitario)
o El Canto Del Loco, realizando una de las versiones más famosas,
introduciéndola en su disco de rarezas Arriba el Telón.
También el grupo estadounidense
Gigolo Aunts interpretó el tema, adaptando su letra al inglés con el título The
Girl from Yesterday. Por su parte, Alberto Comesaña interpretaba el tema en el
musical Escuela de calor (2013). En 2016 fue versionada por Antonio Carmona
para el espacio de televisión A mi manera.
En 1992 el crítico L. Gallero
realizó una encuesta entre profesionales del mundo del disco para su libro Solo
se vive una vez. Esplendor y ruina de la movida madrileña, en la que el tema
fue elegido canción favorita de la movida madrileña.
El tema ha sido calificado por la
revista Rolling Stone en el número 2 de las 200 mejores canciones del pop rock
en español, según el ranking publicado en 2010.1
La letra menciona un conocido
local de ocio madrileño, desde entonces identificado con la canción: El Penta
Un día cualquiera no sabes qué hora es
Te acuestas a mi lado sin saber porqué
Las calles mojadas te han visto crecer
Y con tu corazón estás llorando otra vez.
Me asomo a la ventana eres la chica de ayer
Jugando con las flores, en mi jardín
Demasiado tarde para comprender,
chica, vete a tu casa, no podemos jugar.
La luz de la mañana entra en la habitación,
tus cabellos dorados parecen el sol.
Luego por la noche al Penta a escuchar
canciones que consiguen que te pueda amar.
Me asomo a la ventana, eres la chica de ayer.
Demasiado tarde para comprender.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote
Mi c a – c a – c a – c a -cabeza da vueltas persiguiéndote.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote.
Te acuestas a mi lado sin saber porqué
Las calles mojadas te han visto crecer
Y con tu corazón estás llorando otra vez.
Me asomo a la ventana eres la chica de ayer
Jugando con las flores, en mi jardín
Demasiado tarde para comprender,
chica, vete a tu casa, no podemos jugar.
La luz de la mañana entra en la habitación,
tus cabellos dorados parecen el sol.
Luego por la noche al Penta a escuchar
canciones que consiguen que te pueda amar.
Me asomo a la ventana, eres la chica de ayer.
Demasiado tarde para comprender.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote
Mi c a – c a – c a – c a -cabeza da vueltas persiguiéndote.
Mi cabeza da vueltas persiguiéndote.
Información de la canción de Wikipedia.
Leonard
Cohen - Dance me to the end of love
Hola a tod@s, saludos desde Daimiel.
Antes de nada decir que no dejéis
nunca de escuchar música. A muchos de vosotros quizá os cantaron canciones de
cuna y ahora de mayor seguro que las recordáis con cierta nostalgia. La música
es importante, te levanta, te ánima, te saca una sonrisa, te convierte en un
ser que vive, en alguien que ama, que sufre y que siente, en definitiva te hace estar vivo.
Seguro que tod@s tenéis vuestra canción, si esa
que tantos recuerdos os traen, buenos o malos, pero recuerdos, por tanto no
dejéis nunca de escucharla, esa es vuestra canción.
Amamos músicas que nos recuerdan
experiencias vividas y decimos que bonita esa canción, cuantos recuerdos me
trae. Estudios afirman que escuchar música no es solo un fenómeno auditivo y
emocional, muchas veces seguimos y llevamos el ritmo de manera involuntaria
aunque no prestemos atención de manera consciente.
Cuánta razón tenía “Brau” cuando en
una tarde de verano y tras poner una
canción en la radio dijo: “Si consigues escuchar esta canción sin mover el pie,
es que estas muerto”, Ja,ja,ja, qué
cosas tiene este tío, que falta de consideración con sus oyentes.
Pero dejemos a Brau y la radio
para preguntarnos: ¿Qué amamos cuando decimos que amamos la música?, pues bien os
dejo la respuesta a vosotros con el convencimiento de que la encontrareis.
En nuestro camino por aquellas
canciones con historia hoy quiero que recordemos a todo un poeta, un poeta que
componía música y que también cantaba y lo hacía con una voz rasgada e
inconfundible, alguien que aleccionado por un joven guitarrista español hizo de
la poesía y la música su vida. Si, si, habéis acertado, estoy hablando de Leonard
Cohen, él es ahora nuestro invitado en “Canciones con historia”.
En torno a veinte años tenía yo
cuando lo descubrí, fue en una fría tarde de invierno en Ciudad Real, recuerdo
subir a un coche y escucharlo, enseguida pregunte quien era ese señor que
cantaba y alguien me contestó: es un poeta que canta y compone, se llama Leonard Cohen.
Al día siguiente fui a una tienda de música y pregunté
si tenían discos de aquel buen señor y me aconsejaron llevarme uno de sus
trabajos, me dijeron: este tiene que estar bien porque lo pide mucha gente. Esa
fue la primera vez que le llevé a casa y a partir de ahí me fui haciendo con
sus discos, con su poesía, con su música, hasta completar toda su discografía y
desde entonces y hasta hoy no ha faltado en mi andar musical.
Por cierto que dicho sea de paso, soy de los que
opinan que para completar la obra de Cohen ya solo falta conocer aquel primer
poema que enterró de niño en el jardín cuando murió su padre. Tristemente no
sabremos nunca que reflejó en esas palabras, como tampoco sabremos quién fue el
español que le enseñó los acordes de guitarra que fueron los inicios y la base
de su carrera musical.
Hablando de Cohen y canciones con historia, confieso
que no ha sido nada fácil para mí elegir una canción, el motivo es que todas
sus canciones las considero una gran historia, cargadas de sentimientos y de
vida, pero al final me he decidido por “Dance Me to the End of Love”, (Baila
conmigo hasta el fin del amor, en español), la canción con la que Cohen ponía
siempre en marcha sus recitales.
Sobre la misma decir que aunque está estructurada como
una canción de amor, sin embargo está inspirada en el Holocausto y en los
campos de concentración.
Los que me conocéis bien sabíais que no pasaría mucho
tiempo sin que Leonard Cohen pasara por mi blog (cuanto más si me lo piden) y
seguro que no será la última vez ya que es para mí mucho más que música, mucho
más que poemas, mucho más que una canción.
Por último permitidme que desde Daimiel os mande a
tod@s un afectuoso y musical saludo, con mi agradecimiento a la atención que presumo tendréis con estas palabras, que gustosamente
y sentado en una mesa, frente a la pantalla de un ordenador escribo mientras
escucho la canción.
No sé vosotros, pero yo tengo la sensación de que los
próximos cinco minutos serán una gozada con la compañía de Cohen. Que tengáis un buen domingo.
Braulio Molina López
"Dance Me to the End of
Love" es una canción del músico canadiense Leonard Cohen, publicada en el
álbum de estudio Various Positions (1984). Desde su publicación, ha sido
versionada por numerosos artistas y ha sido descrita como "temblorosa al
borde de convertirse en un clásico".
Aunque estructurada como una
canción de amor, "Dance Me to the End of Love" está inspirada en el
Holocausto.
En una entrevista, Cohen dijo
sobre la canción: «"Dance Me to the End of Love"... es curioso cómo
las canciones comienzan porque el origen de la canción, de cada canción, tiene
una especie de grano o semilla que alguien te entrega o que el mundo te da, y
por eso el proceso es tan misterioso acerca de cómo escribir una canción. Pero
eso vino de escuchar o leer o conocer que en los campos de concentración, al era presionado a tocar mientras este horror continuaba. Y estaban
tocando música clásica mientras sus compañeros de prisión estaban siendo
asesinados y quemados. Por lo tanto, esa música, "llévame bailando hasta
tu belleza con un violín ardiente", que significa la belleza allí siendo
la consumación de la vida, el final de la existencia y del elemento pasional en
esa consumación. Pero es el mismo lenguaje que usamos para entrégarnos a la
persona amada, de ahí la canción: no es importante que nadie conozca el origen
de la misma, ya que si el lenguaje viene de ese recurso apasionado, será capaz
de abarcar toda la actividad apasionada».
En 1996, Welcome Books publicó un
libro titulado Dance Me to the End of Love como parte de la serie Art &
Poetry, con letras de la canción junto a pinturas de Henri Matisse.
Leonard Cohen Falleció el 7 de
noviembre de 2016 a la edad de 82 años en su casa de Los Ángeles (California,
Estados Unidos). El apoderado del artista, Robert Kory, reveló varios días
después que «Leonard Cohen murió durante su sueño justo después de una caída en
mitad de la noche el 7 de noviembre.
La muerte fue repentina, inesperada y
pacífica». Su hijo Adam declaró: «Mi padre murió en paz en su casa sabiendo que
había grabado lo que él sentía era uno de sus mejores discos (You Want It
Darker)». De acuerdo con sus deseos, fue enterrado en Montreal al lado de sus
padres en un ataúd de pino sin adornos.
Baila conmigo
por tu belleza sonando un ardiente violín.
Baila comingo
a través del pánico hasta que esté seguro en él.
Elévame como a
una rama de olivo y sé la paloma que me lleve a casa.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Oh, déjame ver
tu belleza cuando los espectadores se hayan ido.
Déjame
sentirte moviéndote como lo hacían en Babilonia.
Muéstrame
lentamente los únicos límites que conozco.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta la boda, ahora, baila y baila.
Baila conmigo
tiernamente y mucho tiempo.
Los dos
estamos bajo nuestro amor, estamos por encima.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
por los niños que piden permiso para nacer.
Baila conmigo
entre las cortinas que nuestros besos han gastado.
Levanta una
carpa protectora ahora, aunque cada hilo esté roto.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
por tu belleza sonando un ardiente violín.
Baila conmigo
a través del pánico hasta que esté seguro en él.
Tócame con tu
mano desnuda o hazlo con tu guante.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
Baila conmigo
hasta el fin del amor.
(información de la canción Wikipedia)
Pink Floyd - Another Brick In The Wall
Hola a tod@s, como estáis?
Nueva entrega de “Canciones con historia”. Un nuevo paseo
del sentir a través de la música. Un recorrido por aquellas maravillosas
canciones que en cierto modo marcaron nuestras vidas, haciéndolas de alguna
forma más llevadera y más humana.
Os imagináis por un momento, solo
un momento, una vida sin música, no quiero ni pensarlo, todo sería más triste,
todo sería distinto, todo sería más tenue y
gris.
Es difícil hoy imaginar una sociedad donde no
existan las nuevas tecnologías, las grabaciones de discos de excelente sonoridad, o los
sofisticados sistemas modernos para escuchar música; No me imagino mi vida sin
mi extensa colección de Cd´s o mis discos de vinilo, ya que de alguna manera forman parte de mis
gustos culturales y de la manera de entender la música y mi vida, y es que cada uno de ellos
representan connotaciones importantes de las distintas facetas vividas.
Tampoco me imagino mi vida sin mí saxo y mi colección de partituras ya que no habría vivido tan bellos momentos como me ha deparado la música. No me imagino la vida sin mi deambular de ensayo en ensayo o de concierto en concierto, me traslada a algo así como a un cielo confortador en el que descubrir que sigo viviendo.
Tampoco me imagino mi vida sin mí saxo y mi colección de partituras ya que no habría vivido tan bellos momentos como me ha deparado la música. No me imagino la vida sin mi deambular de ensayo en ensayo o de concierto en concierto, me traslada a algo así como a un cielo confortador en el que descubrir que sigo viviendo.
A través de la historia, también la
música ha sido un móvil perfecto para reivindicar distintos aspectos en la
sociedad. Una sociedad, que exige, que se siente participativa de su propio
destino y que por ello exija y exige, es sin duda una sociedad viva. Y mientras
todo ello esté vivo, estará viva la llama de la esperanza. ‘¡Brindemos por
ello!, celebrémoslo con música.
En mi larga carrera de radio, es
lógico entender que han sido muchos los discos, en todos los formatos, que he
manejado a lo largo de diecisiete años, siempre intentando alcanzar una meta que
no era otra que llevar a cabo una programación variada con el ánimo de llegar a
todos los sectores de la sociedad, a todos los gustos, siempre con la ilusión de hacer participes a los oyentes de la propuesta que les presentaba. Convenido estoy de que habrá habido de todo.
Gracias a ello, tanto esfuerzo creo que se ve hoy más que recompensado,
estoy más que satisfecho de haber vivido la música en primera línea y en todas
sus variantes. La música Folk, el Jazz, el Pop, la clásica, la salsa
o el rock configuran todo un panorama musical para un sector prometedor como es
la juventud, y al que invitaba a ser participe a través de ese invento maravilloso como es la radio.
En una ocasión me preguntaron en una entrevista que representaba en mi vida la música, obvia respuesta: la música para mi es otra forma de entender la vida, de sentirla con intensidad, ya que todo, todo está escrito en la música.
En una ocasión me preguntaron en una entrevista que representaba en mi vida la música, obvia respuesta: la música para mi es otra forma de entender la vida, de sentirla con intensidad, ya que todo, todo está escrito en la música.
La siguiente propuesta de “Canciones
con historia” pasa por escuchar a la banda británica Pink Floyd con “The Wall”,
un trabajo producido en 1979 y señalado por la crítica musical como uno de los mejores
discos de la historia del rock de todos los tiempos.
Bueno que me enrollo, ja, ja, ja,
que os parece si lo escuchamos.
Que tengáis un buen día y siempre
afrontéis la vida con ilusión y por supuesto con música.
Braulio Molina López
Pink Floyd - The Wall es un filme
británico de 1982 dirigida por el director británico Alan Parker, basada en el
álbum de Pink Floyd The Wall. El guion fue escrito por el vocalista y bajista
de Pink Floyd, Roger Waters. La película es altamente metafórica y rica en
simbolismo y sonido. Presenta pocos diálogos y es conducida principalmente por
la música de Pink Floyd.
La película contiene 15 minutos
de elaboradas secuencias de animación creadas por el ilustrador Gerald Scarfe y
Roger Waters, parte de las cuales describen una pesadilla basada en los
bombardeos alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. También
aparecen referencias a la esposa del protagonista y a su vida en general.
Este disco doble es un álbum
conceptual que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada
Pink, basado en las vivencias del mismo Waters, convirtiéndolo así en una
especie de álter ego antihéroe. Descrito por Roger Waters, Pink se reprime
debido a los traumas que la vida le va deparando: la muerte de su padre en la
Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación
británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en
el mundo de la música o su controvertido uso de drogas sumado al asma, entre
otros, son convertidos por él en «ladrillos de un muro metafórico» que lo
aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le
conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Es señalado por la crítica
musical y seguidores del grupo como «uno de los mejores trabajos de la banda» y
«uno de los mejores en la historia del rock», cuya atmósfera morbosa y
depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso
éxito comercial situándolo como uno de los discos más vendidos en los años 70s
del siglo XX. Además el álbum es uno de los más vendidos de todos los tiempos
ya que hasta el momento supera las 33 millones de copias a nivel mundial.3 En
los EE.UU. ha vendido más de 11,5 millones de copias pero como el disco es
doble se le acreditó con veintitrés discos de platino.
La historia nos retrata la vida
de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un
antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando.
La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another Brick in The Wall
Parte 1 y 3) en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a
muchos soldados, la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la
educación británica (Another Brick In The Wall Parte 2), los fracasos
sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en
ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del
mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Durante un intento de suicidio
con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo
radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin
retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente
se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink”, que
termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en
una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.
(imagen: El Pais.com)
Información de la canción Wikipedia
Dire Straits - Sultans Of Swing (1978)
Hola amig@s:
Ja, ja, ja. “La música es el
ruido que menos me molesta”, ja,ja, ja, que buena introducción para recibir en
nuestras “canciones con historia” a nuestros invitados de esta propuesta. Y
hablando de ruidos mi agradecimiento por las muchas visitas que está recibiendo
esta sección de mi blog. Muchas gracias.
La música, al igual que otras
cosas de la vida ha ido evolucionando con el paso de los tiempos. Desde que el
hombre habita la Tierra, generando sus propios sonidos, todo ha sido una
evolución constante hasta llegar a nuestros días. Desde que los cavernícolas descubrieran
los primeros ritmos y cánticos para utilizarlos en sus rituales, miles de años más
tarde otras civilizaciones comenzaron a
construir instrumentos y distintos estilos de hacerlos sonar. De esta forma el
hombre y la música comenzaron a fundirse y a identificarse con ella.
Si buscamos en el diccionario de
la lengua que significa la palabra música nos encontraremos con esta
descripción: “Arte de combinar los sonidos en una secuencia temporal atendiendo
a las leyes de la armonía, la melodía y el ritmo, o de producirlos con
instrumentos musicales”. Y en otros documentos leeremos: Conjunto de sonidos
sucesivos combinados según este arte, que por lo general producen un efecto
estético o expresivo y resultan agradables al oído.
Bueno, sea como fuere su
definición, la cuestión es todavía mucho más sencilla que todo eso, música es
sentir.
En los tiempos en que vivimos la música es el
vivo reflejo de las tendencias, de las preocupaciones, del estado de ánimo de
la gente en un determinado momento de la historia. Algo así como el espejo
donde se mira una sociedad.
En esta nueva entrega de “Canciones
con historia” quiero fijar la atención en una formación que dio mucho que
hablar en su momento, pero antes vamos intentar aclarar la procedencia del rock
o Rock and roll.
En los años 50, los jóvenes buscaban
nuevos sonidos, nuevas sensaciones y por primera vez aparecía un genero
exclusivamente para ellos a la vez que servía
como vehículo para los movimientos culturales y sociales.
Los fundamentos de la música rock
en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos durante la década de
1940 y principios de 1950, y rápidamente se extendió a gran parte del resto del
mundo. Su origen inmediato radica en una mezcla de varias juntas negro
musicales géneros de la época, incluyendo el rhythm and blues y música gospel,
Con country y western. Después ha ido en constante evolución hasta nuestros días.
A continuación quiero que os pongáis
en modo fiesta para recibir ni más ni menos que a los Dire Straits. Formada en
1977 en el Reino Unido por los escoceses Mark Knopfler (guitarra y voz), David
Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), pasan por
nuestra sección con la canción más emblemática de la banda, me refiero a Sultans
of Swing, (los sultanes del Swing) el primer sencillo de la banda que vendió más
de dos millones de copias en todo el mundo.
Como amante de la música que he
sido siempre en todas sus variantes he de reconocer que estamos hablando de una
de mis bandas favoritas, si no la que mas, y debo reconocer que de los muchos
conciertos a los que he asistido en directo (que por cierto han sido muchos) el
de los Straits en el Vicente Calderón de Madrid quizá sea uno de los que viví
con mayor intensidad por mi afinidad con la banda.
Dicen algunos cercanos que para
grabar la maqueta de esta canción los hermanos Mark y David Knopfler y el resto
de la banda se dirigieron a Londres con sólo 100 libras en el bolsillo a ver qué
pasaba, y pasó lo que tenía que pasar y es que lo bueno siempre triunfa, no os
parece?.
Ja, ja,ja,ja que me enrollo, como
siempre, un saludo desde la tierra de Don Quijote. Nos quedamos con los Dire
Straits y su Sultans of Swing. Por cierto os sabéis aquello de: Oe, Oe, Oe Oe, Oe Oeeeeee, ja, ja, ja, ja.
Braulio Molina López
Braulio Molina López
Sultans of Swing fue el primer
sencillo de la banda británica Dire Straits. El sencillo formaba parte del
álbum Dire Straits y comenzó a venderse en octubre de 1978 tardando en entrar
en las listas de éxito. Seis meses más tarde alcanzó el número 10 en las listas
de ventas del Reino Unido y los Estados Unidos. El disco se convirtió en un
importante éxito vendiéndose cerca de 2 millones de copias del álbum solo en
Estados Unidos.
Para grabar la maqueta de esta
canción los hermanos Mark, David Knopfler y el resto de la banda se dirigieron
a Londres con sólo 100 libras. Debido a esta situación financiera adoptaron el
nombre de la banda "Dire Straits" , que podría traducirse como
grandes apuros.
En el tema los Dire cuentan la
historia de una banda que toca en un característico pub al sur de Londres. En
su letra, Mark Knopfler, describe a la perfección la escena en un pequeño bar
con un público minoritario y entregado donde se toca una música poco habitual
por aquel entonces, una época en la cual muchos no entendían que una banda de
rock & roll pudiera tocar con una trompeta o un saxo. Así, Mark muestra su
debilidad por la música Jazz y los estilos, como el dixie, y el honky tonk que
se derivan de ella y son homenajeados en esta canción.
La primera grabación a la que se
puede tener fácil acceso es al directo de Dire Straits en "Old Grey
Whistle Test" en el año 1978, si bien, en este directo no está la
penúltima estrofa. El propio Mark Knopfler y su banda pusieron todo su empeño
en mejorar el tema grabación tras grabación. En la versión incluida en el disco
Alchemy: Dire Straits Live de 1984, Mark improvisa y amplia el solo de la
canción, considerada una de sus mejores interpretaciones. "Alchemy"
es, probablemente, el disco que consagra sus primeros años de carrera e incluye
muchas de las grandes canciones de Dire Straits.
De todos modos, para apreciar la
evolución de esta canción a través de los años no se pueden obviar las últimas
versiones, por ejemplo en la gira On the night de 1992, ni el concierto
homenaje a Nelson Mandela por su 70 cumpleaños.
Según Mark Knopfler, durante el
proceso de grabación de la canción, en la parte final, improvisó un riff o lick
de guitarra, que se volvió muy pegadizo, y en sus palabras, tiene que hacerlo
cada vez que la toca o dejaría de ser Sultans of Swing. Esto se nota mucho en
un concierto que dio en 2009, en donde en el momento de tocar esa parte la
gente grita y aplaude.
En este tributo a Nelson Mandela,
en 1988, actúan junto a Knopfler, John Illsley, Guy Fletcher y Eric Clapton como
segunda guitarra. Clapton y Knopfler demuestran una asombrosa complicidad en la
canción "Sultans of Swing" en ese concierto. Se da una animada charla
entre ambos en la parte central de la canción, mientras el peso musical lo
lleva el saxofón de Chris White. La aportación del saxofonista es quizá la
mejor muestra de la evolución de la canción, así como las improvisaciones de
Knopfler en cada directo.
Te estremeces en la oscuridad,
llueve en el parque, pero mientras,
al sur del río paras y todo se
detiene;
una banda toca Dixie en cuatro
por cuatro.
Te sientes bien cuando escuchas
sonar esa música.
Entras, pero no ves demasiadas
caras
que entren desde la lluvia a
escuchar el jazz deslizarse.
Hay demasiada competencia,
demasiados otros lugares
pero no hay muchos saxos que
puedan sonar así.
Camino al sur, al sur de Londres.
Te fijas en el guitarra George,
se sabe todos los acordes.
Él es puro ritmo, no quiere
hacerla llorar ni cantar.
Y una vieja guitarra es todo lo
que se puede permitir
cuando se lavanta bajo las luces
a hacer su parte.
Y a Harry no le importa si no
hace un buen papel;
Tiene un trabajo durante el día y
le va bien.
Puede tocar honky-tonk como si
nada,
reservándolo para la noche del
viernes
con los Sultanes, con los
Sultanes del Swing.
Y una panda de jóvenes hacen el
tonto en la esquina
borrachos y vestidos con sus
mejores pantalones anchos marrones y sus suelas de plataforma.
No les importa un bledo una banda
con trompeta;
no es lo que ellos llaman rock
and roll.
Y los Sultanes tocaron Creole.
Entonces el hombre se acerca al
micrófono
y dice por último, cuando el
reloj da su hora:
"Gracias y buenas noches! Ya
es hora de irse a casa."
Y suelta rápido algo más:
"Somos los Sultanes, los
Sultanes del Swing".
Información técnica de la canción Wikipedia
Elton John - Sacrifice (1988)
Hola a tod@s:
Buscando en mi memoria me he
encontrado con la canción que ahora os propongo. ¿Nos puede ayudar la música a
ser más felices? ¿Que tiene la música para adormecernos, tranquilizarnos,
emocionarnos, motivarnos… etc.?
Dicen que una imagen vale más que
mil palabras, es posible no seré yo quien lo niegue, sin embargo creo que un
sonido nos hace sentir más que mil imágenes. Pocas personas saben tocar un instrumento,
pocas personas saben de partituras, pero que te guste la música no tiene nada
que ver con todo esto. Para que te guste la música no es necesario entenderla,
simplemente te llega y te toca, sin que sepas porqué.
La canción que ahora os propongo.
“Sacrifice” de Elton John está inspirada en otra de Aretha Franklin. La historia
nos cuenta el final de una relación matrimonial y cuando esta se transforma en
un sacrificio, en un sacrificio de amor. Precisamente fue el letrista y poeta Bernie
Taupin quien la escribió inspirado en su separación.
Se trata de una balada preciosa
que sin duda llega al corazón con una letra que habla de "Cuando las cosas
van mal, Cuando el olor de ella demora..., de dos corazones viviendo en dos
mundos separados." y de que "la sensibilidad construye una prisión”.
En mi opinión es una buena balada
cantada con una elegancia exquisita. Antes de escucharla permitidme que exprese
mi interpretación personal de la canción.
Nos cuenta la historia del engaño
de una pareja donde el otro perdona y expresa que aunque le duela el engaño no le deja de querer y que ese es el sacrificio que hace, un
sacrificio por amor.
Que la disfrutéis y tengáis un
buen día.
Braulio Molina López
"Sacrifice" (en
español, Sacrificio) es el nombre de una balada del cantante británico Elton
John, cuya letra fue escrita por Bernie Taupin, que aparece su álbum Sleeping
with the Past (en español, Durmiendo con el pasado) del año 1989. Fue lanzada
por primera vez en octubre de ese año y luego en 1990. Logró un importante
éxito a nivel internacional, pero fue especialmente exitosa en el Reino Unido y
Francia.
"Sacrifice" está
inspirada por la canción de Aretha Franklin "Do Right Woman, Do Right
Man" (en español, Házlo bien mujer, házlo bien hombre) y por una canción
de Percy Sledge, cuya influencia está en la voz de Elton John en este tema.
Bernie Taupin, el compositor que escribió la letra del tema, ha dicho que se
sorprende de haberla escrito y manifestó: "Pienso que 'Sacrifice' es una
de las mejores canciones que hemos escrito".
La canción no es un típico tema
romántico, sino que habla de la ruptura de un matrimonio, donde la pérdida de
la relación amorosa "no es un sacrificio", como dice el estribillo de
la misma. Taupin estaba atravesando problemas maritales en ese momento, lo que
probablemente sirvió como fuente de inspiración para la letra del tema.ç
(Wikipedia)
Es una señal
humana
Cuando las
cosas van mal
Cuando el olor
de ella demora
Y la tentación
es fuerte
En el límite
De cada hombre
casado
El dulce
engaño viene llamando
Y tierras
negativas
Frío frío
corazón
Difícil hecho
por ti
Algunas cosas
se ven mejor nena
Simplemente
pasando por alto
Y no es sacrificio
Solo una
simple palabra
Son dos
corazones viviendo
En dos mundos
separados
Pero no es
sacrificio
No es
sacrificio
No es
sacrificio para nada
Equivocación
mutua
Después del
hecho
La
sensibilidad construye una prisión
En el acto
final
Perdemos dirección
Ninguna piedra
sin devolver
Ninguna
lágrima que te condene
Cuando los
celos queman
Phil Collins - Another Day In Paradise (1989)
Hola queridos amig@s de "canciones con historia", antes de entrar en materia con la canción de esta entrega permitirme una reflexión:
Siempre me he declarado un ciudadano del Mundo, un ciudadano de la Tierra, siempre pensé que el planeta es de todos los seres vivos y que todos tienen el mismo derecho a vivir en ella y participar por igual de sus recursos. De esta forma nunca he creído en las fronteras, sobre todo cuando estas potencian la desigualdad, la marginación y la injusticia.
Siempre me he declarado un ciudadano del Mundo, un ciudadano de la Tierra, siempre pensé que el planeta es de todos los seres vivos y que todos tienen el mismo derecho a vivir en ella y participar por igual de sus recursos. De esta forma nunca he creído en las fronteras, sobre todo cuando estas potencian la desigualdad, la marginación y la injusticia.
Soy partidario de establecer una
nueva ciudadanía de aplicación global que luche contra la pobreza allá donde esta
se encuentre, que luche contra la marginación y el aislamiento al que se somete
a muchas personas sin importar su procedencia no lugar donde vivan.
Afortunadamente cada vez somos más
lo que a través de la música luchamos contra la pobreza en el mundo, en todas
sus variantes. Bienvenido sea.
Para ver marginación y pobreza no
es necesario recorrer muchos caminos, esta se encuentra en todas las
sociedades, también en las llamadas desarrolladas y modernas.
En cierto modo todos somos
responsables de que siga habiendo hambre y muchas veces nuestra indiferencia nos
convierte en cómplices de la misma.
Phil Collins - Another Day In
Paradise, el tema que ahora os propongo en “Canciones con historia” quiere
precisamente dar un toque de atención en ese sentido. La indiferencia nos
plantea un problema interesante porque esta no es una actitud espontanea, hay
que actuar para no conmoverse.
Pero queridos amig@s, ¿De dónde
salió “Another Day in Paradise” específicamente? El propio Phil se lo aclaró a
The Mail On Sunday.
“Después de un viaje a Washington
DC escribí este tema. Me quedé impactado al ver la cantidad de gente que vivía
en las calles”, dijo el artista.
No por nada, antes de pulir la
composición que derivaría en una ironía sobre el paraíso, el músico tituló el
demo de la misma como “Homeless”.
En una parte de la letra, una
mujer pide ayuda a un hombre de negocios, pero él parece sentirse avergonzado
en un sentido en el cual, acaso, sea responsable en cierto modo de la situación
de ella. Así escribía Collins en aquellos años.
En cierta forma “Another Day In
Paradis” (Un día en el paraíso) es un alegato en clave de denuncia para llamar
la atención sobre la pobreza.
La canción tuvo mucho éxito
alrededor del mundo y se convirtió en la más exitosa de Phil Collins. La
versión de Collins está ubicada en el puesto número 86 en el ránking de las
mejores canciones de todos los tiempos elaborado por Billboard.
Espero que disfrutéis de la
canción. Saludos desde La Mancha.
Braulio Molina López
"Another Day in
Paradise" es una canción de Phil Collins lanzada como el primer sencillo
de su álbum ...But Seriously (1989). Al igual que la canción de Genesis
"Man On The Corner", "Another Day in Paradise" fue escrita
para resaltar el problema de las personas sin hogar,1 por lo tanto, marcó un
salto significativo de la música dance-pop de su álbum anterior, No Jacket
Required (1985). La canción tuvo mucho éxito alrededor del mundo y se convirtió
en la más exitosa de Phil Collins.
En 1991, le valió a él y al productor Hugh
Padgham el Premio Grammy a la Grabación del año. La canción también ganó el
premio a la Mejor Canción Británica en los Brit Awards de 1990.
La canción marcó otro gran éxito
para Collins. El 23 de diciembre de 1989, se convirtió en el séptimo (y hasta
la fecha, último) sencillo que alcanzó el primer puesto en las listas de los
Estados Unidos.
La canción también fue la última número uno de
la década de 1980 en EE.UU., y permaneció en su puesto durante cuatro semanas,
por lo que también puede considerarse como un éxito de la década de 1990.
También ocupó los primeros puestos en ambas décadas en los ránkings de
Alemania; en el Reino Unido, ya había alcanzado dicha posición en el mes de
noviembre.
La versión lanzada como sencillo
es un poco diferente que la que aparece en el álbum, en la cual la introducción
es más corta. David Crosby también aparece participando en el coro.
(Wikipedia)
Ella llamó al hombre en la calle
“Señor, ¿puede ayudarme?
Hace frío y no tengo lugar donde dormir
¿Puede recomendarme algún lugar?”
Él siguió caminando, no miró atrás
Simulaba no poder oírla
Comenzó a silbar mientras cruzaba la calle
Parece vergonzoso estar allí
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
Ella llamó al hombre en la calle
Él puede ver que ella estuvo llorando
Ella tiene ampollas en las plantas de sus pies
No puede caminar pero lo está intentando
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
Oh Señor, ¿no hay nada más que alguien pueda hacer?
Oh Señor, debe haber algo que puedas decir
Puedes decirlo por los rasgos de su cara
Puedes ver que ella estuvo allí
Probablemente ha sido echada de todos lados
Porque ella no encajaba allí
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
“Señor, ¿puede ayudarme?
Hace frío y no tengo lugar donde dormir
¿Puede recomendarme algún lugar?”
Él siguió caminando, no miró atrás
Simulaba no poder oírla
Comenzó a silbar mientras cruzaba la calle
Parece vergonzoso estar allí
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
Ella llamó al hombre en la calle
Él puede ver que ella estuvo llorando
Ella tiene ampollas en las plantas de sus pies
No puede caminar pero lo está intentando
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
Oh Señor, ¿no hay nada más que alguien pueda hacer?
Oh Señor, debe haber algo que puedas decir
Puedes decirlo por los rasgos de su cara
Puedes ver que ella estuvo allí
Probablemente ha sido echada de todos lados
Porque ella no encajaba allí
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para
Ti y para mi en el paraíso
Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti,
Para ti y para mi en el paraíso
R.E.M. - Losing My Religion
Hola a tod@s.
En nuestro recorrido por las “canciones con historia” quiero ahora que centremos nuestra atención en una formación llamada REM y una canción: "Losing my religion".
...un hombre muy viejo con unas enormes alas?. ¿pero que es esto?, ja,ja, ja, vamos a intentar explicarlo.
En nuestro recorrido por las “canciones con historia” quiero ahora que centremos nuestra atención en una formación llamada REM y una canción: "Losing my religion".
...un hombre muy viejo con unas enormes alas?. ¿pero que es esto?, ja,ja, ja, vamos a intentar explicarlo.
Se puede llegar a morir por amor
como en los tiempos de Romeo y Julieta? O en los tiempos que vivimos ¿se puede
llegar a la locura por una amor no correspondido?, ja,ja,ja, difícil contestación
tiene esta pregunta verdad?
Pues bien hablando de la canción Michael
Stipe, líder del grupo declaró que el tema de la canción era el amor y fue más
lejos en su descripción: “La canción narra la obsesión hasta el punto de la
locura.
Quizá para entender bien la
canción solo haya que fijarse en el contenido final de la misma:
Ese
soy yo contra las cuerdas
Ese
soy yo en el punto de mira
Perdiendo
mi religión
Intentando
seguir contigo
El cantante declaró también que se trata de una canción pop sobre la obsesión, siempre he creído decía, que las mejores canciones son las que cualquiera puede escuchar, ponerse en ese lugar y decir: Sí, ese soy yo”.
Hay una expresión
muy común en el sur de los Estados Unidos que hace alusión a perder el control
o salirse de sus casillas, algo similar a esto nos comunica la canción y todo
ello motivado por el amor, un amor no correspondido, un amor que nunca llega.
“La música triste permite prolongar la sensación de unión, como si todavía no se hubiera acabado del todo la relación cuando ni si quiera ha empezado”. La tristeza, parece, prolonga la relación, aunque el vínculo sea tortuoso y ahogue.
“La música triste permite prolongar la sensación de unión, como si todavía no se hubiera acabado del todo la relación cuando ni si quiera ha empezado”. La tristeza, parece, prolonga la relación, aunque el vínculo sea tortuoso y ahogue.
En fin
queridos amig@s no pretendo con estas breves palabras ser pesimista, pero mucho
me temo que de nuevo el desamor es el protagonista en mi propuesta. Espero que tengáis
mucho amor, ja,ja,ja, y que nunca os veáis en una situación como la que
describe la canción.
Reconozco que siempre
me gustó esta canción y buena prueba de ello es que la programé en infinitas ocasiones en Radio Daimiel a lo largo de los años y también decir que el vídeo elaborado para recrearla es de una
imaginación infinita: ¨Un hombre muy viejo con alas muy grandes¨, un cuento muy
corto que relata la historia de un viejo aludo que cae un día de lluvia en un
pueblo y tras ser descubierto por una pareja incrédula en que pueda ser un
ángel termina convertido en un fenómeno de circo para su provecho. Michael
Stipe toma ese personaje y junto con otras referencias del arte religioso
barroco, y construye la historia que finalmente veriamos en el video.
Por cierto me gustan los movimientos originales y tan singulares de Stipe en el vídeo.¿verdad que si?
Convencido estoy de que a mi amigo Sibe no le va a gustar mucho la canción, él es más de Manolo Escobar, ja, ja, ja, lo siento Manolito otra vez será.
Por cierto me gustan los movimientos originales y tan singulares de Stipe en el vídeo.¿verdad que si?
Convencido estoy de que a mi amigo Sibe no le va a gustar mucho la canción, él es más de Manolo Escobar, ja, ja, ja, lo siento Manolito otra vez será.
Os prometo que
la próxima canción será un brindis a la alegría y la felicidad. Desde" Daimiel
Directo" el deseo de que tengáis un buen día, pero no olvidéis que si es como música
mucho mejor. Ja,ja, ja, un saludo....
Braulio Molina
López
«Losing My
Religion» (en español, literalmente, «perdiendo mi religión»; expresión sureña
que en traducción libre podría equivaler a «desquiciándome») es una canción de
la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M.
Se lanzó como
el primer sencillo de su álbum de 1991 Out of Time. Basada en un ostinato de
mandolina, fue un éxito inesperado del grupo, debido a su amplia difusión a
través de la radio y MTV por su video promocional, aclamado por la crítica.
La canción fue
el tema de R.E.M. en alcanzar la posición más alta en Estados Unidos, llegando
al cuarto puesto en el Billboard Hot 100 y expandiendo la popularidad del
grupo. Recibió varias nominaciones en los premios Grammy, ganando dos en las
categorías de mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor
video musical corto. Éste se basa en un señor muy viejo con unas alas enormes,
cuento de Gabriel Garcia Márquez.
(Wikipedia)
La vida es
grande
Es más grande
que tú
Y tú no eres
yo
Las distancias
que recorreré
Son la
distancia en tus ojos
Oh no he dicho
demasiado
Lo que
establecí
Ese soy yo
contra las cuerdas
Ese soy yo en
el punto de mira
Perdiendo mi
religión
Intentando
seguir contigo
Y no sé si
podré lograrlo
Oh no he dicho
demasiado
Y no he dicho
lo suficiente
Creí oirte
reir
Creí oirete
cantar
Creo que me
pareció haberte visto probarlo
Cada murmullo
De cada hora en
vela
Escogiendo mis
confesiones
Intentando no
perderte de vista
Como un tonto
herido, perdido y ciego
Oh no he dicho
demasiado
Lo que
establecí
Considera esto
Considera esto
el consejo del
siglo
Considera esto
El descuido
que me
Arrodilló
fracasado
Y si todas
estas fantasías
Comienzan a
tambalearse?
Ahora he dicho
demasiado
Creí oírte
reír
Creí oírte
cantar
Creo que me
pareció verte probar
Pero fue solo
un sueño.
Solo fue un
sueño.
Ese soy yo
contra las cuerdas
Ese soy yo en
el punto de mira
Perdiendo mi
religión
Intentando
seguir contigo
Y no sé si
podré lograrlo
Oh no, he
dicho demasiado
Y no he dicho
lo suficiente
Creí oirte
reir
Creí oirete
cantar
Creo que me
pareció haberte visto probarlo
Pero sólo fue
un sueño
Intenta,
llora, vuela
Sólo fue un
sueño
Eric Clapton - Tears In Heaven (1992)
Hola a tod@s:
Retomando nuestras “canciones con
historia” en esta propuesta quiero asomarme a un hecho real que inspiro la
triste canción que ahora os presento, se trata de “Tears in Heaven” (lagrimas
en el cielo en español) de Eric Clapton.
Es en mi opinión una historia
desgarradora que originó una triste historia y una hermosísima balada, una de
las más conmovedoras por el mensaje y la historia que nos transmite.
Conor Clapton, con tan solo
cuatro años se cayó por la ventana desde el piso 53 de un rascacielos en Manhattan,
la ventana estaba abierta, cuando debería haber estado cerrada, el resultado del
fatídico accidente lo podéis imaginar, el pequeño murió en el acto.
En su memoria su padre compuso
«Tears in Heaven (lagrimas en el cielo) llegando a convertirse en uno de los temas más emblemáticos
del cantante y guitarrista británico. Os podéis imaginar la desolación de ese
padre, que ahora trata de imprimir esa tristeza a través de la letra y las
notas musicales de esa canción. Y para terminar de consternarnos decir que poco después de enterrar a su hijo Eric Clapton encontró una nota del pequeño dirigida a su padre en la que decía “papa te quiero”.
Ni siquiera por un momento quiero
ponerme en su lugar para entender el sufrimiento de ese padre con su hijo
muerto.
Dicen que perder a un hijo es lo
más doloroso que puede pasar a un ser humano ya que va contra la lógica de la
vida misma: son los hijos quienes entierran a los padres.
Una letra desgarradora basada en
una realidad que casi nos invita a llorar, espero que no lo hagáis, esa al
menos no es mi intención
¿Sabrías
mi nombre
si
te viese en el cielo?
¿Sería
lo mismo
si
te viese en el cielo?
Debo
ser fuerte,
y
seguir adelante,
porque
sé que no encajo
aquí
en el cielo.
Eric cuenta en
una autobiografía que recibió la abominable noticia cuando Lori, la madre de su
hijo, lo llamó para decirle que fuera lo antes posible al apartamento pues
Conor había muerto.
Clapton no lo
podía creer. En el trayecto al edificio se intentaba convencer que la noticia
era falsa, pero cuando llegó y vio el cordón policial se sintió ajeno a todo y
desde ese momento su vida cambió para siempre.
Él tuvo que ir
a la morgue ya que Lori era incapaz, y cuando tuvo a su hijo enfrente muerto, sólo
podía pensar: “este no es mi hijo, se parece, pero no es él”.
Eric Clapton
se aisló por un periodo largo de tiempo pero luego encaró el dolor y la pérdida de
Conor como mejor podía hacerlo: componiendo.
Así nació una
tragedia que nos hablaba de unas lágrimas en el cielo y del deseo de un padre
por volver a ver su hijo. Así nació una de las canciones más tristes de la
historia del rock.
Después de
aquello, el músico perdió la fe. “Lo que me salvó la vida fue el amor
incondicional y la comprensión que recibí de amigos y de compañeros del
programa de los Doce Pasos”, relató el músico. Para sobrellevar aquel desastre,
el músico se centró en su recuperación. “Caí de rodillas y pedí auxilio para
mantenerme sobrio”, confesó.
Su súplica fue escuchada y de algún lugar perdido
de su interior surgió la fuerza para alejarse de la bebida y las drogas. En ese
momento supo que o se mataba bebiendo o vivía para honrar a su hijo. “Si puedo
pasar por esto y seguir sobrio, entonces cualquiera puede”, explicó.
Quiero terminar diciendo que soy de los que piensan que hay canciones tan personales, tan intimas, que no tiene sentido que las cante nadie mas, de cualquier forma este tema fue, como muchos otros, muy versionado y buena prueba de ello son las distintas canciones que os dejo al final.
Quiero terminar diciendo que soy de los que piensan que hay canciones tan personales, tan intimas, que no tiene sentido que las cante nadie mas, de cualquier forma este tema fue, como muchos otros, muy versionado y buena prueba de ello son las distintas canciones que os dejo al final.
En fin querid@s
amig@s la tragedia echa canción.Que tengáis un
buen día.
Braulio Molina
López
Escrita nueve meses después del deceso, se transformó en uno de los temas de más éxito de
Clapton. Alcanzó el número 2 en la lista de popularidad Billboard Hot 100 de
Estados Unidos y se mantuvo tres semanas en el primer lugar de la lista Adultol
Contemporáneo en 1992.
"Tears in
heaven" fue incluida originalmente en la banda sonora de la película Rush.
En el año 1993 ganó tres premios Grammy, en las categorías "Canción del
año", "Grabación del año" y "Mejor interpretación vocal pop
masculina". También fue incluida en el álbum de Clapton Unplugged. La
canción ocupa el puesto 353 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos
según Rolling Stone.
¿Sabrías cómo
me llamo
Si te viera en
el cielo?
¿Sería lo
mismo
Si te viera en
el cielo?
Debo ser
fuerte y seguir mi camino
Porque sé que
no pertenezco aquí en el cielo
¿Me cogerías
de la mano
Si te viera en
el cielo?
¿Me ayudarías
a levantarme
Si te viera en
el cielo?
Hallaré mi
camino de día y de noche
Porque sé que
no puedo quedarme aquí en el cielo.
El tiempo
puede abatirte
El tiempo
puede ponerte de rodillas
El tiempo
puede romperte el corazón
Y tenerte
implorando piedad
Implorando
piedad
Detrás de la
puerta habrá paz, estoy seguro
Y sé que no
habrá más lágrimas en el cielo
¿Sabrías cómo
me llamo
Si te viera en
el cielo?
¿Sería lo
mismo
Si te viera en
el cielo?
Debo ser
fuerte y seguir mi camino
Porque sé que
no pertenezco aquí en el cielo
Porque sé que
no pertenezco aquí en el cielo
VERSIONES
La Oreja de Van Gogh - Jueves
Hola a tod@s
En la mañana del jueves 11 de
marzo de 2004 en Madrid se produjeron
diez explosiones provocadas por diez mochilas cargadas con alto explosivo, tuvieron
lugar en hora punta, entre las 07:37 y las 07:39
Los atentados del 11 de marzo de
2004, conocidos por el 11M, fueron una serie de ataques terroristas en cuatro
trenes de la red de Cercanías de Madrid llevados a cabo por una célula
terrorista de tipo yihadista.
Aquel día triste para la historia
de mi País, recuerdo que viajaba para ciudad Real cuando escuché la fatídica
noticia. Cuántas historias pueden contarse de aquel fatídico 11 de marzo y
cuántas más quedaron inconclusas… Jueves, la canción que ahora os propongo, es
precisamente una de muchas historias que tuvieron un desenlace abrupto tras los
atentados de esa fecha en Madrid.
Dedicada a las víctimas del
atentado la canción está inspirada en los restos de un diario encontrado de una pasajera donde la entrada del día
estaba sin terminar.
La canción cuenta la historia de
una chica que toma diariamente el tren y se enamora de un chico; el 11 de marzo
se decide a dirigirle la palabra y se da cuenta que la atracción es mutua. “Jueves”
termina con la demoledora frase: “Y yo te regalo el último soplo de mi
corazón”.
La canción fue presentada cuatro
años después de los atentados. Respecto de su contenido los miembros de La
Oreja de Van Gogh comentaron que:
“Jueves es una historia de amor
sobre la que nunca hubiéramos querido escribir. Es una canción especial, quizá
la más especial de toda nuestra carrera. Es una de las pequeñas grandes
historias que demasiadas veces las estadísticas terminan eclipsando. Por una
vez y durante apenas cinco minutos de música, aquel 11 de marzo de 2004 vuelve
a ser sencillamente “Jueves.
Por último decir que respecto de la música se trata de una composición muy sencilla pero muy emotiva, sólo el piano acompaña a la voz de Leire que la interpreta con gran sentimiento, como no podría ser de otra forma.
Por último decir que respecto de la música se trata de una composición muy sencilla pero muy emotiva, sólo el piano acompaña a la voz de Leire que la interpreta con gran sentimiento, como no podría ser de otra forma.
"...y ya estamos llegando,
mi vida ha cambiado, un día especial este 11 de marzo, me tomas la mano...
llegamos a un túnel que apaga la luz".
"Te
encuentro la cara gracias a mis manos, me vuelvo valiente y te beso en los
labios".
"Dices
que me quieres y yo te regalo el último soplo de mi corazón".
La chica
murió, no sé si él también.
Saludos desde
Daimiel
Braulio Molina López
El 16 de Diciembre, la página
oficial de los 40 principales (España) anunció que el miércoles 17 de Diciembre
estrenaría el nuevo videoclib de la Oreja de Van Gogh, "Jueves". Sin
embargo, la fecha fue cambiada repentinamente al día jueves 18 de Diciembre.
El video es un claro homenaje a
los atentados del 11 de Marzo, sin llegar a tratar el tema en sí.
En el vídeo se muestra a
diferentes personas de varias razas y edades cantando el tema, todo esto en
blanco y negro, sólo se ve a las personas en un fondo negro.
A intervalos aparecen luces a
modo de vagón de tren, por lo que se piensa que el vídeo representa un vagón de
tren.
En las últimas estrofas de la
canción, se ve como poco a poco se va apagando la luz de cada persona,
simbolizando el momento del atentado de manera sutil.
Se dieron a conocer cuatro
versiones diferentes del videoclips; la primera contaba exclusivamente con
actores a blanco y negro interpretando la canción con los labios. La segunda
contaba entre quienes interpretaban la canción con los cinco miembros del
grupo, la tercera fue titulada "Versión con piano" y sólo incluye a
Xabi tocando el piano mientras Leire interpreta el tema. Finalmente la
"Versión definitiva" que incluye segmentos de las tres anteriores.
Todas las versiones fueron producidas por Debolex Films.
Si fuera más
guapa y un poco más lista
Si fuera
especial, si fuera de revista
Tendría el
valor de cruzar el vagón
Y preguntarte
quién eres.
Te sientas en
frente y ni te imaginas
Que llevo por
ti mi falta más bonita.
Y al verte
lanzar un bostezo al cristal
Se inundan mis
pupilas.
De pronto me
miras, te miro y suspiras
Yo cierro los
ojos, tú apartas la vista
Apenas respiro
me hago pequeñita
Y me pongo a
temblar
Y así pasan
los días, de lunes a viernes
Como las
golondrinas del poema de Bécquer
De estación a
estación enfrente tú y yo
Va y viene el
silencio.
De pronto me
miras, te miro y suspiras
Yo cierro los
ojos, tú apartas la vista
Apenas
respiro, me hago pequeñita
Y me pongo a
temblar.
Y entonces
ocurre, despiertan mis labios
Pronuncian tu
nombre tartamudeando.
Supongo que
piensas que chica más tonta
Y me quiero
morir.
Pero el tiempo
se para y te acercas diciendo
Yo no te
conozco y ya te echaba de menos.
Cada mañana
rechazo el directo
Y elijo este
tren.
Y ya estamos
llegando, mi vida ha cambiado
Un día
especial este once de marzo.
Me tomas la
mano, llegamos a un túnel
Que apaga la
luz.
Te encuentro
la cara, gracias a mis manos.
Me vuelvo
valiente y te beso en los labios.
Dices que me
quieres y yo te regalo
El último
soplo de mi corazón.
Revolver - Calle Mayor
Hola a tod@s
A titulo de introducción quiero
por un momento que pienses en cuantas
veces escuchas esa canción que te gusta, te sugiero que pongas atención en la letra. ¿Te has
preguntado alguna vez qué importancia tiene la música en tu vida y sobretodo esa
canción?
Estoy convencido de que parte de
lo que nos hace ser humanos es la música, algo de vital importancia, no solo por su belleza y
estética, sino como soporte de comunicación entre humanos y también consigo
mismo.
Entre otras cosas la música sirve
para comunicarnos y cuanto más lo hagamos, mejor podremos expresarnos y mayor
será nuestro entendimiento sobre lo que significa ser humanos.
Dicen algunos que todas las almas
pesan lo mismo y que da igual que seas blanco que negro y que por tanto no importa
la raza ni el color.
Mi siguiente propuesta
en”canciones con historia” versa sobre la reflexión y contiene la mezcla de culturas y de razas que tiene lugar en muchos
lugares del mundo y a la que en España no somos ajenos.
Esta canción nos propone una
lección de vida y humanidad a la vez que nos invita a ser más reflexivos y
tolerantes; “la calle es de todos, da igual el lenguaje, pues la vida es la
vida y los hombres son hombres aquí en la calle mayor”.
Se trata de un toque de atención contra
el racismo por la emigración en un País, España, del que no debemos olvidar la
emigración vivida a través de la historia. El fenómeno de la emigración
española a Europa duró hasta la crisis de 1973.
La canción que nos presenta Revolver se centra en las
historias que se viven en un mercado de la calle mayor, donde peruanos, negros
y llegados de otras latitudes venden sus “cacharros” mientras soportan las
impertinencias de gentes intolerantes, que se
sienten en cierta forma superiores respecto del extranjero que vino del
mar.
Nos habla del necio que intenta
sacar a los peruanos un extra en el precio de su compra o del niño que pisotea
los puestos porque sabe, que tendrá la defensa de sus padres a pesar de que lo
que está haciendo está mal.
En definitiva mezcla de culturas
y de razas donde se presenta un alegato para entender esto como un cuadro
pintado de diferentes colores y donde se quiere subrayar que lo importante son
los corazones y el interior de las personas, no
su raza o su color.
Es, como os decía una canción que
invita a la reflexión, es una historia que nos habla de la igualdad de la raza, del sexo, del origen de las
personas o del lenguaje que hablan.
“Me
da igual que seamos gitanos que payos, da igual si del norte o del sur,
pues
la vida es la vida y los hombres son hombres aquí y en la calle Mayor.
Me
da igual que seamos negros que blancos, me importa tan poco el color,
pues
la vida es la vida y los hombres son hombres aquí y en la calle Mayor”.
Que tengáis un
buen día y que todos aprendamos a ser comprensivos y tolerantes.
Braulio
Molina López
A nivel
lírico, Calle Mayor puso un mayor acento en temas de carácter sociopolítico,
presentes desde entonces a lo largo de la carrera de Revólver en álbumes como
Mestizo y Argán.
El tema que da título al álbum, «Calle Mayor»,
es una crítica al racismo basada en una vivencia que el propio Goñi tuvo en la
calle Mayor de Alicante, y en la cual relata una historia sobre la inmigración
ilegal y la violencia. Goñi comentó sobre la canción: «Fue bastante complicada
de hacer. Supongo que suena demasiado descarnada, demasiado sincera. La letra
está en primer plano: de hecho la canción es la letra, los arreglos están en
función a ella. Hace que me sienta muy bien conmigo mismo. Una canción así solo
podía aparecer en el momento adecuado, tenía que aparecer de un modo natural.
Sólo había que esperar a que ocurriese.
Roberto Carlos - El gato que está triste y azul
Hola a tod@s.
Un gato azul, ¡venga
ya!, ja, ja, ja. ¿Un gato escondido en una canción?, ja, ja, ja. Aquí hay gato
encerrado mas que escondido, no os parece?
En 1972 Gaetano Totó y Giancarlo
Bigazzi escribió en italiano la canción “Un gatto nel blu”, (un gato en la
oscuridad en español) para que fuera cantada en el festival de Sanremo por
Roberto Carlos.
Entonces porque en España y sólo en España el gato fue azul?, pues sencillamente por pura rima en su traducción al español ya que en realidad la versión original hace alusión a que el gato está en el cielo y es que en italiano la afección “blu” se utiliza para referirse al cielo.
Entonces porque en España y sólo en España el gato fue azul?, pues sencillamente por pura rima en su traducción al español ya que en realidad la versión original hace alusión a que el gato está en el cielo y es que en italiano la afección “blu” se utiliza para referirse al cielo.
Si analizamos la letra de la
canción observamos que en la primera estrofa de la misma el gato está en
nuestro cielo para inmediatamente pasar a ser azul en la siguiente, un
contrasentido ya que en la versión original el gato sigue estando por ahí
arriba, ja, ja, ja.
El gato que está
triste y azul
Nunca se olvida que
fuiste mía
Más sé qué sabrá de
mi sufrir
porque en mis ojos…
una lagrima hay
Quienes hicieron la
traducción de la canción al castellano,
Buddy & Mary McCluskey convirtieron el azul del cielo italiano en el azul
de la tristeza inglesa.
En italiano blu es ‘azul’, pero
también es ‘cielo’, al igual que pasa con el inglés, porque también nos podemos referir al
cielo como blue. Así que el gato podría estar en el cielo y no triste.
La palabra azul no significa nada
en castellano, pero convierte esta canción en un algo extraño. Junta dos cosas raras:
un gato y el color azul.
Ja,ja, ja, lo cierto que sea como
fuere, sea azul, esté en el cielo o esté triste, la canción tuvo un enorme
éxito en España a principio de los años setenta y ahora en “canciones con
historia” queremos recordarla.
Menuda historia verdad?, qué bonita canción y que pésima traducción ja, ja, ja que suene la música, disfrutéis de la canción y tengáis un buen día.
Menuda historia verdad?, qué bonita canción y que pésima traducción ja, ja, ja que suene la música, disfrutéis de la canción y tengáis un buen día.
Braulio Molina López
Roberto Carlos es uno de los iconos más populares y
reconocidos de la música brasileña en el mundo; nombrado en Brasil y en el
resto de América Latina como «el rey de la música latina.
Nació en el estado de Espírito
Santo y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial.
A los seis años de edad, el día de la fiesta de San Pedro (patrono de Cachoeiro
de Itapemirim) fue atropellado por una locomotora de vapor, y la pierna derecha
le tuvo que ser amputada un poco debajo de la rodilla. Desde entonces usa una
prótesis.
Lleva más de 120 millones de
discos vendidos en todo el mundo; récord para un cantante latinoamericano.
Ganador del Grammy al mejor intérprete de pop latino en 1989, gracias a la
canción Si el amor se va, es el único artista latinoamericano de los
considerados leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con
estrellas mundiales en diversas giras.
(Información del cantante:
Wikipedia)
Cuando
era un chiquillo, que alegría
jugando
a la guerra noche y día,
saltando
una verja, verte a ti,
y
así, en tus ojos, algo nuevo descubrir.
Las
rosas decían que eras mía
y
un gato me hacía compañía.
Desde
que me dejaste yo no sé
por
qué la ventana es más grande sin tu amor.
El
gato que está en nuestro cielo
no
va a volver a casa si no estás.
Lo
sabes mi amor, qué noche bella,
presiento
que tu estás en esa estrella.
El
gato que está triste y azul
nunca
se olvida que fuiste mía
más
sé que sabrá de mi sufrir
porque
en mis ojos… una lagrima hay.
Querida
querida, vida mía,
reflejo
de luna que reía,
si
amar es errado culpa mía
te
amé en el fondo que es la vida no lo sé.
El
gato que está en nuestro cielo
no
va a volver a casa si no estás.
lo
sabes mi amor qué noche eterna
presiento
que tu estás en esa estrella.
El
gato que está triste y azul
nunca
se olvida que fuiste mía
más
siempre serás en mi mirar
lágrima
clara de primavera.
El
gato que está en la oscuridad
sabe
que en mi alma… una lágrima hay.
El
gato que está triste y azul
nunca
se olvida que fuiste mía
más
siempre serás en mi mirar
lágrima
clara de primavera.
El
gato que está triste y azul
nunca
se olvida que fuiste mía
más
siempre serás en mi mirar
lágrima
clara de primavera.
Versión original de la canción “Un gatto nel blu”
Bonnie Tyler - It's A Heartache (1977)
Hola a tod@s:
Abrimos una nueva página de “canciones
con historia” y lo hacemos para hablar del corazón. No hace falta estar
demasiado informado para conocer que escuchar música es una buena forma de mejorar
el ánimo, ¿verdad?, pues bien dicen los expertos que también es una buena manera
de tener el corazón sano y fuerte.
“Supongo que si llego a superar
esto, no tendré la confianza de abrir mi corazón como lo hice contigo”. Si, es
esta una frase hecha que nos sugiere una
ruptura amorosa o un amor no correspondido,... o como diría Bonnie Tyler. It's
a heartache (es un dolor de corazón o un corazón destrozado).
Quiero recordar que cuando
programaba esta canción en la radio siempre me impresionó la característica voz de la cantante, mi
curiosidad me llevó a indagar hasta obtener la respuesta del porqué: Tyler fue
operada de las cuerdas vocales y empezó a hablar antes de lo recomendable y
ello provocó que adquiriera esa voz rasgada que le hizo temer por su carrera artística,
sin embargo Bonnie Tyler se equivocaba porque precisamente esa voz ronca le
convirtió en una estrella.
Respecto de la canción habría que
significar que tuvo un tremendo éxito en 1977, año en que se grabó, escrita por
Ronnie Scott y Steve Wolfe y con
carácter de country rock fue grabada también
por Juice Newton (al final la podeis esuchar) , aunque la versión más famosa y
conocida es la de Tyler.
Con "It's a heartache",
alcanzó el top 5” en Reino Unido, Europa y Estados Unidos, dándole el empujón
definitivo para su gira Europea.
Con este corazón herido, o
destrozado, o como queráis llamarlo porque también se tradujo como es una pena,
Bonnie Tyler nos transmite que es una angustia dentro de un juego de tontos, el
sentirse mal por haber dependido tanto de alguien, y notas que él no se
preocupa por ti, algo así como una especie de lamento por haberse enamorado tan
locamente sin ser correspondida plenamente:
tanto como dependí de
ti
Esto es una angustia
Nada más que una
angustia
…y entonces el te
abandona
Por último decir que “It's A Heartache”,la versión de Tyler obtuvo
criticas muy positivas y… bueno, bueno que me enrollo, mejor la escuchamos, ja ,ja,
ja, que tengáis un buen día y tener
cuidado con el corazón que nadie os lo destroce.
Saludos desde Ciudad Real y
gracias por vuestro seguimiento.
Braulio Molina López
«It's a Heartache» es una canción grabada por la cantante galesa Bonnie Tyler para
su segundo álbum de estudio, Natural Force (1978). La canción fue grabada en el
mismo año por Juice Newton como un sencillo independiente. Fue escrita por
Ronnie Scott y Steve Wolfe, en aquel tiempo gerentes de Tyler, la canción fue
producida por David Mackay.
La canción alcanzó el número tres
en los Estados Unidos y el número cuatro en el Reino Unido. Con las ventas
físicas de más de 6 millones de copias, la versión de Tyler es uno de los
sencillos más vendidos de todos los tiempos.1 Tyler ha vuelto a grabar la
canción varias veces, sobre todo como un dueto bilingüe con la cantante
francesa Kareen Antonn en 2004 .
La versión de «It's A Heartache»
de Juice Newton fue lanzado en determinados ediciones extranjeras en su álbum
Come to Me. Cuando se publicó como sencillo en México en 1977, la canción
obtuvo un disco de oro. Versión de Newton fue lanzada en Estados Unidos el año
siguiente y alcanzó el puesto número 86.
Gracias a el lanzamiento de «It's
A Heartache» los críticos musicales compararon la voz de Tyler con la de Rod
Stewart.2 Carol Wetzel desde Spokane Daily Chronicle felicitó a la voz de Tyler
en «It's A Heartache», afirmando que su gran éxito anterior, «Lost in France»,
es «no es gran cosa, probablemente debido a que se hizo antes de que su voz
cambiara.
Es un corazón
roto
nada más que
un corazón roto.
Te golpea
cuando es demasiado tarde por la noche,
te golpea
cuando estás deprimida,
es un juego de
tontos,
nada más que
un juego de tontos,
estar parado
bajo la fría lluvia,
sintiéndote
como un payaso.
Es un corazón
roto,
nada más que
un corazón roto.
Le quieres
hasta que se rompen tus brazos
y entonces él
te decepciona.
No se está
bien queriendo compartir amor
cuando te das
cuenta de que a él no le importas.
No es sensato
necesitar a alguien
tanto como yo
dependía de ti.
Es un corazón
roto,
nada más que
un corazón roto.
Te golpea
cuando es demasiado tarde por la noche,
te golpea
cuando estás deprimida,
es un juego de
tontos,
nada más que
un juego de tontos,
estar parado
bajo la fría lluvia,
sintiéndote
como un payaso.
No se está
bien queriendo compartir amor
cuando te das
cuenta de que a él no le importas.
No está bien
necesitar a alguien
tanto como yo
dependía de ti.
Es un corazón
roto,
nada más que
un corazón roto.
Es un corazón
roto,
nada más que
un corazón roto.
Le quieres
hasta que se rompen tus brazos
y entonces él
te decepciona.
Es un juego de
tontos,
estar parado
bajo la fría lluvia,
sintiéndote
como un payaso.
Es angustioso,
quererle hasta
que se rompen tus brazos.
Versión de Juice Newton
Gerry Rafferty. “Baker Street”
Dices
que casi no existes, que te levantas y que vuelves a caer y que
buscas algo en que apoyarte, “inténtalo, inténtalo y
no abandones”. Ja, ja, ja, buen comienzo a titulo de introducción,
verdad? Espero que estéis bien, yo al menos lo intento y es que….
Nueva entrega de “canciones con historia” para situarnos en esta
ocasión en el año 1978, y lo hacemos con una canción compuesta e
interpretada con buen gusto y estilo. Se trata de
“Baker Street” de el escocés Gerry Rafferty.
Sin
duda en alguna ocasión habéis escuchado canciones dedicadas a
alguna ciudad. Cuando viajamos a otras ciudades muchas veces se nos
viene a la mente esa canción que habla de ella o de algunas de sus
calles famosas, como es esta, una canción viajera por excelencia, por aquello de los muchos visitantes que acoge.
“Baker
Street” fue llamada así en honor al constructor William Baker,
quien la diseñó en el siglo XVIII, tratándose de una calle muy
transitada en Londres, ya que en la actualidad está poblada de
comerciales, y donde se suceden distintas historias cada día del
vivir cotidiano de las gentes.
Por otra parte hay que decir también que “Baker
Street” es muy famosa en Londres por la relación que tuvo en
su momento con el detective Sherlock Holmes (en la ficción) . En el vídeo podemos
apreciar distintos planos tomados en ella y el trasiego de las gentes
“otro día de locos” dice en el texto de la canción,
argumentando que cada uno va a lo suyo y que la gente es fría en
las relaciones.
Respecto
de la canción decir que desde su inicio, con la introducción del
saxo soplado por el escocés Raphael Ravenscroft, ya se aprecia una alta calidad de ejecución.
Este
desierto en la ciudad te hace sentir frío
Hay
tanta gente pero no tiene ni un alma
Y
te ha llevado mucho tiempo averiguar en qué te equivocabas
Cuando
pensabas que ahí había de todo.
En
ella su autor nos habla de volver a empezar, de volver al camino de
la vida sin decaer una y otra vez y de no dejar nunca de intentarlo,
tal vez esto quiera reflejar los duros años vividos por el autor en
una dura etapa de su vida, en la que estuvo viviendo por temporadas
en casa de un amigo, en la londinense calle Baker.
En
su música destaca como decía el saxo alto que hace el papel tanto
de riff principal, como de estribillo, consiguiendo una sincronizada
sonoridad con el resto de instrumentos y un excelente trabajo de
rock intimista con elementos de folk-rock
La
historia de la grabación está sujeta a varias leyendas y
encontronazos entre el saxofonista y Rafferty, este último llegó a
decir que el solo de saxo que aparece en la canción era suyo y
también se dijo que el autor de la grabación no fue Ravenscroft
sino el humorista Bob Holness.
También
se ha comentado que el saxofonista solo cobró un cheque de 27
miserables libras, para una canción que después generó mas de
ochenta mil cada año, en fin todo esto no dejan de ser
elucubraciones que bien podían formar parte de leyendas alocadas o
de malas lenguas.
Por
último, antes de escucharla, decir que el tema musical ha sido muy
utilizado en el mundo del cine o en series de televisión como “Los
Simpson”, sin olvidarnos de que también ha sido la banda sonora de
mas de un anuncio publicitario.
Que
tengáis un buen día
Braulio
Molina López
Baker
Street es una canción de Gerry Rafferty estrenada en 1978,
perteneciente a su segundo álbum solista, llamado City to City. El
nombre del tema se debe a la famosa calle londinense del mismo
nombre. El sencillo alcanzó el puesto 3 en el Reino Unido y el
puesto 2 en los Estados Unidos, además de alcanzar el top 10 en los
Países Bajos.
Fue
el primer lanzamiento de Rafferty tras las disputas jurídicas que
rodearon a la separación de la banda Stealers Wheel en 1975.
Rafferty no pudo presentar ningún material durante tres años, en
tanto no se resolvieran ciertas cuestiones judiciales. La ejecución
del saxofón, sonido preponderante en el tema, estuvo a cargo de
Raphael Ravenscroft.
(información Wikipedia).
Caminando
cada vez más despacio por la calle Baker
Tu
mente iluminada y tus pies agotados
Bueno,
otro día de locos, te beberás la noche
Y
te olvidarás de todo.
Este
desierto en la ciudad te hace sentir frío
Hay
tanta gente pero no tiene ni un alma
Y
te ha llevado mucho tiempo averiguar en qué te equivocabas
Cuando
pensabas que ahí había de todo.
Solías
pensar que era tan fácil,
Solías
decir que era tan fácil
Pero
ahora lo estás intentando, lo estás intentando.
Un
año más y entonces serás feliz
Solo
un año más y entonces serás feliz
Pero
ahora estás llorando, estás llorando.
Más
abajo de la calle hay una luz en su casa
Él
abre la puerta, tiene esa cara
Y
te pregunta dónde has estado, le dices a quién has visto
Y
se lo cuentas todo.
Él
tenía aquel sueño de comprar algún terreno
Va
a dejar la bebida y los ligues de una noche
Y
entonces sentará la cabeza, en algún pueblo tranquilo
Y
se olvidará de todo.
Pero
sabes que siempre se estará moviendo
Sabes
que nunca dejará de moverse
Porque
él es el trotamundos
Y
cuando despiertas es una nueva mañana
El
sol brilla, es una nueva mañana
Pero
te vas, te vas a casa.
Pulgarcito - ¡Que demasiao!
Hola a tod@s
Bienvenidos a una nueva entrega
de “canciones con historia”….y para historia la que nos propone esta canción, y
es que nuestro protagonista tuvo por escuela una prisión y por maestro una mesa
de billar y sin tener años para votar ya pasaba del rollo de vivir. Ja, ja, ja,
dicho así parecería un relato de ficción, de no tratarse de una historia basada
en la realidad, una triste historia con final trágico.
Lo cuenta “Pulgarcito”, un
músico callejero que tocaba en las calles de Madrid con su guitarra y un
pequeño plato para las monedas, solía hacerlo en las puertas de los grandes almacenes de la calle Preciados de la capital de España.
Un día que Joaquín Sabina paseaba
lo encontró en la calle y le regalo la letra de la canción
“Que demasiao” un tema que curiosamente obtuvo un gran éxito entre los transeúntes y a partir de ahí un productor discográfico le propuso grabar un disco con todas
esas canciones callejeras.
Pulgarcito aceptó la oferta pero le comentó al directivo que la mayoría de las letras eran de un tal Joaquín Sabina,(quien por entonces todavía no había grabado discos), tras contactar la discográfica con Sabina apareció el primer disco de Pulgarcito.
La canción estaba dedicada a “El Jaro” y fue interpretada en el espacio televisivo de la 2 Popgrama, despertando así el interés de la CBS.
Pulgarcito aceptó la oferta pero le comentó al directivo que la mayoría de las letras eran de un tal Joaquín Sabina,(quien por entonces todavía no había grabado discos), tras contactar la discográfica con Sabina apareció el primer disco de Pulgarcito.
La canción estaba dedicada a “El Jaro” y fue interpretada en el espacio televisivo de la 2 Popgrama, despertando así el interés de la CBS.
Pero vamos con esta historia
José Joaquín Sánchez Frutos
conocido como “El Jaro” fue un delincuente nacido en Toledo en 1962 de los que
en la ficha policial figuraban entre otros 500 substracciones de vehículos, 100
atracos, diversas lesiones, 38 robos a chalets y un largo etc. En el informe policial podemos observar que con tan
solo 14 años manejaba una banda de 65 individuos y con 15 ya había sido
detenido 28 veces, en fin como veis todo un personaje este Jaro.
Ingresó de forma reiterada en el
reformatorio del Sagrado Corazón, del que se llegó a fugar una quincena de
veces. Estuvo en el centro tutelado de menores Santo Anxo, en Rábade (Lugo), de
régimen abierto. Estuvo un mes hasta que recibió la noticia de que su novia
estaba embarazada. Entonces, el centro le proporcionó un billete de ida y
vuelta para que la visitara, pero éste, una vez en Madrid, volvió a juntarse
con sus amigos y atracaron un chalé. Allí tuvo lugar un enfrentamiento armado
con la Guardia Civil en el que fue herido y trasladado a la cárcel
concordatoria de Zamora
Dice un refrán que “quien mal
anda mal acaba” y es que al jaro le esperaba la muerte el 24 de febrero de 1979.
Un hombre vio que atracaba en la calle Toribio Pollán de Masrid a un vecino, bajó
a la calle con una escopeta y le disparó, matándolo y como dice la canción: “la muerte en una
esquina te esperó, te pegaron seis tiros descarao y luego desangrado te
ingresaron en el Piramidon, pero antes de palmarla se te oyo decir ¡Que demasiado’!
de esta me sacan en televisión.
Pero “el jaro” no solo tuvo su
canción, llegó a hacerse tan famoso en España que el director de cine Eloy de
la Iglesia fijándose en su carrera delictiva rodó la película “navajeros”
inspirado en su vida, por cierto que el periódico de la época El caso le dedico
un amplio reportaje el 14 de abril de 1979.
Fue Joaquín Sabina, tras su
muerte quien le compuso la canción”Que demasiao” en la que narra su vida.
En fin historias de la vida o
vidas con historia. Que tengáis un buen día.
Braulio Molina López
El Jaro
José Joaquín Sánchez Frutos,
alias El Jaro, (Villatobas, Toledo, 1963 - Madrid, 24 de febrero de 1979), fue
un famoso y precoz delincuente español cuya breve vida se llevó al cine en la
película Navajeros.
Nace en Villatobas. Su apodo se
lo puso su madre debido a que cuando nació era muy rubio y de piel muy blanca.
El padre y los dos primogénitos trabajaban en el campo, mientras la madre,
alcohólica, encerraba a José Joaquín y al resto de sus hermanos en una
habitación para irse a beber. En la habitación lo único que les dejaba la madre
a los niños para comer todo el día era una barra de pan y tres onzas de
chocolate. Por eso, ya a los ocho años, según relata una de sus hermanas,
forzaban la cerradura de su casa con una cuchara para ir a la escuela a pedir
comida, o en su defecto robar leche en la despensa del comedor escolar.
Al parecer, tanto José Joaquín
como sus hermanos sufrían agresiones físicas por parte de sus padres. Poco
tiempo después, la madre acabó siendo detenida y trasladada al penal de Ocaña.
Nada más salir su madre de la cárcel, y seguramente por la vergüenza que
provocaría en la familia este hecho, José Joaquín, sus padres y sus hermanos
decidieron emigrar ese mismo día a Madrid en busca de mejores oportunidades,
sin apenas equipaje ni dinero. Sus primeros años en la ciudad los pasaron en
una casa abandonada. Durante aquellos años el padre abandonó a la familia y los
niños se vieron obligados a mendigar para subsistir.
Al volver a
"casa" con lo recaudado, su madre les arrebataba todo el dinero y lo
gastaba en ella sola. Según cuenta una hermana del Jaro, "con lo que
sacábamos ella hacía una cazuela de patatas, por ejemplo, y se la comía con dos
litros de vino, mientras nosotros mirábamos"-
Era un líder nato y desde pequeño
manejó una banda con miembros mayores que él, algunos incluso mayores de edad,
a los que dirigía en todo tipo de tropelías como robos, hurtos y atracos.
Ingresó de forma reiterada en el reformatorio del Sagrado Corazón, del que se
llegó a fugar una quincena de veces. Estuvo en el centro tutelado de menores
Santo Anxo, en Rábade (Lugo), de régimen abierto. Estuvo un mes hasta que
recibió la noticia de que su novia estaba embarazada.
Entonces, el centro le
proporcionó un billete de ida y vuelta para que la visitara, pero éste, una vez
en Madrid, volvió a juntarse con sus amigos y atracaron un chalé. Allí tuvo
lugar un enfrentamiento armado con la Guardia Civil en el que fue herido y
trasladado a la cárcel concordatoria de Zamora.
«Macarra de
ceñido pantalón
pandillero
tatuado y suburbial,
hijo de la
derrota y el alcohol,
sobrino del
dolor,
primo hermano
de la necesidad.
Tuviste por
escuela una prisión,
por maestra
una mesa de billar.
Te lo montas
de guapo y de matón,
de golfo y de
ladrón
y de darle al
canuto cantidad.
Aún no tienes
años pa votar
y ya pasas del
rollo de vivir.
Chorizo y
delincuente habitual
contra la
propiedad
de los que no
te dejan elegir.
Si al fondo
del oscuro callejón
un Bugatti te
come la moral,
a punta de
navaja y empujón
el coche
vacilón
va cambiando
de dueño y de lugar.
Que no se
mueva nadie, has ordenao,
y van ya
quince atracos en un mes.
Tu vieja apura
el vino que has mercao
y nunca ha
preguntao:
¿De dónde sale
todo este parné?
La pasma va
pisándote el talón,
hay bronca por
donde quiera que vas,
las chavalas
del barrio sueñan con
robarte el
corazón
si el sábado
las llevas a bailar.
Una noche que
andabas desarmao
la muerte en
una esquina te esperó,
te pegaron
seis tiros descaraos
y luego
desangrao
te ingresaron
en el piramidón.
Pero antes de
palmarla se te oyó
decir:
"Qué demasiao,
de esta me
sacan en televisión"».
Victor Manuel - La Madre (1988)
Hola a tod@s
En esta nueva entrega de “canciones
con historia” quiero que centremos nuestra atención en un grave problema de la sociedad
como es sin duda la droga y la adicción de
muchos jóvenes. Es realmente impactante como destruye a una persona y también
a todo el ámbito familiar. ¿Por un momento quiero que os peguntéis cuanto tiene
que sufrir una madre para incluso desear por su bien la muerte de su hijo, os
contesto yo: “ya no puede haber más dolor, ya no se puede sufrir más”.
“La droga está destruyendo a la
sociedad, fomentando el delito, esparciendo enfermedades como el Sida y
acabando con nuestros jóvenes y nuestro futuro, son palabras de ”Kofi Annan, Ex
secretario General de la ONU.
En la canción que ahora os
propongo se concentra todo el dolor e
impotencia de una madre con su hijo. Seguro que much@s de vosotros estaréis de
acuerdo conmigo en que lo más importante en la vida para una mujer es sin ningún
género de dudas un hijo.
Quizá todo el dolor y sufrimiento que siente una madre por su hijo,
enfermo y adicto a la droga, sirva para acentuar cuanto lo quiere y se plantee
como puede ayudarle.
Sobre la droga y su tragedia se
han escrito muchas cosas, pero estoy convencido de que “La Madre” de Víctor Manuel es una canción durísima,
la más impresionante que a este respecto se ha escrito.En solo tres estrofas condensa
toda la crudeza de la historia: una mujer abnegada que da todo lo que puede para
proporcionar lo mejor a su hijo, la espiral
en la que se ve envuelta esa madre se resume en la segunda estrofa de la
canción, donde el autor afirma que la madre quiso ayudarle aunque matiza que sin saber ni como.
“Con un último esfuerzo le compró
la más dura”, realmente patético el final de la canción en la que el drogadicto
muere en brazos de su madre. En el estribillo se concentra todo la impotencia de la madre: “Que te puedo dar
que no me sufras”.
La canción se inicia con un ritmo
obsesivo que permanece en las estrofas y que sin duda consigue hasta llegar al desenlace
de la historia en que la voz del cantante queda solo arropada por los
sintetizadores y el bajo.
Con esta composición Víctor Manuel,
demuestra una vez más que es un gran poeta con una sensibilidad especial sobre
el problema de la droga en la sociedad.
Que tengáis un buen dia
Braulio Molina López
Nada que ver
con la común historia
nadie me
quiere y todas esas cosas.
Ella fregaba
suelos, nunca se compró ropa,
por darle un
buen colegio multiplicó las sobras.
Cuál sería el
instante, quién le enseñó estas cosas
cuando probó
la muerte y amaneció entre sombras.
Qué te puedo
dar, que no me sufras,
qué te puedo
dar, que no te hundas,
que no vea en
tus ojos reflejos de cristal,
que me mata tu
angustia, que me puede tu mal.
Qué te puedo
dar.
Quiso
ayudarle, sin saber ni cómo
y aunque no
pudo, fue vendiendo todo.
Pero todo era
poco para un saco sin fondo.
Un golpe a una
farmacia, algún pequeño robo.
Ya de vuelta
en la casa del hospital sabía
que más pronto
que tarde la herida se abriría.
Con la
prudencia que da la locura
buscó los
datos, aclaró sus dudas.
Con un último
esfuerzo, le compró la más pura
y al mirarle a
los ojos, se le borró entre bruma.
Él creyó que
soñaba en el fugaz instante
en que acabó
su tiempo abrazado a la madre.
Maná - En el muelle de San Blás
Hola a tod@s, queridos amigos y
amigas, estamos de vuelta en “canciones con historia" con una reflexión:
La música es
uno de los factores más importantes de la vida del ser humano y buena prueba de
ello es que apareció en los inicios de nuestra especie, es decir surgió al
mismo tiempo que nosotros. Esto lleva a
afirmar que la música es algo así como la banda sonora de nuestra vida.
Sobre la música
se han hecho muchas reflexiones, como muestra un botón:
1.
La música es amor buscando palabras (Lawrence
Durrell).
2.
La música puede cambiar el mundo porque puede
cambiar a las personas. (Bono líder de la banda U2).
3.
La música expresa lo que no puede ser dicho y
aquello sobre lo que es imposible permanecer en silencio. (Victor Hugo).
4.
Donde las palabras fallan, la música habla.( Hans
Christian Andersen).
5.
La música es la mediadora entre el mundo
espiritual y el de los sentidos. (Ludwig van Beethoven).
6.
La música es la taquigrafía de la emoción (León
Tolstoi).
7.
La única verdad es la música (Jack Kerouac).
8.
La música es el tipo de arte que está más cerca
de las lágrimas y la memoria (Oscar Wilde).
9.
El músico es probablemente el más modesto de los
animales, pero también el más orgulloso (Erik Satie).
1 En
la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino
música hecha realidad (Arthur Schopenhauer).
Estas citas
celebres que acabo de enumerar nos llevan a la paulatina sensibilización del
alma a los sonidos nobles.
En esta
ocasión tenemos como invitada protagonista a Rebeca Méndez, también conocida como
la loca del muelle de San Blas...con una triste historia de amor.
Nuestra
protagonista tenía todo preparado para su boda, pero paradojas de la vida tres días
antes del gran día, Manuel (su prometido) se adentró en el mar para no volver
nunca más.
Manuel como de
costumbre se embarcó muy temprano para
pescar, pero ya no volvió, ese día, la
tormenta tropical, en el Pacífico, pudo ser perfectamente la responsable de que
Manuel no volviera nunca más junto a su amada.
Pasaron los
días, los meses y los años y Manuel no volvía. Rebeca permaneció sentada en el
muelle del puerto de San Blas, luciendo su vestido de novia, esperando el tan
ansiado regreso de su prometido.
“Voy a esperar
a mi amado, voy a cumplirle la promesa que le hice junto al mar, llevo este
vestido para que me reconozca y aquí estaré siempre sola con mi espíritu en el
Muelle de San Blas”. Rebeca esperó y esperó, pero Manuel no regresó nunca, la insistencia
de la espera llevo a los lugareños a llamarla la loca del Muelle de San Blas.
En el año 2012
murió Rebeca Méndez Jiménez la mujer que inspiró al grupo Maná, en el tema
"El muelle de San Blas" y todo ello tras una vida dramática y triste.
Tras su muerte los familiares revelaron que el último deseo de la mujer era que
se arrojasen sus cenizas al mar, desde el muelle de San Blas para así
encontrarse con su amado Manuel.
Una vez más la música es protagonista de otra historia, de
otra vivencia, del sufrimiento humano y de la importancia que tiene el sentir
del amor en la vida. Historias y canciones o “canciones con historia”.
Feliz día y un
saludo desde Ciudad Real (España)
Braulio Molina
López
"En el
muelle de San Blas" es el cuarto sencillo del álbum Sueños líquidos, de la
banda mexicana de rock latino Maná. Lanzado el 23 de mayo de 1998. Ese mismo
día, la canción alcanzó el n.º 18 en el U.S. Billboard Hot Latin Tracks,1 y
permaneció en ese puesto por 6 semanas.
El 16 de
septiembre de 2012, murió la mexicana Rebeca Méndez Jiménez, quien había sido
la musa que inspirara el tema. Fher se habría inspirado en la historia de
Méndez Jiménez. En 1971 ella despidió en el muelle de San Blas a su prometido
con quien se iba a casar cuatro días después, para nunca más volver a verlo.
(Wikipedia)
Ella despidió
a su amor
el partió en
un barco
en el muelle
de san Blás.
El juró que
volvería
y empapada en
llanto ella juró
que esperaría.
Miles de lunas
pasaron
y ella siempre
estaba en el muelle
esperando.
Muchas tardes
se anidaron
se anidaron en
su pelo
y en sus
labios.
Llevaba el
mismo vestido
y por si él
volviera
no se fuera a
equivocar.
Los cangrejos
le mordían
su ropaje su
tristeza
y su ilusión.
Y el tiempo se
escurrió
y sus ojos se
le llenaron
de amaneceres.
Y del mar se
enamoró
y su cuerpo se
enraizó
en el muelle.
Sola... Sola
en el olvido
Sola... Sola
con su espíritu
Sola... Sola
con su amor el mar
Sola... en el
muelle de san Blás.
Su cabello se
blanqueó
pero ningún
barco
a su amor le
devolvía.
Y en el pueblo
le decían
le decían la
loca
del muelle de
san Blás.
Una tarde de
abril
la intentaron
trasladar
al manicomio.
Nadie la pudo
arrancar
y del mar
nunca jamás
la separaron.
Sola... Sola
en el olvido
Sola... Sola
con su espíritu
Sola... Sola
con su amor el mar
Sola... en el
muelle de san Blás.
Oooh...
Sola... Sola
en el olvido
Sola... Sola
con su espíritu
Sola... Sola
con el sol y el mar
Sola... Ooh
Sola...
Sola en el
olvido
Sola... Sola
con su espíritu
Sola... Sola
con su amor el mar
Sola... en el
muelle de san Blás.
Ooooh...
Eeeeh...
Se quedó, se
quedó
sola, sola.
Se quedó, se
quedó
con el sol y
el mar.
Se quedó ahí
se quedó hasta
el fin.
Se quedó ahí.
Se quedó
En el muelle
de san blás
Ooooh....
Sola, Sola
se quedó
sola sola.
La historia detras de la cancion
Pearl Jam - Jeremy
Hola a tod@s:
En esta nueva entrega de “canciones
con historia” hablamos del acoso escolar, también llamado bullying y es que a
estas alturas ya nadie duda de que es una realidad que además en los últimos tiempos se ha incrementado notablemente siguiendo unas
pautas de comportamiento determinadas, todo se reduce a la falta de respeto.
La educación para abordar el
acoso escolar debe en mi opinión comenzar en casa educando con empatía a su
hijo.
Muchos niños tienen miedo a
contar determinadas situaciones por miedo, y es por ello por lo que debemos
darles a entender que los comprendemos, que les vamos a escuchar y que nos
interesan sus problemas.
También habría que significar que
la colaboración de los centros educativos es fundamental y los profesores deben
aquí jugar un papel fundamental tomando medidas desde el primer momento a
través de una enseñanza basada en valores de respeto.
Es imposible determinar cuando
surgió exactamente el acoso escolar aunque podríamos aventurarnos a decir que surgió
con las primeras aulas educativas, es decir hace ya mucho tiempo y en cualquier
parte del Mundo.
La canción
que ahora os presento es la historia de "Jeremy" de la banda Pearl Jam.
Unos dicen que el joven se suicido por acoso y otros lo atribuyeron a la mala relación familiar que tenia con los padres, quizá nunca conozcamos el verdadero motivo pero sea como fuere lo cierto es que Jeremy se quitó la vida y se llevo consigo su secreto con tan solo 16 años.
Unos dicen que el joven se suicido por acoso y otros lo atribuyeron a la mala relación familiar que tenia con los padres, quizá nunca conozcamos el verdadero motivo pero sea como fuere lo cierto es que Jeremy se quitó la vida y se llevo consigo su secreto con tan solo 16 años.
Eddie Vedder, miembro de la
formación, quedó impresionado al leer en el periódico la noticia: Jeremy Wade
Dalle, un chico de Texas se suicidó ante sus compañeros en la propia clase con
tan solo 16 años.
A partir de ahí la banda
consideró que debería escribirle una canción, como toque de atención y de esta forma surgió “Jeremy”, así nació el tema musical donde se
narra la falta de atención de los padres sobre Jeremy y las burlas de que era
objeto por parte de los compañeros de clase. el rockero Edie Vedder se refería
al constante maltrato y burlas de que era objeto Jeremy por parte de sus compañeros y sobre los
problemas psicológicos que pudo traer consigo.
Cuando le preguntaron sobre la
canción, Vedder explicó:
"Esto viene de un pequeño
parrafo en un papel lo que significa que te suicidas haciendo un gran
sacrificio para conseguir tu venganza. Eso es todo lo que vas a conseguir, un
parrafo en un periódico. 63ºF y nublado en un vecindario suburbano. Ese es el
principio del video y es lo mismo en el final no hace nada...cambia nada El
mundo sigue y tú ya no estás. La mejor venganza es vivir y probarte a ti mismo.
Ser mas fuerte que esa gente."
Jeremy había perdido muchas
clases, el profesor le pidió un permiso de asistencia de las oficinas del
colegio. Cuando regresó, Jeremy dijo: "Ya tengo lo que realmente
buscaba", entonces puso el cañón en su boca y disparó. Era el martes 8 de
junio de 1991
La canción causó un gran impacto
en Estados Unidos e incluso algunos medios llegaron a censurarla, sobre todo el
video musical donde se recreaba la trágica historia.
En el año 1992 la canción
consiguió llegar al puesto número cinco de la lista de popularidad de la
revista Billboard.
Descanse en Paz el joven Jeremy
Descanse en Paz el joven Jeremy
Que tengáis un buen dia.
Braulio Molina López
Jeremy es una de las canciones
más emblemáticas de la banda de grunge Pearl Jam. Fue incluida en su álbum
debut Ten y tuvo dos nominaciones al Grammy de 1993: Mejor Canción de Rock y
Mejor Interpretación de Hard Rock.
Existen dos videos de esta
canción, el primero fue grabado el 4 de octubre de 1991 y dirigido por Chris
Cuffaro. Cuando Eddie Vedder lo conoció, le sugirió que dirigiera un video para
la banda. Epic Records le dio permiso a Cuffaro, tras la insistencia de Vedder,
de escoger cualquier canción del álbum Ten. Él escogió "Jeremy", que
no iba a ser lanzada como sencillo, por lo que Epic rehusó financiar el clip.
Esto obliga a Cuffaro a financiarlo por su cuenta.
Esta versión está filmada en
blanco y negro, con imágenes de la banda que toca sobre una plataforma
giratoria. Al igual que la versión oficial, incluía un actor en el papel de
Jeremy. El video fue rechazado por Epic y nunca fue lanzado como versión
oficial.
La que se muestra en TV es la
versión censurada del video, ya que MTV prohibió a Pellington que mostrara la
toma del joven con la pistola en su boca y apretando el gatillo. Al no tener
una imagen clara, muchos creyeron que Jeremy había disparado contra sus
compañeros. Eso es falso; existe un video sin censura donde es posible apreciar
que Jeremy dispara con la pistola en su boca. Pellington también tuvo que retirar
del video una escena donde se mostraba un saludo nazi por parte de los
estudiantes y de Jeremy.
Debido a la censura y al enorme
éxito comercial de Jeremy, los miembros de Pearl Jam decidieron no grabar más
videos. Mantuvieron esa postura hasta 1998, cuando filmaron uno para la canción
del álbum Yield "Do the Evolution", realizado en animación.
(Wikipedia)
En
casa, dibujando cimas de montañas, con él, arriba.
Sol
amarillo limón.
Brazos
alzados, en V.
La
muerte espera abajo, en una piscina de abandono.
Papá
nunca le prestó atención.
Y
de hecho a mama no le importaba.
Rey
Jeremy, el malvado, mandaba en su mundo.
Jeremy
habló en clase hoy.
Claramente
recuerdo
Parecía
estar jodido, sin dolor.
Pero
liberamos a un león.
Enseño
sus dientes y mordió la soledad de su corazón.
Como
lo voy a olvidar. ?
Y
me golpea la sorpresa y deja.
Mi
mandíbula dolorida, ...ooh, la deja abierta.
Como
el día, ...oh, como el día, lo escuche.
Papá
no le dio afecto.
Y
el chico se convirtió en algo que a mamá no le gustó enseñar.
Rey
Jeremy, el malvado, mandaba en su mundo.
Jeremy
habló en clase hoy.
Woo.
Intenta
olvidarlo... Intenta olvidarlo...
Intenta
borrarlo... Intenta borrarlo...
De
la pizarra......
Jeremy
habló en clase hoy.
Jeremy
habló hoy, habló hoy.
Jeremy
habló en clase hoy.
Woo
Wooooooooh...
habló hoy, habló hoy.
Wooooooooh... uh, huh,...uh, huh.
Bruce
Springsteen & The E Street Band - American Skin (41 Shots)
Hola a tod@s:
La tremenda cifra de ciudadanos
muertos en Estados Unidos por la policía, ha encendido protestas y agravado la
herida racial del país, En 2015, el número contabilizado fue de 990 fallecidos,
de los que 258 eran afroamericanos, siendo este dato el que genera la
desconfianza de las minorías hacia las fuerzas policiales. Todo ello nos hace
peguntarnos: ¿Vive EE.UU. una nueva ola en la lucha por los derechos civiles?
Estados Unidos es el país con más
armas de fuego del mundo, tanto en términos absolutos como en relación al
número de habitantes. Parte de sus ciudadanos argumenta que es por seguridad,
pero los más perjudicados son precisamente los que se encargan de protegerles:
los policías. Cualquier sospechoso puede tener una pistola y los agentes actúan
en consecuencia.
Hecha esta introducción, quiero comentaros
que tenemos a un invitado muy especial para esta nueva propuesta de “canciones
con historia”, me refiero a Bruce Springsteen, también conocido como The Boss.
Hay historias que bien merecen una
canción, eso es lo que pensó Bruce Springsteen cuando escribió 41 Shots (41 disparos
en español), una historia que sin duda adquirió todavía más dimensión por quien
la cantaba, ni más ni menos que Springsteen.
41 Shots es la historia de Amadou
Diallo, un joven guineano que inmigró a EEUU para estudiar y que acabó
acribillado a balazos por la Policía de Nueva York el 4 de febrero de 1999.
Diallo vendía cosas en la calle por las mañanas y estudiaba por las noches,
tenía 23 años la noche de su muerte.
Esos 41 disparos de los que nos
habla el título de esta composición restallaron la mañana del 4 febrero de
1999, y una buena parte de ellos fueron a parar al cuerpo de Amadou Diallo, un
inmigrante africano de 23 años.
Tras salir de cenar, Diallo se
dirigía a casa cuando cuatro agentes de paisano le dieron el alto
confundiéndolo con un violador de la zona. El chico, que residía en EEUU como
exiliado político, salió corriendo. Cuando se vio acorralado y se le requirió
la documentación, metió su mano en el bolsillo de la chaqueta. Eso fue lo
último que hizo. Ese gesto fue correspondido con 41 disparos de los policías.
Springsteen compuso la canción al
poco de enterarse de la noticia. Una composición escrita desde el respeto. No
se nombra al chico y más bien sirve de
reflexión sobre las tensiones entre policías y minorías en EE.UU
Bruce estrenó “American Skin” en
Atlanta, sin pronunciar ni una sola palabra. No hacía falta. La puesta en
escena hablaba por sí sola. El escenario se quedó a oscuras y un punto de luz
iluminó el micrófono en el centro. Todos los miembros de la E street Band
dieron un paso adelante y entonaron con voz quebrada la frase
forty-one-shots. Bruce pidió silencio y
comenzó a contar su versión de lo ocurrido: “no es ningún secreto, no es ningún
secreto amigo mío, te pueden matar sólo por tu piel americana”.
En la letra de la canción se
pregunta: ¿es una pistola?”, “¿es un cuchillo?”, “¿es una cartera?”…, las
preguntas que a los agentes se les debió de pasar por la cabeza antes de
apretar el gatillo… y continua: “nos han bautizado en estas aguas y en la
sangre cada cual”.
«41
disparos y haremos ese "viaje"
a
través del sangriento río hacia al otro lado.
Mis
botas cubiertas de barro.
Somos
bautizados en estas aguas y en las sangres de otros».
La canción no estuvo exenta de polémica,
el presidente de la asociación de policías de Nueva York, Patrick J. Lynch, sin
escuchar la canción acusó a “Springsteen
de intentar llenar su cartera reabriendo las heridas de este trágico caso”.
Springsteen quería señalar que a
la gente de color se la ve a través de un velo de criminalidad y que en última
instancia significa que se les considera como si fueran menos norteamericanos
que otros nortemaericanos y por consiguiente
gente con menos derechos”.
Todo el mundo sabía que Bruce
cantaría American Skin en el primer concierto de Nueva York el 12 de junio de
2000. Aquella noche, en el Madison Square, con los padres de Diallo sentados en
la parte izquierda del escenario, se respiraba mucha tensión. Como dice el
biógrafo de Bruce, Dave Marsh: “La banda cantó como si estuviera de duelo.
Bruce se enfrentaba a la hostilidad oficial y se defendió únicamente con su voz
y su banda. Después de aquella noche ni Giulliani ni los policías volvieron a
abrir la boca. Su música habló con voz propia. Una vez más venció la ética de
sus espectáculos” .
Que tengáis un buen día
Braulio Molina López
La canción, que denuncia la
muerte de Amadou Diallo a manos de la policía de Nueva York, fue interpretada
con frecuencia durante la gira de reunión con The E Street Band entre 1999 y
2000, y estrenada en el concierto de Atlanta (Georgia) el 4 de junio de 2000,
el último antes de tocar durante diez días en el Madison Square Garden de Nueva
York. Diallo, que en el momento de los hechos estaba desarmado, fue alcanzado
por 19 de los 41 disparos que le realizaron los agentes cuando vieron que iba a
coger su cartera, malinterpretando el gesto y pensando que iba a coger un arma.
La interpretación de «American Skin (41 Shots)» provocó controversia en Nueva
York, donde el sindicato Patrolmen's Benevolent Association llamó al boicot del
concierto.
Una versión en directo fue
publicada en el álbum Live in New York City, y dos años después en el
recopilatorio The Essential Bruce Springsteen. En abril de 2001, una versión de
estudio fue publicada en un sencillo promocional de tirada limitada y en
formato CD-R en los Estados Unidos. Un video musical con la actuación en
directo del Madison Square Garden y dirigido por Jonathan Demme fue también
estrenado en 2001.
(Wikipedia)
41
tiros
41
tiros
41
tiros
41
tiros
41
tiros
41
tiros ....
y
vamos a tomar ese paseo
'Cruzar
este río de sangre
al
otro lado
41
tiros ... cortar a través de la noche
Usted
está de rodillas sobre su cuerpo en el vestíbulo
Orando
por su vida
¿Es
un arma de fuego, es que un cuchillo
Se
trata de una cartera, esta es tu vida
No
es ningún secreto
No
es ningún secreto
No
hay secreto de mi amigo
Usted
puede morir simplemente por vivir
En
la piel de América
41
tiros
Lena
recibe a su hijo para la escuela
Ella
dice que "en estas calles, Carlos
Tienes
que entender las reglas
Si
un policía le detiene
Prométeme
que siempre será cortés,
que
nunca jamás huir
Mamá
te prometo mantener las manos a la vista "
¿Es
un arma de fuego, es que un cuchillo
Se
trata de una cartera, esta es tu vida
No
es ningún secreto
No
es ningún secreto
No
hay secreto de mi amigo
Usted
puede morir simplemente por vivir
En
la piel de América
¿Es
un arma de fuego, es que un cuchillo
¿Está
en tu corazón, está en tus ojos
No
es ningún secreto
41
tiros ... y vamos a tomar ese paseo
"Cruzar
este río de sangre
Para
el Antiguo Testamento
Bob Dylan - Hurricane
Hola a tod@s:
Nueva propuesta musical de “canciones
con historia” para centrar en esta ocasión nuestra atención en el ámbito judicial.
Siempre he pensado que de existir la más mínima duda, es preferible en mi opinión
tener un culpable en la calle que un inocente en la cárcel.
Desde 1973, en Estados
Unidos, 142 condenados a muerte en 26 estados han abandonado el corredor de la
muerte tras haberse probado su inocencia. Según la organización Witness of
Innocence, uno de cada nueve condenados a muerte en este país fue
posteriormente declarado inocente. Después de recuperar su libertad cada uno de
ellos había pasado por término medio diez años de estancia en prisión.
En esta nueva entrega
nuestro invitado es Bod Dylan y su canción Hurricane, La letra habla sobre el
boxeador negro Rubin Carter, acusado injustamente de un triple homicidio.
Aparece en el álbum Desire en enero de 1976, dando a conocer públicamente el
caso del boxeador Rubin "Hurricane" Carter , es una de las pocas
canciones de protesta que escribio Dylan en los setentas.
Bob Dylan denunció
publicamente el trato que se le había dado al boxeador negro acusado
injustamente de un triple homicidio y que le hizo permanecer 19 años en
prisión.
Además del álbum y la
canción, un año antes, Dylan llevó a
cabo un concierto benéfico multitudinario en Central Park y la recaudación de
fondos fueron a parar a manos de Rubin Carter, para que prosiguiese las
acciones legales.
La canción recaudó
suficientes fondos y publicidad necesaria para ayudar a Carter en nuevas
acciones legales para optar a la libertad. A pesar de obtener el derecho a un
nuevo proceso, Carter y Artis fueron encontrados otra vez culpables y
condenados a dos cadenas perpetuas consecutivas el 9 de febrero de 1976
En 1985, el juez del
Tribunal de Distrito de Estados Unidos, a nivel federal, H. Lee Sarokin, revocó
las condenas al considerar que el juicio había estado "fatalmente
alterado". Carter fue liberado. Sin embargo, fue hasta 1988, después de
varios intentos de la Fiscalía por restablecer las condenas y la negativa de un
tribunal de Apelaciones federal y la Suprema Corte, que se quitaron los cargos
y se cerró el caso Carter.
Pero el tema musical de Bob
Dylan no estuvo exento de controversia. Los detractores de la canción acusaron
a Bob Dylan de haber omitido en la misma cualquier referencia al violento
carácter de Rubin Carter. También se criticó la descripción que se hace en la
canción sobre la carrera deportiva de Rubin Carter: " the number one
contender" ("el contendiente número uno al campeonato mundial de
box"), tanto en cuanto la edición de mayo de 1966 (momento de la detención)
del Ring Magazine sólo situaba en el noveno puesto del escalafón mundial.
Mike Cleveland del
Herald-News y Robert Christgau, entre otros cuestionaron la objetividad de Bob
Dylan sobre el tema. Asimismo, el reportero Cal Deal, quien cubrió el caso
entre 1975 y 1976 y que entrevistó a Rubin Carter en agosto y diciembre de
1975, también acusó a Bob Dylan de haberse tomado numerosas licencias artísticas.
Una vez más la música se
convierte en un soporte de denuncia, en una plataforma para dar a conocer a la
sociedad el sentir de su autor para gritar contra lo que entiende una odiosa
injusticia.
Insisto, ante la duda mejor
un culpable en la calle que un inocente en prisión aunque por otra parte soy
consciente de que esta manera mía de pensar pueda ser objeto de controversias.
Saludos desde Ciudad Real y
que paséis un buen día.
Braulio Molina Lopez
La canción
"Hurricane" abre el disco de Bob Dylan Desire del año 1976, y se
convirtió probablemente en la canción más popular del mismo. El nombre de la
misma proviene del apodo del boxeador de los pesos medios Rubin Carter. Bob
Dylan se inspiró para escribirla tras leer la autobiografía del propio Rubin
Carter ("The Sixteenth Round") que este le había enviado por su
"compromiso en la Lucha por los Derechos Civiles de los
Afroamericanos".
Rubin Carter y otro hombre
llamado John Artis habían sido acusados de un triple asesinato ocurrido en el
Lafayette Grill, Paterson, Nueva Jersey en 1966. Tras un proceso con una amplia
cobertura periodística, y con acusaciones de haber sido un asesinato con tintes
racistas, ambos fueron condenados a cuatro cadenas perpetuas. Pero en los años
posteriores comenzaron a surgir numerosas controversias sobre el caso,
relativas a la falta de evidencias y a lo cuestionable de la veracidad de las
declaraciones de algunos de los testigos. En su autobiografía, Rubin Carter
mantenía su inocencia, y su historia llevó a Bob Dylan a visitarle en la
prisión de Rahway State en Nueva Jersey.
Tras conocer a Rubin Carter
y a alguno de sus seguidores, Bob Dylan comenzó a escribir
"Hurricane". El proceso, como afirmó Jacques Levy, no fue sencillo
porque aunque Bob Dylan había escrito con anterioridad canciones de temática
similar ("The Lonesome Death of Hattie Carroll" y "The Death of
Emmett Till") no era capaz de plasmar en la canción todos los sentimientos
que le generaba Rubin Carter. Finalmente Bob Dylan desarrolló la canción con un
marcado estilo cinematográfico.
La canción se convirtió en
una de las pocas canciones protesta de Bob Dylan durante la década de los 70 y
en uno de los singles de mayor éxito durante ese periodo al alcanzar el puesto
31 del Billboard.
(Wikipedia)
Los disparos de una pistola estallan afuera en el barroom night
Entra Patty Valentine desde el pasillo superior
Ella vé al camarero en un mar de sangre
y grita: “Oh Dios mío, Mataron a todos”
Aquí viene la historia del Huracán
El hombre y Las autoridades vinieron a culparlo
por algo que él nunca hizo
A ponerlo en una celda de prisión, aunque una vez él ha sido
el campeón del mundo.
Tres cuerpos yacen ahí donde Patty mira
Y otro hombre llamado Bello, merodea misteriosamente.
“No lo hice”, él dice, y levanta sus manos
“Yo solo era Robbin el cajero, espero que lo entienda
Los ví partir” él dice, y se detiene
“Uno de nosotros, pensó que era mejor llamar a los policías.”
Y luego Patty llama a los policías
Y ellos llegan al lugar de la escena con sus luces rojas
encendidas, en la caliente noche de New Yersey
Mientras tanto en otra parte del pueblo
Rubin Carter y una pareja de amigos conducen dando vueltas.
Competidor número uno para la corona de peso mediano
No tenía idea a la clase de basura a donde estaba a punto de caer.
Cuando un policía se le puso encima suyo al lado en la carretera
Hay un antes y un después de esto
en Paterson tal como las cosas seguirían
Si eres de color tú no te podrías mostrar en la calle
A menos que quieras dibujar el calor
Alfred Bello tenía un compañero
y él tenía un rap para los policías.
El y Arthur Dexter Bradley estaban justo
en los alrededores del prowling
El dijo: “Ví a dos hombres corriendo afuera,
se veían como pesos medianos
Ellos saltaron en un auto blanco sin matrícula
Y la Srta. Patty Valentine apenas giró su cabeza.
Los policías decían: “espera un momento,
estos chicos no están muertos",
los llevaron a la enfermería
Y aunque a este hombre raramente se lo ve
Ellos dijeron que podrían identificar al hombre culpable
Cuatro de la madrugada y llevan adentro de Rubin
Lo llevan al hospital y lo ponen arriba.
El hombre herido mira hacia arriba por uno de sus ojos dañados
y dice: “¿Por qué lo has traído a él?, el no es el hombre.
Sí, Aquí está la historia del Huracán
El hombre y las autoridades vinieron a culparlo
por algo que él nunca hizo
Lo ponen en una celda de prisión, aunque por una vez el ha sido
el campeón del mundo.
Cuatro meses después, los ghettos están en llamas,
Rubin esta en Sudamérica, peleando por su nombre
Mientras Arthur Dexter Bradley está aún en el juego del robo
Y los policías están poniéndole los ojos a él,
buscando a alguien a quien culpar.
p“¿Recuerdas aquel asesinato que sucedió en el bar?”
“¿Recuerdas que viste un auto que escapaba?”
“¿piensas que puedes jugar pelota con la ley?”
“ piensa que pudo haber sido un luchador al que viste corriendo esa noche?
”“No olvides que eres blanco”
Arthur Dexter Bradley dijo: “no estoy realmente seguro”
Los policías dijeron:
“Un chico pobre como vos podría tomar esta oportunidad”
Te conseguimos un trabajo en el motel
y estamos hablando a tu amigo Bello
Ahora no tienes que ir de nuevo a la cárcel, se un valiente.
Le harás un favor a la sociedad
Aquel vaquero es valiente y se vuelve más valiente
Queremos revolver todo en contra de él
Queremos apuntar a él por los tres crímenes
Él no es un caballero Jim”
Rubin podría sacar a un hombre rápidamente
Pero él nunca quiso hablar mucho de eso
Es mi trabajo, él diría, y lo hago por dinero
Y cuando todo esto termine, tan pronto me iré y seguiré mi camino
en algún paraíso
Donde las filas de truchas fluyen y el aire es agradable
Y montar un caballo a largo de una huella
aunque entonces lo llevaron a la cárcel
Donde ellos intentan convertir a un hombre en un rata.
Toda la suerte de Rubin fue marcada por adelantado
La corte era un circo de cerdos, él nunca tuvo una chance
El juez hizo con los testigos de Rubin,
que él sea visto como un borracho de los suburbios
ante la gente blanca que observaba a él como un vago revolucionario
y ante la gente negra solo como un tonto
Nadie dudó de que el jaló del gatillo
Y aunque no podrían encontrar el arma
La D.A dijo que él fue el único que lo hizo
Y todo el jurado estuvo de acuerdo en eso.
Rubin Carter fue injustamente acusado
El crimen fue cometido por “uno” adivinen quienes testificaron?
Bello y Bradley y ambos mintieron
Y los periódicos, todos ellos se adelantaron
¿Cómo pude la vida de tal hombre estar en las
manos de un tonto?
Verlo obviamente encasillado
Sin poder ayudarlo me hizo sentir avergonzado de vivir
En una tierra donde la justicia es un juego
Ahora los criminales usan abrigos y corbatas
Y son libres de beber martinis y ver salir el sol
Mientras Rubin permanece sentado
como Buda en una celda de diez pies
Un hombre inocente viviendo un infierno
Esa es la historia del Huracán
Pero no estará todo terminado hasta que limpien su nombre
Y le devuelvan el tiempo perdido
Lo ponen en un celda de prisión, aunque una vez ha sido
el campeón del mundo.
Entra Patty Valentine desde el pasillo superior
Ella vé al camarero en un mar de sangre
y grita: “Oh Dios mío, Mataron a todos”
Aquí viene la historia del Huracán
El hombre y Las autoridades vinieron a culparlo
por algo que él nunca hizo
A ponerlo en una celda de prisión, aunque una vez él ha sido
el campeón del mundo.
Tres cuerpos yacen ahí donde Patty mira
Y otro hombre llamado Bello, merodea misteriosamente.
“No lo hice”, él dice, y levanta sus manos
“Yo solo era Robbin el cajero, espero que lo entienda
Los ví partir” él dice, y se detiene
“Uno de nosotros, pensó que era mejor llamar a los policías.”
Y luego Patty llama a los policías
Y ellos llegan al lugar de la escena con sus luces rojas
encendidas, en la caliente noche de New Yersey
Mientras tanto en otra parte del pueblo
Rubin Carter y una pareja de amigos conducen dando vueltas.
Competidor número uno para la corona de peso mediano
No tenía idea a la clase de basura a donde estaba a punto de caer.
Cuando un policía se le puso encima suyo al lado en la carretera
Hay un antes y un después de esto
en Paterson tal como las cosas seguirían
Si eres de color tú no te podrías mostrar en la calle
A menos que quieras dibujar el calor
Alfred Bello tenía un compañero
y él tenía un rap para los policías.
El y Arthur Dexter Bradley estaban justo
en los alrededores del prowling
El dijo: “Ví a dos hombres corriendo afuera,
se veían como pesos medianos
Ellos saltaron en un auto blanco sin matrícula
Y la Srta. Patty Valentine apenas giró su cabeza.
Los policías decían: “espera un momento,
estos chicos no están muertos",
los llevaron a la enfermería
Y aunque a este hombre raramente se lo ve
Ellos dijeron que podrían identificar al hombre culpable
Cuatro de la madrugada y llevan adentro de Rubin
Lo llevan al hospital y lo ponen arriba.
El hombre herido mira hacia arriba por uno de sus ojos dañados
y dice: “¿Por qué lo has traído a él?, el no es el hombre.
Sí, Aquí está la historia del Huracán
El hombre y las autoridades vinieron a culparlo
por algo que él nunca hizo
Lo ponen en una celda de prisión, aunque por una vez el ha sido
el campeón del mundo.
Cuatro meses después, los ghettos están en llamas,
Rubin esta en Sudamérica, peleando por su nombre
Mientras Arthur Dexter Bradley está aún en el juego del robo
Y los policías están poniéndole los ojos a él,
buscando a alguien a quien culpar.
p“¿Recuerdas aquel asesinato que sucedió en el bar?”
“¿Recuerdas que viste un auto que escapaba?”
“¿piensas que puedes jugar pelota con la ley?”
“ piensa que pudo haber sido un luchador al que viste corriendo esa noche?
”“No olvides que eres blanco”
Arthur Dexter Bradley dijo: “no estoy realmente seguro”
Los policías dijeron:
“Un chico pobre como vos podría tomar esta oportunidad”
Te conseguimos un trabajo en el motel
y estamos hablando a tu amigo Bello
Ahora no tienes que ir de nuevo a la cárcel, se un valiente.
Le harás un favor a la sociedad
Aquel vaquero es valiente y se vuelve más valiente
Queremos revolver todo en contra de él
Queremos apuntar a él por los tres crímenes
Él no es un caballero Jim”
Rubin podría sacar a un hombre rápidamente
Pero él nunca quiso hablar mucho de eso
Es mi trabajo, él diría, y lo hago por dinero
Y cuando todo esto termine, tan pronto me iré y seguiré mi camino
en algún paraíso
Donde las filas de truchas fluyen y el aire es agradable
Y montar un caballo a largo de una huella
aunque entonces lo llevaron a la cárcel
Donde ellos intentan convertir a un hombre en un rata.
Toda la suerte de Rubin fue marcada por adelantado
La corte era un circo de cerdos, él nunca tuvo una chance
El juez hizo con los testigos de Rubin,
que él sea visto como un borracho de los suburbios
ante la gente blanca que observaba a él como un vago revolucionario
y ante la gente negra solo como un tonto
Nadie dudó de que el jaló del gatillo
Y aunque no podrían encontrar el arma
La D.A dijo que él fue el único que lo hizo
Y todo el jurado estuvo de acuerdo en eso.
Rubin Carter fue injustamente acusado
El crimen fue cometido por “uno” adivinen quienes testificaron?
Bello y Bradley y ambos mintieron
Y los periódicos, todos ellos se adelantaron
¿Cómo pude la vida de tal hombre estar en las
manos de un tonto?
Verlo obviamente encasillado
Sin poder ayudarlo me hizo sentir avergonzado de vivir
En una tierra donde la justicia es un juego
Ahora los criminales usan abrigos y corbatas
Y son libres de beber martinis y ver salir el sol
Mientras Rubin permanece sentado
como Buda en una celda de diez pies
Un hombre inocente viviendo un infierno
Esa es la historia del Huracán
Pero no estará todo terminado hasta que limpien su nombre
Y le devuelvan el tiempo perdido
Lo ponen en un celda de prisión, aunque una vez ha sido
el campeón del mundo.
Pelicula Huracan Carter
Mecano - Me cuesta tanto olvidarte
Hola a todo@s, ¿Cómo estáis?.
"Besos que vienen
riendo, luego llorando se van, y en ellos se va la vida, que nunca más
volverá". No, no son palabras mías, son de Miguel de Unamuno relacionadas con el desamor.
En nuestro recorrido por las
“canciones con historia” hablamos ahora de rupturas amorosas. Dicen los psicólogos
que "la ruptura sentimental es uno de los acontecimientos más estresantes,
de cambio, que vivimos" y lo cierto es que
no les falta razón pero llegados a este punto habría que preguntarse: ¿cuáles
son las claves para querer volver de nuevo a recuperar nuestras vidas?, eso si tener la
absoluta seguridad de que de todo se sale.
A lo largo de mi carrera de radio he manejado muchas
canciones relacionadas con el amor y he de confesar que siempre me han gustado ya que la música no hace otra cosa que recoger el sentir de las personas y es
que el amor no siempre es una experiencia feliz. A veces amamos profundamente a
alguien que nos rechaza o justo al revés, rechazamos a alguien que sí nos ama,
pero tranquilos porque el enamoramiento no dura para siempre y que lo que
funciona para superar una ruptura es lo mismo que funciona para superar
cualquier adicción.
La canción que nos
disponemos a escuchar cuenta la
historia de una separación y de las dudas que eso produce, de saber si la elección
ha sido la acertada o estás perdiendo demasiado, si eres sensato o un loco, si
el mantener tu decisión es madurez u obcecación.
Los Mecano tienen ahora su
tiempo en esta sección de mi blog, con “Me cuesta tanto olvidarte”, una
preciosa balada que seguro conocéis por lo famosa que se hizo a finales de los
años ochenta.
Decir que fue publicada en
el año 1986, dentro del trabajo titulado "entre el cielo y suelo"
llegando a convertirse en una de las canciones más emblemáticas del grupo
durante la segunda etapa de su discografía.
El uso de instrumentos con constante apoyo en los
coros a la voz de Ana Torroja, la convierten en una elegante interpretación encontrándonos sólo con un piano en primer plano y los teclados asi como una
sección de cuerda de fondo, y es la cantante la que lleva el peso de la balada,
consiguiendo un buen resultado.
El mensaje se convierte en
algo así como un lamento por haber tomado la decisión de abandonar la relación,
aunque se resiste una y otra vez a volver.
y no me canse de
jurarte
que no habra segunda
parte
me cuesta tanto
olvidarte
Todo el contexto de la
canción está envuelto en una melodía tan
deliciosa que nos conduce a la meditación cuando y al recuerdo de aquello que
pudo ser pero que nunca fue, ése que sigue presente en tu mente aunque hayan
transcurrido muchos años desde que pasó por tu vida.
Mecano, concretamente el
mayor de los hermanos Cano, José Mari, logró allá por 1986 una balada que hace
tambalear hasta el último rincón de los recuerdos.
Con un fondo de piano,
acompañado de teclados simulando violines -en el papel del bajo y una letra con
la que todos nos hemos podido sentir identificados en algún momento de nuestras
vidas, ofrece una composición tremenda, grande y a la vez sencilla, emotiva,
melancólica… inolvidable.
Que disfrutéis de la canción y tengáis un buen día... aaaaa y recuerdos de mi amigo Sibe, mi querido manolito, ja, ja, ja.
Braulio Molina López
"Me cuesta tanto
olvidarte", es una canción del grupo español de música pop Mecano y fue el
tercer sencillo sacado del álbum "Entre el cielo y el suelo", amén de
ser también una de las canciones más emblemáticas del grupo durante la segunda
etapa de su discografía. Del primer verso de esta canción sale el título del
álbum en donde viene incluida.
"Me cuesta tanto
olvidarte" tiene una estructura interna muy peculiar en lo referente a
cómo se fueron armando los párrafos de la letra que la componen: No tiene la
típica arquitectura que por lo general encontramos en una canción del tipo
balada-pop,1 es decir, carece de esa alternancia entre las estrofas de versos y
las estrofas de estribillo que sí podemos observar en la mayoría de las
canciones modernas. Este tema musical está formado por cuatro estrofas en total
de las cuales las tres primeras que encontramos son estrofas de versos o lo que
es lo mismo, estrofas de letra no-repetitiva.
La cuarta y última estrofa
viene a ser lo que se llama estrofa-estribillo que en el caso de esta canción
de Mecano en particular, solamente se canta en "Bis" (2 veces) pero
con un puente musical en piano intercalado entre cada repetición.
Vale decir que esta forma de
componer canciones, con el estribillo ubicado el final del tema y repetido en
"Bis", no es muy común de ver en el mundo de la composición musical
moderna, es un recurso más bien poco usado. Otras canciones que poseen una
estructura idéntica a la de esta canción son—por ejemplo—el tema titulado
"Blanco y negro" de la cantante brasilero-venezolana Elisa Rego y,
"El tiempo no pasa en vano" de Delia por nombrar sólo dos casos.
El tema es de la autoría de
José María Cano y se trata de una balada acústica que cuenta con una producción
musical muy sencilla en comparación con otros temas escritos por el mismo José
María de este mismo álbum, ya que sólo se utilizó un piano acústico acompañado
de teclados simulando violines esto junto a la vocalización en crudo de Ana
Torroja, la cual realiza una de las mejores interpretaciones de todo el álbum,
demostrando así el control que tiene sobre su voz, y para muestra un botón, al
minuto 1:07 de haber comenzado la canción realiza un vibrato3 ejecutado de
forma impecable al cantar la frase "Quince mil encantos"; técnica que
por demás está decirlo es muy difícil de realizar correctamente.
Entre el cielo y
suelo hay algo
con tendencia a
quedarse calvo
de tanto recordar
y ese algo que soy yo
mismo
es un cuadro de
bifrontismo que
solo da una faz
la cara vista es un
anuncio de Signal
la cara oculta es la
resulta
de mi idea genial de
echarte
me cuesta tanto
olvidarte
me cuesta tanto
olvidarte
me cuesta tanto
olvidar quince mil
encantos
es mucha sensatez
y no se si sere
sensato
lo que se es que me
cuesta un rato
hacer cosas sin
querer
y aunque fui yo quien
decidio que ya no mas
y no me canse de
jurarte que no habra
segunda parte
me cuesta tanto
olvidarte
me cuesta tanto
olvidarte
me cuesta tanto ...
Versión italiano
Green Day - When September
Ends
Hola a tod@s:
No tengo un gran curriculum, en una ocasión me preguntaron en una entrevista televisiva cual era mi carrera, mi respuesta fue ninguna, lo dije alto y claro, que lo mio era "paseillo" ja, ja, ja, digamos que no tengo mucho por lo que presumir (según se mire claro), soy una persona que trabaja y vive sencillamente, o que al menos lo intenta , una persona como tu que escribe en las redes sociales, que toma cervezas en los bares, que va al cine que ríe o llora y lo que haga falta, pero sobretodo soy un apasionado de la música y esa pasión mía es la que me ha empujado a estar siempre vigilante respecto de la música, a estudiarla a intentar entenderla y a compartir cosas como estas.
De vuelta en
nuestras “canciones con historia” para
acercarnos a la formación Green Day, y
lo hacemos con una historia real. A titulo de introducción permitirme una
reflexión: debe de ser muy triste y a la vez muy emotivo componer algo que significa recordar
de esta forma la muerte de un padre.
Las historias nostálgicas
por la pérdida de un ser querido también forman parte del
sentir de la música. Antes de entrar en materia decir que tras la muerte de un padre es importante
asumir que queda por delante un tiempo de superación. Durante un tiempo, una
persona que pierde a un ser querido puede rebelarse interiormente en contra de
lo sucedido, así surge la rabia y la ira para dar paso después a la tristeza.
El nombre de la canción,
según lo que dice Billie Joe:"Mi padre había muerto en septiembre, y yo lo
que más quería era que todo fuese un sueño."por eso titulé esa canción
como "Wake Me Up When September Ends"
La canción que ahora os
propongo nos habla de ello y de como el padre de Billie murió de cáncer cuando él tenía 10 años.
El pequeño no pudo
controlarse en el funeral, y debido al profundo dolor que sufría no pudo hacer otra cosa que salir
corriendo hacia su casa, dónde se encerró en su habitación. Su madre corrió detrás
de él y a través de la puerta le invitó a salir pero él sólo dijo: " Despiertáme
cuando termine septiembre”.
. Armstrong admitió después que
la frase la decía porque deseaba que el funeral y todo lo que había sucedido
hubiera sido un sueño, y que seguramente pasado septiembre despertaría de esa
pesadilla y volvería a ver a su padre, como antes de ese trágico mes.
Podríamos decir que una sola
frase resume toda la canción: ““My memory rests but never forgets what I lost,
wake me up when september ends” (“Al tiempo que mi memoria se mantiene, pero
nunca olvida lo que perdí, despiértame cuando septiembre termine”).
Lo que hace casi 34 años
eran una sencillas palabras de un niño que deseaba que un suceso trágico se
convirtiera en un sueño, se ha convertido, muchos años después, en una canción
que es capaz de adaptarse a las personas y traerles nostalgia, pero sobretodo
memorias, recuerdos de seres especiales que quizás se han ido de una u otra
forma de nuestro lado.
Han pasado los años, muchos
años, pero el dolor persiste en el corazón de nuestro protagonista, y es que
parece que, tras finalizar septiembre y despertar el dolor sigue siendo el
mismo.
El video causó gran
controversia entre los fans al mostrar a Jason White como parte de la banda. En
el video se ve a la banda tocando de fondo para una historia entre dos jóvenes
novios (Jamie Bell, Evan Rachel Wood), en el cual el hombre se alista en el ejército
para ir a la guerra en Irak. Esta historia es una interpretación que le dio el
director del video a la canción. Fue el primer video musical en el que Billie
Joe Armstrong no usó una guitarra Gibson
El 4 de febrero se celebra el Dia Mundial
contra el cáncer y por ello permitidme una breve reflexión:
A veces, el cáncer mata,
pero no vence a la dignidad de las personas, ni simboliza batalla alguna
perdida. No se pierde contra nada, aunque
se sea incapaz de superar la situación, simplemente se tiene cáncer y no
se supera, porque a veces en la vida esas cosas pasan.
Que tengáis un buen día
Braulio Molina López
"Wake Me Up When
September Ends", (en español: "Despiértame cuando septiembre
termine"), es el cuarto sencillo del álbum American Idiot, de la banda
Green Day, en el verano de 2005. El video fue dirigido por Sam Bayer nominado
como mejor video de Rock del año VMA 2006 de la MTV.
"Wake Me Up When
September Ends" ocupa el puesto 94 de las 100 mejores canciones del siglo
XXI de la revista Rolling Stone, y también ocupa el puesto 448 de "Las
1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q. El sencillo es la
cuarta canción más exitosa del trío californiano.
El verano ha llegado
y pasó
La inocencia puede
nunca perderse
Despiértame cuando
septiembre termine
Como mi padre vino y
se fue
Siete años se han ido
tan rapido
Despiértame cuando
septiembre termine
Aquí viene la lluvia
nuevamente
Cayendo desde las
estrellas
Empapado en mi pena
nuevamente
Volviéndonos quienes
somos
Mientras los restos
de mi memoria
Pero nunca olvidare
lo que perdí
Despiértame cuando
septiembre termine
El verano ha llegado
y pasó
La inocencia puede
nunca perderse
Despiértame cuando
septiembre termine
Suenan fuera las
campanas nuevamente
Como estabamos
nosotros cuando la primavera comenzó
Despiértame cuando
septiembre termine
Aquí viene la lluvia
nuevamente
Cayendo desde las
estrellas
Empapado en mi pena
nuevamente
Volviéndonos quienes
somos
Mientras los restos
de mi memoria
Pero nunca olvidare
lo que perdí
Despiértame cuando
septiembre termine
El verano ha llegado
y pasó
La inocencia puede
nunca perderse
Despiértame cuando
septiembre termine
Como mi padre vino y
se fue
Veinte años se han
ido tan rapido
Despiértame cuando
septiembre termine
Despiértame cuando
septiembre termine
Despiértame cuando
septiembre termine
Deep Purple - Smoke On The Water (1972)
Hola a tod@s
Nueva entrega de “canciones con
historia” y antes de presentaros la canción permitidme que comente que la
música en directo debe, en mi opinión dar un paso adelante y es que con las nuevas tecnologías sacudiendo la industria
musical, debemos preguntarnos por el estado actual de los shows y el
aprovechamiento de los recursos existentes. A lo largo de mi carrera radiofónica
entre otros muchos espacios he dirigido “Daimiel en Concierto” un lema que ha traído
al corazón de La Mancha, los conciertos más importantes tanto de la escena
nacional como internacional.
Recuerdo con cierta
nostalgia como me comentaba el concejal de los conciertos, las laboriosas y
complicadas gestiones que llevaba a cabo hasta conseguir que figuras de talla
internacional, como Sting, Texas o
Status Quo pasaran por el que después fue el escenario más importante de
Castilla La Mancha, o como hemos vivido los entresijos de cada una de las
actuaciones desde los camerinos al escenario para conocer a los artistas en sus ruedas de prensa.
Esto, como decía, me
permitió conocer a los artistas en los camerinos, de tu a tu, entrevistarlos y
conocer parte de su faceta humana, de esta forma aprendí a vivir los “previos”,
pruebas de sonido, nervios de los artistas etc.
También he podido comprobar
de primera mano cómo seguir las actuaciones en directo participando del
ambiente o tomando una copa, sentir un clima especial para todo lo relacionado
con la música, no siendo pocas las veces que el entorno ha superado o se ha
convertido en parte fundamental del espectáculo.
La organización de un gran
concierto exige una gran movilización de medios, tanto técnicos como humanos,
quienes hemos estado en el ambiente lo sabemos pero ahora quiero centrarme en
la canción propuesta: Smoke on the wáter de la banda Deep Purple.
Pero vamos ya con la
canción, el punto elegido es la localidad suiza de Montreaux,allí acababan de
llegar Deep Purple dispuestos a grabar lo que iba a ser su nuevo disco,
“Machine head”,lo iban a hacer como muchos grandes grupos del rock de la época
, en el estudio movil de los Rolling Stones,este estudio lo trasladaron a uno
de los varios edificios que conformaban el Casino de Montreaux.
Esa misma noche actuaban en
el Casino, Frank Zappa and The Mothers of Invention , y los miembros de Deep
Purple aprovecharon para asistír al concierto,y deleitarse con el espectaculo
pirotécnico-musical de Zappa y su grupo,que llegado un momento, una bengala que
golpeó en el techo ,provocó un pavoroso incendio ,que arrasó todo el complejo
del Casino.
Observando el incendio el
bajista Roger Glover escribió en un papel la frase, “Smoke on the water”,(Humo
sobre el agua) , y poco después an Gillan el cantante ,comenzó a escribir la
letra de la canción, pero lo que más marcó el tema no fueron el titulo ni la letra,
sino el sencillo “riff” que saco esa misma noche con su guitarra Ritchie
Blackmore,que quizás se ha convertido ,sino en el mejor ,en el más reconocido
de la historia del Rock , y por supuesto de su carrera.
El fuego arrasa con todo,
pero para Deep Purple las llamas también pueden resultar inspiradoras. Un
concierto de Frank Zappa con desenlace trágico en Montreux, Suiza, quedó
inmortalizado en ‘Smoke on the water’, la canción con el riff más popular de la
historia del rock.
Cabe destacar, como
curiosidad, la forma en que se toca el riff. Ritchie Blackmore lo hacía con los
dedos, el pulgar y el índice. Tirando de dos cuerdas simultáneamente, el efecto
es diferente al de tocarlas con una púa, como hacen la mayoría de los
guitarristas. La profundidad del sonido original es inigualable con una púa, y
desde luego, tocado de otra forma, o en una sola cuerda, el efecto hubiera sido
muy diferente.
Por cierto que ‘Smoke on the
water’ se ha convertido en la primera lección, o en el primer intento, de
cualquier aprendiz de guitarrista que se precie. Una llama imposible de apagar.
Que tengáis un buen dia
Braulio Molina López
"Smoke on the
Water" (en español: Humo sobre el agua) es una canción del grupo de hard
rock británico Deep Purple, lanzada en el influyente álbum Machine Head en el
año 1972.
Es reconocida por su riff
central, tocado por Ritchie Blackmore con una guitarra Fender Stratocaster que
se ha convertido en uno de los riffs más famosos de la historia del rock
mundial. Es también muy conocida su versión en directo del álbum Made in Japan,
de 1972. La revista Rolling Stone ubicó a la canción en el puesto 434 en un
listado de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" y en el
puesto 1 en el listado de las Las 50 mejores canciones heavies de la historia.
La canción cuenta la
historia del incendio del Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante
un concierto de Frank Zappa cuando una persona del público arrojó una bengala
hacia el techo del escenario y se incendió el lugar, que precisamente era el
sitio en donde iba a empezar a grabar Deep Purple al día siguiente el álbum
Machine Head. El humo del incendio sobre el lago Lemán inspiró la letra de la
canción a Ian Gillan.
(Wikipedia)
HUMO EN EL AGUA
Salimos hacia Montreux
a orillas del Lago Ginebra
para grabar con una unidad
móvil.
No disponíamos de mucho
tiempo.
Frank Zappa y The Mothers
estaban en el mejor sitio,
pero algún estúpido con un
lanzabengalas
hizo que ardiera el lugar
hasta los cimientos.
Humo en el agua, el fuego en
el cielo.
Incendiaron el casino.
Se consumió con un ruido
terrible.
Funky Claude entraba y salía
corriendo
sacando fuera a los niños.
Cuando todo terminó
tuvimos que buscar otro
sitio,
pero el tiempo en Suiza se
agotaba.
Parecía que íbamos a perder
la carrera.
Humo en el agua, el fuego en
el cielo.
Acabamos en el Gran Hotel.
Estaba vacío, frío y
desamueblado,
pero con el camión de los
Rolling Stones afuera.
Hacíamos ahí nuestra música.
Con unas pocas luces rojas y
camas viejas,
conseguimos un lugar donde
sudar.
No importa lo que saquemos
de esto,
sé bien que nunca lo
olvidaremos.
Humo en el agua, el fuego en
el cielo.
Muy bueno tio, muy bueno. Saludo desde México.
ResponderEliminarMuy buenas canciones y mejores comentarios. BRAVO.
ResponderEliminarMe encanta esta página, rebosa cultura. Saudos desde Salamanca.
ResponderEliminarMe encantan Braulio Molina López. salutacions. Marta (Besalú)
ResponderEliminarHola Braulio, tras echar un vistazo a tu blog veo un especial dedicado a Leonard Cohen, me gustaria que pusieras alguna cancion suya. Gracias. Pablo
ResponderEliminarHola Braulio quiero felicitarte por tu estupendo blog, muy interesante en términos generales pero sobretodo por los exquisitos comentarios que haces y por el buen gusto que tienes por la música. MUCHAS GRACIAS. Besos desde Ourense. Rosa.
ResponderEliminarMe gusta tu forma de contar la musica. Espero que sigas poniendo canciones, todas muy buenas. Saludo desde Uruguay.
ResponderEliminarMe gusta este sitio. Tiene saber, arte y estilo. Monica (Reus)
ResponderEliminarHola Braulio, siempre te seguí en la radio y ahora leo lo que publicas aqui. Sludo desde Daimiel. Manoli.
ResponderEliminarTodas número uno con buenos comentarios. Una buena idea juntar tantas y tan buenas canciones. Precioso. Por cierto me gustaría ver mas rock español, que también lo hay y bueno. Un abrazo. Antonio (Madrid).
ResponderEliminarLas canciones son buenas, pero los comentarios son mas bien repetitivos y algo sosos.
ResponderEliminarRepetitivos y sosos, ji, ji, ji, no me hagas reir.
ResponderEliminarMe gusta este blog ,es muy interesante y entretenido, muchas gracias por la información Braulio
ResponderEliminarSe nota que estas muy influenciado por la música. Creo que tienes buen gusto. Me has echo recordar buenos momentos de mi juventud y tus comentarios son enriquecedores. Muchas gracias por compartir con nosotros tanta y buena información. Julia (Vigo).
ResponderEliminarPreciosas canciones y bien comentadas con gusto. Me GUSTAN. Saludos desde Asturias. Maria del Valle.
ResponderEliminarMe ha conmovido la canción del atentado, no la conocía. Que tristeza. Te doy mi enhorabuena Braulio Molina Lopez por tu manera de presentar las canciones. Creo que eres presentador de radio. ¿ Donde se te puede escuchar?. Un saludo afectuoso. Marta Almeria.
ResponderEliminarEs super interesante, la historia que hay detrás de cada canción, muchas gracias Braulio!!!,por hacernos sabedor@s. Es fantástico tener esta información y oír la canción. Un abrazo !!! Girona
ResponderEliminarMe encantan las canciones y los comentarios. Buenos, muy buenos y llenos de vida. Ramón (Madrid)
ResponderEliminarHola Braulio, hay una canción que me trae grandes recuerdos de mi juventud, seguro que la tienes que conocer, te hablo de corazón destrozado de Bonnie Tyler. Me gustaría si puede ser que la pusieras y comentaras algo de ella. Me trae grandes recuerdos. Un saludo y gracias. Merche (Mérida)
ResponderEliminarEsta canción, no sólo a ti, sino a mucha gente con unos determinados años, también les trae grandes recuerdos. Un saludo.
EliminarTienes un buen gusto para la música y una buena literatura, me gusta tu manera de contar las cosas, sencilla pero cercana.Alicia (Lyon)
ResponderEliminarHola, soy músico y pienso que esto de elegir canciones y comentarlas es una buena idea, sobretodo cuando se hace bien, por lo que veo tu también eres músico, imagino que eres el de la foto con un saxo, creo que esta condición tuya se nota y mucho en tus comentarios y que realmente sabes de que va la cosa. ¡saludos y que no nos falte nunca la música. Pedro (Cantabria)
ResponderEliminarEnte colegas anda el juego. Un saludo.
EliminarSiempre dices lo mismo, pero con distintas palabras, además estas canciones ya las conocemos. Algunas canciones son buenas pero otras dejan mucho que desear. Mas de lo mismo.
ResponderEliminarHola anónimo, pues tu bien que los lees. Agradezco tu comentario aunque como comprenderás no lo comparto, ja,ja,ja. Por cierto quiero invitarte a dos cosas:
Eliminar1. Que te identifiques que es lo lógico en la gente sería.
2. Que comentes aquí una canción tu. Este portal está abierto, tan solo tienes que enviarme tu información a mi correo electrónico (por supuesto identificado) y yo lo publicaré en tu nombre, venga anímate.
Gracias por tu comentario y que tengas un buen día.
Muchas gracias a todos y a todas por vuestros comentarios, y sobretodo por visitar mi blog. Muy agradecido, muy amables y también a quienes se asoman a esta información desde distintos puntos del planeta, aunque no dejen ningún comentario. Muchas gracias, muy agradecido. UN SALUDO para tod@s desde Ciudad Real (España).
ResponderEliminarSiempre igual con todo, como todas las cosas que se hacen, da igual que sean de música o de cualquier otra cosa, siempre critica el que no es capaz de hacer nada. Enhorabuena por tu blog Braulio y gracias a ti por tu trabajo. Roberto, amante de la música y del buen royo. (TENERIFE)
ResponderEliminarHola Braulio me gustaría que nos hablaras y pusieras algo de el que se llamó rock andaluz. Muchas gracias y gracias por tus canciones. Un saludo. Sonia (Sevilla)
ResponderEliminarComo en la radio te pongas tan refinado como aqui, cualquiera te escucha, ja, ja,ja
ResponderEliminarQue bonita la cancion de Victor Manuel Braulio, que realidad mas grande y que sensibilidad tienes hablando de los problemas y las canciones. Un abrazo desde Valencia. Isabel.
ResponderEliminarGuapo.
ResponderEliminarMuchas gracias Braulio, por enriquecernos con la información que nos das,es un placer seguir tu blog ,un abrazo.
ResponderEliminarGracias Braulio, muchas canciones las conozco pero no sabia su significado, ahora me doy cuenta que es mas que importante conocer lo que cuentan las canciones y el porque de las cosas. Ricardo A Coruña.
ResponderEliminarHola me gustaria saber si el de las fotos en una radio y con un saxo eres tu. Gracias. Lola_ Badajoz
ResponderEliminarYo fui una seguidora tuya de la radio, te escuchaba todos los días y me gustaban mucho tus programas llenos de vida y lo bueno que eras explicando las cosas. Mucha gente te hecha de menos.. Me encantaba como hablabas y esa voz tuya que engancha. Un saludo desde Daimiel.
ResponderEliminarHola Braulio me encanta tu blog lleno de cultura y de buenos comentarios. Un saludo desde Valencia. Rosario.
ResponderEliminarMe gusta tu manera de hablar de las canciones y lo bien que lo haces, tienes que ser una persona muy puesta en la música. Muchas Gracias por explicar el significado que no conocia de estas canciones tan conocidas y por tu aportación a la historia de la música. Roberto (Cadiz)
ResponderEliminarQue grande eres Braulio, genial, lo eras siempre en la radio, lo eres y lo seras. Una admiradora.
ResponderEliminarQue bonitss canciones y qie bien las explicas Braulio. Cuantos recuerdos. Muchas gracias. Enric (Barcelona)
ResponderEliminarMe encantan tus comentarios. Muchas gracias. Angela - Gijón
ResponderEliminarMuchas gracias por tu trabajo, es mas que plausible. Un saludo desde Mugardos. Pablo
ResponderEliminarJa,ja,ja Braulio que buena tu anecdota con Aljendro Sanz. Gracias por tus comentarios y las canciones, todas muy buenas. Lucia- Tarragona.
ResponderEliminarQue bonitas las canciones, y que buen gusto. Un saludo.
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